El 2011 no trató a otra banda puertorriqueña mejor que a Dávila 666. Sir Charles, AJ, GiGi, Johnny Otis, Panda y The Latin Snake vieron su fanaticada crecer y crecer alrededor del mundo tras el lanzamiento de su excelente segundo LP, Tan Bajo. Recibieron muy buenas reseñas de parte de NPR, TIME, Pitchfork, entre otras publicaciones; tocaron el SXSW y Primavera Sound, sin olvidar a Puerto Rico; su música se escuchaba en comerciales norteamericanos y Jack White les quiso grabar un disco en vivo… Hard work was paying off.

Para una banda independiente, mayor popularidad tiende a significar más trabajo – por lo que el 2012 trae una agenda cargada para el grupo, comenzando con el lanzamiento de un nuevo sencillo 7″ para Oops Baby Records. Le enviamos unas preguntas a AJ Dávila – productor, compositor, bajista y una de las principales mentes musicales detrás de la banda – para conocer más sobre el futuro de Dávila 666.

PRI: Saludos AJ y gracias por sacar el tiempo para nuestras preguntas. Hablemos primero de lo nuevo de Dávila 666. A principios de febrero lanzan el sencillo “Pa Que Vives” para Oops Baby Records. ¿Cómo surgió la colaboración con Oops Baby? ¿Y de quién fue la idea del “Puerto Rican Flag Vinyl”?

AJ Dávila: ¡Saludos! Oops Baby Records es la casa disquera de una de nuestra mejores amigas de toda la vida, Rebecca Hagenson… so obligatoriamente ibamos a sacar música con ella. Es parte de nuestra familia. La idea del vinyl fue de Rebecca… es de las personas más brillantes que conozco. Ya a unos cuantos días de salir el pre-order estaba sold out.

PRI: Se fue bien rápido – por suerte conseguí mi copia. ¿Qué nos puedes adelantar de los temas “Pa que vives” y “Sera Sera” que aparecen en el sencillo? ¿Fueron trabajados durante las sesiones para Tan Bajo? ¿Cómo describirías las canciones?

AJ: ¡Irónicamente “Pa que vives” y “Sera Sera” son canciones del 2007! Son canciones huérfanas que no salieron en nuestro debut en In The Red Records. Así que le enviamos un montón de canciones a Rebecca y ella escogió las más que le gustaron. “Pa que vives” es en una línea rock and roll sicodélico y “Sera Sera” es nuestra country folk song. Muy buenas y pegajosas.

PRI: Recientemente anunciaron que la banda estará representando a Puerto Rico en el lineup del Festival Nrmal en México junto a Girls, Astro, Los Rakas y Liturgy, entre otros. ¿Cómo surgió la oportunidad? ¿Qué te entusiasma del festival y con cuales grupos esperas compartir por allá?

Básicamente Pablo se comunicó con nuestro booking agent en Los Ángeles y le hizo el acercamiento. Una semana después nos llama Peter Davies y nos dice: se van para México en marzo. Estamos super emocionados porque es un gran festival de mucho prestigio en México y el line-up es genial. De los artistas que van a tocar me estusiasma ver a Friends que es una de las bandas que para el 2012 van a explotar a la fama, Los Rakas, Girls y Bam Bam.

PRI: El año pasado fue uno de mucha actividad para la banda – ¡estaban por todos lados! ¿Esperabas que el grupo alcanzara la popularidad que ha adquirido? ¿Era la meta desde el comienzo o fue algo que fue sucediendo “orgánicamente”, por falta de otra palabra?

AJ: Yo pienso que la base del éxito de Dávila, siempre han sido las metas que nos hemos propuesto a cumplir a corto plazo. Siempre supimos que nuestra carrera la teníamos que hacer fuera del país. Trabajamos fuerte… demasiado de fuerte – pasamos hambre, no tuvimos ni un peso para comer – pero nunca nos olvidamos de lo que queríamos hacer y cómo lo queríamos hacer.

Me sorprendió mucho lo rápido que han pasado las cosas, más en el sentido que somos una banda que canta en español en un mercado en inglés. El 2012 esperamos que traiga el doble de trabajo y de cosas buenas para nosotros.

http://www.youtube.com/watch?v=lFPFhSH4B18

PRI: ¿Algún momento(s) o logro(s) durante el 2011 qué guardes como tu favorito? ¿Qué es lo más que te ha sorprendido? ¿Y qué ha sido lo más duro?

AJ: Que nuestra música saliera en todo Estados Unidos con las marcas The North Face y Taco Bell fue algo increíble… Ver tu música en los anuncios del Super Bowl es un poco surreal.

También ver nuestra música en MTV es algo que siempre hemos soñado de pequeños. Cuando tocamos el showcase de Vice Records en SXSW, Kristen Stewart vino donde nosotros y nos dijo que era fanática de la banda. Eso me sorprendió mucho, jajaja.

Lo más duro siempre va a ser turear… es un trabajo 24/7. Tienes que levantarte todos los días a las 9am para guiar 10… 12 horas… si tienes suerte 5 horas – para luego hacer entrevistas o radio, tocar tu show, fiestar hasta las 5am jajaja y levantarte de nuevo a 9am. Suena divertido pero es bien fuerte.

En el 2011 estuvimos casi 9 meses de tour. Empezamos e1 1ro de marzo y terminamos el 8 de noviembre. Extrañas tu cama, tu novia y la familia.

PRI: ¿Qué tal fue la experiencia de grabar un disco en vivo para Third Man Records? ¿Qué te pareció el resultado? ¿Conociste a Jack White?

AJ: Para nosotros fue un gran honor el poder trabajar con una persona como Jack White. La experiencia fue genial y son el tipo de oportunidades que ayudan a crecer tu carrera. El resultado no terminó siendo el que pensábamos pero nada más con la oportunidad es increíble. No todos tienen un disco producido por Jack White.

PRI: Y en todos los viajes del grupo… ¿Han podido confirmar algún estereotipo que exista acerca de los puertorriqueños alrededor del mundo – o han ayudado a romper alguno? ¿Qué impresión tienen los demás músicos con quienes han compartido sobre la isla, si alguna?

AJ: Las mujeres siempre quieren saber si tenemos el bicho grande porque es lo que siempre han escuchado jajaja.

En realidad me ha sorprendido lo muy querido que somos los puertorriqueños en todo el mundo. ¡Hay mucho amor! Depende del lugar nos preguntan de nuestra situacion política y qué pensamos… pero todas las personas con que tocamos están locas por venir a tocar a la isla.

PRI: ¡Hay que montar un buen festival entonces! Habiendo dicho eso… ¿Te preocupa la situación actual del país?

AJ: ¡Me tiene q preocupar! Es mi país y lo amo más que nada. Es la casa de mi familia y de todas las personas que quiero. Tiene que venir un cambio… pero ese cambio va a llegar cuando cambiemos por dentro – y lo digo en todos los aspectos de la palabra.

PRI: Me imagino que cuando están haciendo prensa afuera les han preguntado por la escena musical de Puerto Rico. En tu experiencia tocando música fuera de la isla e interactuando con otros músicos y escenas, ¿haz podido identificar algún elemento que se de en otras partes que haga falta en Puerto Rico? ¿Qué le hace falta a nuestra escena para verla crecer y madurar?

AJ: Yo pienso que nuestro país tiene una gran escena musical… una muy amplia y de buen gusto. Lo que no ayuda es la política de la música en Puerto Rico. El artista se ve forzado a salir del país si quiere tener algun tipo de éxito. Cualquier mamarracho puede venir aquí con una mierda y el país le abre las puertas con bombos y platillos. ¿Deberíamos empezar con los nuestros no?

http://www.youtube.com/watch?v=erXzHUoK_9U

PRI: No que me encante escribirlas (ya casi ni leerlas), pero entiendo que las reseñas musicales juegan su rol dentro de la industria, tanto para los fans como para las bandas. ¿Qué te parecen las reseñas musicales? ¿Lees las de Dávila 666?

AJ: Soy fanático de leer reseñas musicales. Creo que diariamente le dedico más de una hora – más si es prensa de la banda. Es super importante saber qué está pasando con tu trabajo.

PRI: ¿Qué consejo le darías a un grupo que esté empezando a practicar y componer sus propios temas acá en Puerto Rico, deseoso de seguir los pasos de tu banda?

AJ: Que sean responsables y dedicados… el rock and roll no es sólo drogas y sexo… es un trabajo y como trabajo, si se quiere tener éxito – ¡hay que trabajar como mula! Otra cosa – tureen lo más que puedan… Ninguna casa disquera les va a dar el apoyo si no lo hacen. Ahí es que está el dinero.

PRI: ¿Cómo surgió el sonido de Dávila 666? ¿Fue algo instintivo o un proceso laborioso llegar a como se escuchan hoy en día? ¿Qué tal es la experiencia en el estudio y componiendo?

AJ: Nació del proceso de sentir diversión entre amigos. Todo se ha trabajado y grabado en mi cuarto y es simplemente hacer una canción en 5 minutos – si en más de 5 minutos no sale nada, vamos a la próxima. La música debe de ser espontánea, no una tesis de sicología.

PRI: ¿Qué otros proyectos persigues/mantienes fuera del grupo?

AJ: Yo soy productor de hip-hop, así que este año voy a trabajar el disco de Siete-Nueve.

También tengo un grupo nuevo con Sarah Baldwin (cantante y baterista de The Girls at Dawn y baterista de Xray Eyeballs) que sacamos ya pronto nuestro primer sencillo y terminamos de grabar en abril para sacar disco y empezar a turear.

Tengo mi proyecto de free jazz y música experimental, Young Nico e Isabel Borbón.

PRI: Nos enteramos a través de Jinmy de Los Negretes que estarás produciendo el nuevo disco de su banda. ¿Cómo surgió esa colaboración y para cuándo podemos esperar el resultado? ¿Tienes planes de producir a algún otro artista?

AJ: Jinmy de Los Negretes se ha convertido en un hermano… Nos conocimos en México cuando tocamos la fiesta de aniversario de la revista Vice. Desde ahí hablamos todos los días un montón. ¡Es mi consejero musical!

Él me trajo la propuesta de producirle el disco y para mí fue más que un honor pues soy fanático de su música – así que ya pronto vendrá esa colaboración. Para mayo pienso grabar y producir el disco de Acid Baby Jesus que es una banda de Grecia que está cogiendo poco a poco gran notorierad en Estados Unidos y Europa – y produje y grabé nuestro nuevo disco Qué viva el veneno, que estará saliendo pronto.

PRI: ¿Nos puedes recomendar algunas bandas de afuera que debamos estar escuchando – o trayendo aquí a tocar?

AJ: Friends de Brooklyn. Eso va a ser the next big thing… Juanita y Los Feos de Madrid, España. Juan Cirerol de México, Los Negretes, Alex Anwandter de Chile, The Barreracudas de Atlanta… The Coathangers de Atlanta.

PRI: Entonces además del sencillo Pa que vives y el nuevo “full-length” Qué viva el veneno, ¿qué podemos esperar de Dávila 666 en el 2012?

AJ: En el 2012 Dávila 666 traerá muchas cosas… Ahora en febrero nuestro 7″ con Oops Baby; un split con las Coathangers en marzo a través de Suicide Squeeze Records; un EP en Hozac Records; una compilación de todos nuestros singles y EPs en Burguer Records; y nuestro nuevo disco, Qué viva el veneno en In the Red.

Este año pensamos turear mucho más Latinoamérica y hacer Australia y Japón… como también nuestras eternas giras por Europa y Estados Unidos.

PRI: ¿Y qué crees de la vuelta de los cassettes? ¿Pura nostalgia o se revive como el vinilo? ¿Sé que participaron en el compilado de Oops Baby, pero lanzarían alguno por su cuenta?

AJ: ¡El cassette revive! Ya lo está. Casas disqueras como Burguer Records viven de eso – que de hecho, sacaron nuestro primer disco en cassette como también van a sacar Tan Bajo.

PRI: ¡Muy bien! No fuera a perderse la famosa línea de Feloman, “dale rewind al cassette”.

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http://www.youtube.com/watch?v=S7LftBTlQjo

Dávila 666

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Cuando Fernando Castro Álvarez nos comentó por primera vez que estaría lanzando un segundo proyecto audiovisual – esta vez centrado en la comedia de personajes y sketches – nos preguntábamos si lograría replicar el éxito de su popular banda, Los Niños Estelares. Unos 30 vídeos producidos en poco más de un año le han generado sobre 200,000 vistas, así que diríamos que va por excelente camino.

La Avanzada Y presenta un estilo de comedia social que resultará muy familiar a los seguidores de LNE. Pero en lugar de la música, el motor de este proyecto son los personajes – en su mayoría interpretados por Fernando – a través de los cuales se desarrollan diferentes narrativas que aluden a la realidad actual del puertorriqueño. Los Gemelos Guerrero muestran al fanatismo ideológico de izquierda y derecha como dos caras de la misma moneda; El Nene de Plaza es un retrato del mall-goth-punk que merodeaba entre las hileras de libros del fenecido Borders en Plaza Las Américas; Flavio Josefino nos presenta su visión apasionada del Puerto Rico moderno, mientras Cacimar El Explorardor dice conocer mucho sobre nuestra historia. Y hay muchos personajes más.

A continuación compartimos nuestra entrevista – ¡EN VÍDEO! ¡Qué apropiado! – con Fernando Castro Álvarez sobre La Avanzada Y.

http://www.youtube.com/watch?v=c_EGXgRrjVM

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Cinco Favoritos de La Avanzada Y

Estos son algunos de nuestros vídeos favoritos hasta la fecha, para que te pongas al día con La Avanzada Y.
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http://www.youtube.com/watch?v=UG9RSV3JG2w

5. Las increíbles aventuras de Jorgito en Facebook 1
Fernando cuenta que esta serie de vídeos no ha sido tan popular con su audiencia – lo que es una lástima (quizás sea un caso de “too close to home”). Cada uno de los cuatro episodios disponibles es un ejercicio en cómo hacer a alguien reír en menos de 18 segundos, desde la narración “over-the-top” al éxtasis puro que Jorgito extrae de sus aventuras en Facebook.

http://www.youtube.com/watch?v=7JgnEoRyVxk

4. Chilea
Un perfecto ejemplo de los juegos de palabras que muchas veces forman la base del humor para La Avanzada Y. Por un tiempo el vídeo más visto en el canal, filmado y editado con la ayuda de nuestro propio @Sire_Damiano. Chilea papi, chilea.

http://www.youtube.com/watch?v=dZ-a12uMyNs

3. Los Gemelos Guerrero – Episodio 5
La saga de estos gemelos – ya por su sexta entrega – destapa las verdades más dolorosas de nuestra realidad política y las saca a pasear… a marchas de independentistas y manifestaciones pro-estadidad. El siguiente capítulo expande la mitología e introduce a nuevos personajes, pero éste incluye a nuestro personaje favorito dentro de la política: Ricky Rosselló.

http://www.youtube.com/watch?v=C1hzY03DEF8

2. Conociendo a Puerto Rico con Flavio Josefino – Transportación
¡Qué viva el carro – SÍ!

http://www.youtube.com/watch?v=6M6R0R_56Hs

1. El Nene de Plaza 1
Una especie en peligro de extinción tras el cierre de Borders en Plaza Las Américas ahora queda inmortalizada en El Nene de Plaza, el vídeo más visto de La Avanzada Y. Algunos le querrán caer a galletas y otros lo querrán invitar al Hot Topic de Caguas, pero la popularidad de este nene es indiscutible.

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La Avanzada Y

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Visita el canal oficial de La Avanzada Y en Youtube para más vídeos de “Los Gemelos Guerrero”, “El Nene de Plaza”, “Cacimar El Explorador”, “Bebo Báez Busó” y muchos más.

Cole, un apellido potente enorgullecido por el talento musical de Henry. Nacido en Mayagüez, Henry Cole adoptó a la música como su compañera de vida desde su temprana edad, y comienza a estudiar en la Escuela Libre de Música en el mismo pueblo. A sus veinte años, su pasión por el ritmo lo traslada hacia el Conservatorio de Música, en donde se desarrolla como percusionista y decide emprender vuelo hacia el Berklee College of Music de Boston.

Si pudiéramos ver el resumé de Henry quedaríamos impresionados. Guatiao, Mupsiquita, Vivanativa, Manjar de los dioses, Velcro, Welmo, LA PVC, Calle 13 y Giovanni Hidalgo son sólo unos cuantos de los músicos que han auspiciado el talento de Cole en la isla. No obstante, ha viajado el mundo y compartido tarima con grandes arquitectos del arte musical como: Miguel Zenón, David Sánchez, Chris Potter, Ray Barreto, The Chico O’Farril Afro Cuban Big Band y Eduard Simon, entre otros.

Henry Cole pretende derrumbar las barreras creadas por los géneros, y promover el estímulo de los sentidos a través de “capítulos, comentarios y conversaciones” por descubrirse en sus composiciones. Tal como lo propone, su propuesta es única para Puerto Rico y la nación Latinoamericana. Su primer disco Roots Before Branches carga nuestra herencia africana en su corpulenta estructura rítmica y la sensualidad del Latino en sus cautivantes melodías.

Por motivo del lanzamiento de su primera producción que se llevará a cabo el 22 y 23 de diciembre de 2011, en La Respuesta, charlamos un poco con Henry sobre su majestuosa creación.

http://www.youtube.com/watch?v=j7JVxctG7W8

Puerto Rico Indie: Constantemente se menciona en entrevistas y artículos que tu influencia musical más fuerte proviene de Fela Kuti. ¿Cómo diste con su música? ¿Por qué te mueve tanto?

Henry Cole: Hace ocho años antes de mudarme a NYC, era el baterista de las noches de Jazz en el hotel Marriot, de la orquesta LA PVC, de Vivanativa, y de William Cepeda. Tenía un trío de Jazz con Ricky Rodríguez y Alejandro Avilés. Colaboraba con Welmo Romero y con muchos músicos más, navegando por un pequeño mar de  géneros, escenas e influencias; todos a calles de distancia. Cada una de estas experiencias permaneció conmigo a la hora de mudarme, y cuando venía a visitar la isla, especialmente durante la navidad, sentía una necesidad de buscarlas y formar parte de ellas. Así que ahí estaba yo, subiéndome de tarima en tarima para tocar y “jammear” con mis amigos, pero la realidad era que ya no vivía en Puerto Rico. Ya había otros bateristas tocando en esos lugares. También quería compartir nuevos puntos de vista que había aprendido estando afuera.

Entonces un día, Miguel Zenón y yo decidimos organizar los Jams Sessions enfocados en el Jazz para “curarnos” y a la vez atraer músicos para compartir. Esto llenaba mis ganas de tocar Jazz, y a la vez me permitía compartir las experiencias aprendidas durante ese año que estuve fuera de Puerto Rico. Sin embargo, aún me faltaban todas estas otras…Me hacía falta el Rock, la Salsa, el Rap, la música electrónica, el Folclor…

Un día escuche el disco de Fela Kuti con Ginger Baker en vivo y encontré la solución. Esta música tenía Rock, Folclor, Jazz, letras y una energía muy intensa. Los arreglos eran muy simples (perfecto, pues no había mucho tiempo para ensayar y yo quería que todos en la tarima estuvieran relajados). De ahí salió la raíz del grupo, y luego lo adapte a Puerto Rico. Vinieron mis amigos del Jazz: Hermes Ayala de la música urbana, Egui Santiago del rock, Beto Torrens a tocar el barril de bomba… y ¡Bingo!

Quizás lo más que me mueve de Fela es que supo cómo combinar todas sus influencias y pensamientos en un mismo lugar. Inspira fuertemente a este grupo, pero también lo hace con muchas otras personas. No recuerdo exactamente cómo llegué a su música, pero estoy seguro que se lo debo a la ciudad de Nueva York y a sus músicos.

PRI: Después de ocho años tocando en las calles de Puerto Rico, Nueva York y el mundo entero, ¿qué te motivó a grabar y lanzar “Roots Before Branches”? ¿Por qué ahora?

HC: Después de varias navidades tocando con el Afrobeat Collective, un día estaba en mi cuarto en NYC escuchando un CD de un concierto en vivo y fue ahí que dije: Esto no se puede quedar en un closet, hay que documentarlo. Poco a poco empezaron a salir canciones originales e ideas.

¿Por qué ahora? ¡Pues porque ahora es que él ha querido salir! Jeje. Siempre he pensado que este proyecto tiene vida propia, y tal vez me ha tomado unos años llegar hasta el CD impreso por razones de presupuesto, de empezar a escribir mis primeras canciones, de acumular la suficiente energía para dirigirlo, para definirlo, entre otras cosas. La verdad es que puedo decir que cada pieza contenida en él es honesta, y la mejor que puede tener. Hay ciertas cosas que no me satisfacían, y por alguna razón se movieron, y llegaron otras que hacen que todo tenga más sentido. ¡Fue súper!

PRI: ¿Cuáles son tus planes con el proyecto? ¿Qué pretende?

HC: Compartirlo, celebrarlo y sonreír cuando veo que a las personas les gusta y los llena de energía. También es seguir formando el equipo. Dar con gente que se identifique con esta visión y que quiera trabajar en conciertos y todo lo que conlleva el negocio de la música. Lo que pretende es aportar a la sociedad, hacer a la gente bailar y a los músicos tocar… ¡Seguir creciendo!

PRI: ¿Cuáles son tus planes personales? ¿Tienes otros proyectos ó metas además de difundir tu primera producción discográfica?

HC: Quiero evolucionar día a día como artista y como ser humano, aprovechar al máximo cada día y oportunidad que se presenta y estar alerta. ¡Mi meta principal sería seguir haciendo todas estas cosas y formar una familia para llevármelos a todos de gira!

Ahora mismo estoy súper emocionado con todos los proyectos en los que estoy trabajando. Sigo con Miguel Zenón, David Sánchez, 90Miles, Alfredo Rodríguez, Fabián Almazán, Soren Moller, Eric Reed, Kenny Werner, Noemí Segarra y muchos más. También un proyecto súper especial que he estado desarrollando con Fofe Abreu. Se llama La Semilla. Está compuesto de batería y voz. Estoy seguro que grabaremos algo pronto. Fofe es de mis favoritos.

http://www.youtube.com/watch?v=_Bh9tNm9-bA

PRI: Estableces como parte de tu propuesta derribar los abismos creados por los géneros musicales. Anhelas promover la unión entre tu gente. ¿Con qué artistas ó grupos musicales quisieras compartir tarima si la oportunidad surgiera? ¿Por qué?

HC: Sí. Creo que no debería haber límites, ni barreras a la hora de colaborar con artistas, mucho menos como músico. No me parece muy inteligente practicar tantos años y horas al día sólo para tocar un género y pertenecer a una sola escena, a un uniforme. Quiero que los músicos del Jazz vayan al Rock, los del Rock al Folclor, los urbanos a la música Clásica y así por el estilo. Creo que los festivales de World Music son el futuro; precisamente por que unen todas estas cosas en una misma tarima. Quiero que a mis conciertos venga gente de todas las escenas y se sientan bienvenidos.

Hay muchos artistas con los que me gustaría trabajar de “tú a tú”. Lamentablemente el negocio de la música hace esa conexión un poco difícil, pero sé que se dará en algún momento. Grabar algo con Draco sería tremendo. Escribí un tema para el grupo que sería genial para René Pérez. También tocar a trío con Brad Mehldau me encantaría, aunque tengo que admitir que soy muy afortunado de estar trabajando con muchos de mis favoritos. Es como un sueño.

La razón principal de mi música es la energía y el color, no el género.

PRI: ¿Qué pueden esperar tus espectadores los días 22 y 23 de diciembre en La Respuesta?

HC: Pueden esperar un concierto de calidad, lleno de energía y honestidad, músicos, letras y ritmos excelentes, y un público encantador. Además tendremos los CDs y las fotos de Jochi Melero.

PRI: Gracias por tu tiempo Henry. ¿Deseas añadir algunas palabras más?

HC: El otro día me emocioné mucho cuando me enteré que el disco de Miguel Zenón Alma Adentro y el de Calle 13 habían sido nominados para un Grammy. Grabé en ambos discos y me llena de satisfacción y alegría saber que mi batería va de un lugar a otro y que rompe con las barreras de géneros. Es lo que siempre he querido hacer. Respeto mucho a ambos géneros, y todo lo que hay entre una esquina y la otra. Son dos de mis discos favoritos.

PRI: Gracias Henry por esas maravillosas palabras y te deseamos el mejor de los éxitos aquí en Puerto Rico Indie. ¡Todos para La Respuesta el 22 y 23 de diciembre!

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Henry Cole

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Henry estará presentando Roots Before Branches, su álbum debut, en La Respuesta en Santurce, Puerto Rico el 22 y 23 de diciembre.

Dos cosas que hay que superar al escuchar inicialmente sobre Zechs Marquise: la pronunciación de su nombre (digamos que “sex markís” se aproxima lo suficiente; nombre compartido con un popular personaje de la serie de animé Mobile Suit Gundam Wing) y el parentesco con una figura muy influyente y respetada dentro del rock alternativo e independiente.

¿Listos?

El quinteto de El Paso reúne a varios miembros de la familia Rodríguez-López – Marcel en la batería, Marfred en el bajo y Rikardo en los teclados – junto a los guitarristas Marcos Smith y Matthew Wilkinson. Juntos han desarrollado en Getting Paid, su segundo LP, un rock progresivo, experimental y mayormente instrumental, con fuertes influencias del hip-hop y la sicodelia. El esfuerzo le ha ganado nueva fanaticada a Zechs Marquise a través del Internet, generando reseñas positivas de sitios como Absolute Punk, Remezcla y Behind The Hype.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Marfred Rodríguez-López sobre el proceso detrás de Getting Paid, el apoyo de su hermano mayor y sus visitas a Rincón, Puerto Rico. Lee nuestra entrevista con el bajista de Zechs Marquise a continuación.

PRI: ¿Qué tal te ha parecido la recepción de Getting Paid?

Marfred Rodríguez-López: Bueno, como dicen acá, so far so good. A nosotros nos encantó el disco, aunque sea – si a nadie le gustaba – a nosotros nos encantó como salió. El resultado ha sido bueno.

PRI: El disco es muy cinemático. Me hizo pensar en los juegos de vídeos clásicos, a veces en el sonido como tal, pero más bien en alcance y ambición. Es un viaje épico. ¿Cómo describirías la película que acompañaría visualmente a esta música?

MRL: Tendrá que ser una película del espacio y viajes por el tiempo – de estar en el futuro pero en el presente y en el pasado, todo a la misma vez. Sería una cosa bien extraña [se ríe].

PRI: ¿Tu hermano Riko recién se incorpora a la banda como tecladista, fue él quien tocó en el disco nuevo?

MRL: No. Marcel fue el que tocó los teclados en este disco, tanto como la batería. Riko se unió a la banda cuando nos ibamos de gira en marzo. En ese tiempo el disco ya estaba en el proceso de mezcla.

http://www.youtube.com/watch?v=wbnPjQhCmwY

PRI: ¿Ese cambio de Marcel a la batería y la incorporación de Rico en los teclados, hace que se sienta como una nueva banda?

MRL: Un poco, sí, porque como Riko antes no había tocado con nosotros – eramos Marcel, Matthew, Marcos y yo – definitivamente se siente como una nueva banda, pero cómodo al mismo tiempo.

PRI: Entre los temas “Time Masters” y “Guajira” se asoma la influencia musical latina en el disco. ¿Qué grupos los influyeron creciendo y como músicos dentro de la tradición de música latina?

MRL: Bueno, mucha de la salsa de Fania como Larry Harlow, Ismael Miranda, Willie Colón y Héctor Lavoe, Johnny Pacheco… toda esa gente… Ray Barreto, Eddie Palmieri… Esa música la escuchábamos mucho cuando éramos niños porque mi mai y pai – aunque crecimos por acá – en la casa era como estar en Puerto Rico. Se hablaba español todo el tiempo, la música que se escuchaba siempre era salsa.

PRI: ¿Nacieron todos acá en Puerto Rico?

MRL: No. Solamente Omar y yo. Los demás nacieron en Estados Unidos. Marcel nació en Carolina del Sur y Ricardo nació aquí en El Paso.

PRI: ¿Visitan la isla con frecuencia?

MRL: Yo trato de ir al menos una vez al año, pero la última vez que fui… Déjame ver… ¿Tú sabes qué? Fui el año pasado, en verano. A visitar a familia – todos nuestros tíos y tías, nuestros primos y abuelos están allá. También tenemos otro hermano allá en Puerto Rico y un sobrino. Así que usualmente venimos a visitar familia e ir a la playa y todas esas cosas. Por allá en Rincón.

PRI: ¿Haz tocado alguna vez en la isla?

MRL: No, no – nunca. Me encantaría. Veremos a ver, hay que hacerlo.

PRI: Dale. Apúntenlo en el to-do list. Ahora volviendo al disco… Getting Paid es una aventura musical divertida – it’s a fun, strange trip. Más allá de eso, parece transmitir que se divirtieron haciendo el disco. ¿Siendo amigos y hermanos ustedes, crees que se está traduciendo esa camaradería y relación entre ustedes? ¿O es más como un rompecabezas difícil de descifrar?

MRL: It was fun. Nosotros nos divertimos mucho. La manera en que nosotros fuimos escribiendo las canciones fue encima de secuencias que ya había echo Marcel y después que cada uno de nosotros hizo su parte, entonces nos fueron gustando las canciones más y más. El esfuerzo que se estaba poniendo en el disco era más – todos dando más del 100% para hacer las canciones lo mejor que podían ser. Nos divertimos mucho. Y estamos contentos de al fin poderlo sacar después de tanto tiempo y luego de lo importante que fue el proceso y que son las canciones para nosotros.

PRI: ¿Entiendo que grabaron más como si fueran un grupo de hip-hop?

MRL: Usando el estudio como un instrumento también. Como lo hicimos fue que lo grabamos en partes. “Ok, déjame grabar el bajo aquí” – entonces en la misma secuencias grababa un bassline distinto. Y así sucesivamente. Todo el mundo hizo lo mismo y entonces agarramos esas partes distintas y las pusimos todas juntas a ver qué se escuchaba mejor. De ahí entonces aprendimos a tocar las canciones en vivo en las secuencias que deben de ir.

PRI: ¿El trabajo de producción lo hacen ustedes mismos?

MRL: Sí, porque es más fácil así y no hay que pagar a nadie. [Se ríe]

PRI: ¿Algún truco o pro-tip que hayas aprendido a través del proceso de grabación que puedas compartir con otras bandas que ahora estén produciendo sus discos así por su cuenta?

MRL: Una de las cosas más importantes que aprendimos fue la importancia de tener micrófonos buenos tanto como pre-amps buenos. Si tienen esas cosas pueden crear para su disco un sonido increíble. Nosotros grabamos este disco casi completo en nuestra sala – de Marcel y mía.

PRI: ¿Y los vecinos?

MRL: Pues sabes que no les molestaba mucho porque como lo hacíamos mayormente durante el día y los amplificadores estaban dentro del closet, no salía mucho el sonido para afuera.

http://www.youtube.com/watch?v=JO9pl7duvRg

PRI: ¿Qué entonces puede ser lo más retante de estar a cargo de todo en la producción del disco?

MRL: Terminarlo fue lo más difícil. [Se ríe] Porque mientras aprendíamos a tocar las canciones, entonces salían ideas nuevas – de hecho, “Timemasters” fue la última canción que se hizo del disco y ya habíamos terminado todo. Esa idea salió luego de haber terminado otra canción y era difícil decidir cuándo es que íbamos a parar.

PRI: En varios temas (“Everlasting Beacon of Light Final Master” / “The Heat, The Drought, The Thirst, and The Insanity”) incorporan vocales. ¿Siendo una banda mayormente instrumental, qué les parecieron esos experimentos? ¿Considerar incorporar más en el futuro?

MRL: A nosotros nos gusta también la música que tiene vocales, pero ninguno de nosotros podemos cantar. Nosotros en la primera canción que lo tratamos fue en “Static Lovers” y salió bien – cantamos todos a la misma vez en un micrófono y salió bien y nos dijimos: “Wow it sounds cool, let’s keep it!” Y para “…The Insanity” hicimos lo mismo, backing vocals very low on the mix.

Y después de eso decidimos que sería chévere traer a gente que supieran usar sus voces, porque ninguno de nosotros es cantante. No fue una decisión difícil pero como nosotros somos una banda mayormente instrumental también lo queríamos hacer de una forma que fuese de buen gusto.

PRI: ¿Así que no esperamos en el próximo harmonías entre ustedes a lo Queen?

MRL: [Se ríe] No, no, no… Bueno, si aprendemos, puede ser – pero por ahora no.

PRI: El disco salió en Rodríguez-López Productions bajo Sargent House, así que le tiene que haber gustado a Omar… ¿Les ha dado ya su reseña? ¿Cuál fue su reacción al album?

MRL: Después que lo escucho, nos dice a Marcel y mí: ¿Çómo ustedes van a hacer un disco tan cabrón sin mí? Estábamos como que “very nice – alright, approval met.”

PRI: Esta última pregunta viene por un tema que está muy presente en la mente del puertorriqueño – la violencia. ¿Qué tal la escena de El Paso? ¿Se siente la violencia cercana en Ciudad Juárez? ¿Influye de alguna forma en su música?

MRL: Un poquito sí porque es triste – nosotros no podemos ir ya a Juárez, aunque fuera a comer algo bueno o ir al mercado o a una de las baras de allá. Pero creo que es una de las razones por la que la música – como dijiste – es divertida. Porque por aquí muchas veces NO es divertido. Nuestro último disco también era un poquito oscuro en los temas y el sonido de la música y queríamos hacer algo con éste algo más upbeat y un poco más uplifting.

En cuanto la escena – it comes and it goes. A veces hay muchos grupos y mucha gente sale para ir a ver las bandas tocar. Muchos de los grupos de aquí no existen por tanto tiempo o se tratan de ir a otro lugar – a otra ciudad como Austin o Los Ángeles… and its harder to live out there.

PRI: Esperamos entonces que ustedes no se quiten y les deseamos mucho éxito. A ver cuando se dan la vuelta y tocan por acá. ¡Gracias!

MRL: Muchísimas gracias por el interés y la entrevista. ¡Cuídate!

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Zechs Marquise

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Escucha Getting Paid, el nuevo álbum de Zechs Marquise, y descarga tu copia digital aquí. Visita la tienda oficial para vinilos y otra mercancía de la banda.

Foto original: Steve Keys via Flickr

Una de las voces jóvenes más reconocidas dentro del periodismo local, Rafael Lenín López se dio a conocer a través de su participación tanto en el medio televisivo (Noticentro, WAPA TV) como en la radio (Pegaos en la Mañana, Radio Isla). Y aunque no debería sorprendernos entonces su incursión en las redes sociales de Facebook y Twitter, cabe destacar la efectividad con la que ha sabido manejar en especial este segundo medio. El también Presidente de la Asociación de Periodistas de Puerto Rico mantiene a la fecha unos veinte mil seguidores de su cuenta personal de Twitter, @LeninPR.

@LeninPR ha surgido como una especie de vínculo entre las presentaciones del periodista en otros medios, con avances sobre noticias que se estarán cubriendo a mayor profundidad en televisión o radio. De igual manera, la cuenta provee a Rafael con una plataforma para comunicarse directamente con el pueblo puertorriqueño de manera más personal (por ejemplo, fue a través de Twitter que logramos coordinar esta entrevista) y expresar su sentir acerca de las noticias del día – o la música que disfruta (entre la que se encuentra la Orquesta El Macabeo y Calle 13).

Enviamos algunas preguntas a Lenín para conocer un poco más sobre su carrera y la transición de los medios noticiosos del país a la era digital, entre otros temas. Acompáñanos a continuación.

PRI: Me gustaría comenzar no tanto por el principio de tu carrera (a eso nos movemos ya mismo), si no por tu introducción a las redes sociales. Ya teniendo experiencia en medios “tradicionales” – o digamos más establecidos – como la televisión y la radio, ¿qué te motivó a comenzar a reportar desde Twitter? ¿Cuál fue tu introducción al medio?

Rafael Lenín López: Saludos. Gracias por el interés. Después de la fiebre de Facebook, estaba un poco apático a entrar a otras plataformas sociales. Sin embargo, entré al mundo del “tuiteo” y encontré una forma más práctica para reportar noticias “de última hora”, y al mismo tiempo crear una nueva personalidad noticiosa a través de un medio cuyos receptores no eran y no son, necesariamente, los de los medios tradicionales. Además me da la oportunidad de tirar de vez en cuando una opinión o el comentario que en los medios tradicionales no puedo lanzar, por distintas razones. Puedo intercambiar rápidamente comentarios con el público, la gente me conoce más y los conozco mejor a ellos.

No recuerdo cómo fue la introducción al medio, pero sin duda el juicio de Héctor Martínez y la entrevista al Gobernador en La Comay fueron los dos “booms” para mi cuenta.

PRI: Actualmente trabajas para WAPA TV y Radio Isla, además de haber sido reelecto como Presidente de la Junta de Directores de la Asociación de Periodistas de Puerto Rico. ¿Tu exposición a través de las redes sociales, ha creado algún conflicto con tus labores profesionales? ¿Resulta en algún tipo de reservas de tu parte en cuanto a cómo exponerte al público a través de estos nuevos medios? ¿Qué consideraciones tienes, si alguna, a la hora de enviar un tweet o compartir algo a través de las redes sociales?

RLL: Para alguien más conservador que yo quizás esa “sobre-exposición” supondría un conflicto, pero no para mí. Trato de complementar el trabajo en los medios para los cuales trabajo, en las redes sociales. Quizás es la plataforma en la que mi trabajo para radio se une con el de la televisión, y viceversa. Trato de que la información que comparto con el público a través de las redes sociales sea la que requiere inmediatez, mientras la que se ve en TV o escucha por radio, sea la información más explicada y detallada.

Escribo opiniones o comentarios cuando creo que es realmente importante y para generar la discusión. La gente necesita el chispetazo para que despierten. Hasta ahora eso no ha generado conflicto alguno.

PRI: Entre trabajo y trabajo, sería fácil asumir que no duermes. ¿Cómo logras mantener un régimen de trabajo tan intenso? ¿Cómo balanceas tu carrera con los demás aspectos de tu vida?

RLL: Aunque parece que estoy todo el tiempo trabajando, tengo tiempo libre para disfrutar. Soy un adicto a mi trabajo. Trabajo desde chamaco, pero precisamente los años que llevo en esto me han llevado a apender a balancear, cada vez más, la vida con esos otros aspectos muy importantes como la familia.

http://www.youtube.com/watch?v=nnENsKyWJao

PRI: La profesión del periodismo parece estar más presionada que nunca por las realidades económicas de sus plataformas a adoptar un enfoque dirigido hacia el entretenimiento. De igual manera, se complica el panorama con el surgimiento del llamado “periodismo ciudadano” y las exigencias de los nuevos medios de comunicación. ¿Cuando comenzaste tu carrera, se perfilaban ya algunas de estas tendencias? ¿A qué retos mayores te enfrentabas entonces? ¿Cómo compara con tu experiencia actual?

RLL: Cuando comencé mi carrera en WPAB Radio de Ponce nada de esto se anticipaba. Tuve la oportunidad de ver una gran y confusa transición en los medios de comunicación. Transición que dejó loco a medio mundo, y a muchos sin trabajo. Cuando empecé, manejaba consolas de “potes”, tiraba anuncios en cartuchos, editaba reels con navajas, cortaba con una regla los rollos de papel que salían del teletipo y salía corriendo cuando se escuchaba la campana que anunciaba una noticia urgente. Y ojo, tengo 34 años.

La experiencia actual es otra totalmente, pero esa vivencia no me permitiría, sin sonar muy meláncolico, comprender cabalmente el panorama al que nos enfrentamos los comunicadores hoy día.

PRI: ¿Cuál es el estado actual del periodismo en Puerto Rico? ¿Los periodistas están cumpliendo su función?

RLL: Me parece que sí. Creo que estamos ante periodistas, en general, muy responsables y comprometidos con su trabajo, pero sobre todo con el país. Debemos mejorar sin embargo en ampliar el periodismo investigativo.

PRI: Recientemente compartiste en Facebook un ensayo sobre la publicación en medios del país de la foto de la cabeza de un hombre que había sido decapitado. En éste opinas con respecto a la cobertura de eventos crimales que “tenemos que cubrir el ángulo investigativo de los casos y cómo la falta de un plan para enfrentar el problema social nos ha traído a este panorama.” ¿Qué impide que se dé este tipo de cobertura? ¿Se está dando actualmente con la rigurosidad que amerita?

RLL: La incidencia criminal diaria no nos permite, a nosotros como comunicadores y por ende al país, pausar y evaluar con detenimiento el problema social que enfrentamos. Los espacios noticiosos diarios son consumidos por los eventos más recientes y muy poco espacio se da a la discusión sosegada. Los medios alternativos juegan ahí un rol importante.

PRI: Cuando un periodista aborda a los líderes del país sobre la problemática de la criminalidad y la violencia en Puerto Rico, suele recibir una contestación: se debe a la pérdida de valores. Es una contestación que escuchamos a diario en los medios y me consta que es rara la ocasión en que se toca el tema más a fondo. ¿Te satisface esa contestación como periodista y como ciudadano? ¿Existe la oportunidad y el espacio para que nuestros líderes entren en más detalle sobre el tema? ¿A qué se debe realmente la ola criminal en Puerto Rico, en tu opinión?

RLL: No me satisface la contestación y como te dije en la pregunta anterior, no hay espacios suficientes para la discusión tranquila y sosegada. Nos quedamos en los asesinatos del día, sus investigaciones y el personaje político de la semana.

A mi juicio, la criminalidad tiene varias raíces, que comparten: el fracaso histórico en armar un buen sistema educativo, y el empeño – muy conveniente y también histórico – en fomentar la dependencia y el mantengo en el Estado como mecanismo electorero para subir al poder sin mayores cuestionamientos del pueblo. Ello nos lleva a la ausencia de una cultura de trabajo provocada por el desmantelamiento de nuestras industrias y al trasiego de drogas que es combatido livianamente por los gobiernos que nos rigen.

http://www.youtube.com/watch?v=BGbHrr1GTwY

PRI: El movimiento de Occupy Wallstreet se perfila como la versión norteamericana del “Arab Spring”. ¿Cuál es tu intuición sobre el mismo y qué efecto podría tener en nuestra isla?

RLL: Creo que es conveniente que la gente intente ocupar espacios que hemos internalizado como ajenos y no nuestros. Sin embargo, creo que en Puerto Rico estamos lejos de una movilización amplia debido al poco sentido colectivo que tenemos para plantear y resolver nuestros problemas.

PRI: En tu carrera como periodista, ¿qué reportaje(s) ha(n) logrado el mayor impacto en tu persona y qué aprendiste del mismo?

RLL: En cuanto al drama humano, sin duda la explosión de Río Piedras en el 1996. En cuanto a los eventos mas cotidianos, los juicios por corrupción me enseñan lo podrida que está nuestra clase política. En cuanto a figuras, las dos entrevistas con Filiberto Ojeda Ríos, me marcaron.

PRI: ¿Es difícil desligarse emocionalmente de una noticia que te apasione – ya sea en la cobertura de elecciones, en entrevistas o algo por el estilo? ¿Es un requisito hacerlo?

RLL: No es requisito hacerlo y usualmente no lo hago. Soy ciudadano y habitante de este país y de este planeta, no podemos cubrir como extraterrestres. Esto no significa tomar parte en una controversia, en esos casos es cuestión de ser justo en la presentación de todas las posturas.

PRI: Por Twitter has dado tu apoyo abiertamente a grupos como la Orquesta El Macabeo y Calle 13. ¿Sigues la escena local? ¿Qué otra música te gusta?

RLL: Sigo la escena local. Me gusta lo que ocurre en la calle con nuestros artistas y exponentes culturales que no reciben el apoyo del “mainstream media”, ahí me doy cuenta lo desconectados que están… los medios.

Escucho casi todo tipo de música, siempre y cuando esté bien hecha.

PRI: Finalmente, si pudieras compartir algún consejo para nuestros lectores – ya sea profesional o no – que entiendas debemos seguir para lograr un mejor país para todos.

RLL: Necesitamos construir un país cuyo norte sea la solidaridad y el colectivo.

Velcro es sinónimo de hip-hop en Puerto Rico. El aclamado MC, DJ y productor se ha dejado sentir en numerosos proyectos musicales, incluyendo su propio clásico del hip-hop local, El álbum (2006); colaboraciones con los raperos más cotizados de la isla, como EA Flow, Ikol Santiago y Tek1, entre otros; y participando en compilados de la escena como el reciente Covers Vol. 1, organizado por el también MC puertorriqueño, Nébula. Además mantiene una residencia como DJ en La Respuesta (Santurce, Puerto Rico) y el programa radial La Voz del Hip Hop, transmitido todos los sábados por Radio Universidad.

En su nueva producción discográfica, Mañana, el joven Andrés Ramos demuestra una madurez musical que es sin duda el resultado de un régimen de trabajo ejemplar y una apreciación genuina por los procesos de la auto-gestión y la colaboración artística (con varias sorpresas para los fanáticos de Superaquello). Temas como “Majarete”, “El mundo entero”, “Dame luz” y “Una historia de violencia” revelan a un artista polifacético digno de nuestros iPods.

A continuación nuestra entrevista con Velcro, quien se prepara para despedir el año con el lanzamiento oficial del disco y ya listo para los proyectos que traerá el mañana.

PRI: Saludos Velcro, ¿Cómo te trata la vida en el trópico?

Andrés Ramos: ¡Excelente! Con todo y lo agobiante que puede ser el insularismo caribeño, es un privilegio vivir con el calor de nuestro clima y nuestra gente.

PRI: Hemos seguido tu carrera desde El álbum, uno de los mejores trabajos de hip-hop producidos en la isla, y nos es evidente el crecimiento de Velcro como artista en esta nueva producción, Mañana y el “mixtape” Kelo Kenton. ¿Cómo resumes esa trayectoria y qué eventos puedes identificar como los que te impulsaron desde El álbum a Mañana?

AR: Contra, gracias por esas palabras sobre El álbum. Y qué cool, que observen como un crecimiento el trayecto de ahí a Mañana. En efecto, resumiría esa trayectoria, quizás, como un resultado del proceso de entrar más a la adultez.

Mirando atrás, durante mi década de los 20 años de edad, creo que estaba pasando una transición en la que mantenía aún algunos estragos de la niñez/adolescencia: estaba recién salido de la escuela/universidad, recién entrado de lleno al campo laboral, recién explorando lo que es una relación de pareja como adulto, recién viviendo solo pero todavía con cercanía a mi familia… Ante los aspectos más retantes de esta transición, me encontré asumiendo como defensa cierto apego al pasado, cierta mirada nostálgica. Y fue algo que asumí para los efectos del primer disco: precisamente se llama El álbum porque la intención era que fuera, además de uno musical, un álbum de fotos. Muchos de mis familiares aparecen cantando y/o hablando en el disco, y en ocasiones haciendo alusión a géneros que marcaron mi niñez: el bolero (en el intro a ‘Quisqueya’) y la ranchera (el intro a ‘Armando’), entre otros.

En el plano musical, las pistas todas se crearon a base del sampling, y específicamente de vinilos – proceso intrínsecamente ligado a la historia del hip-hop como tal, y bonito de por sí, pero de nuevo, arraigado a la historia – o sea, fijado en el ayer. Asimismo, en la temática, muchas de las canciones, por ejemplo, son meros ejercicios “liricales”, que tienen como norte el auto-elogio y el disgusto por las actitudes charras de quienes se creen o dicen creerse lo que no son – perspectiva heredada de muchos de los MC’s que crecí escuchando. Y cuando no eran sobre eso las canciones, igual hay una nostalgia imperante – en ‘Armando’ en particular está bastante explícito, ya que estoy básicamente comparando la figura de mi padre según la veía de niño, con su figura según la veo como adulto: como alguien igual que yo, con padecimientos y vicisitudes.

PRI: ¿Y en cuanto a Mañana?

AR: Para Mañana, creo que había digerido bien todo esto que te describo, y procuré efectuar cambios. Y mirando atrás, me parece que la transición a los 30 influyó bastante: al entrar a esta década (y creo que esto de cierto modo es una experiencia universal) uno hace inventario de su vida, y como se conoce más uno mismo, uno se puede mover más decididamente hacia lo que quiere y distanciarse de lo que no quiere. Yo al menos, cerca de cumplir mis 30 años, renuncié a un trabajo en que estaba y me dediqué más de lleno a la música; y lo que fue más difícil, rompí con mi ahora ex-novia. Y desde entonces, mi familia ha tenido que mudarse de Puerto Rico, por lo que he sobrellevado estas y otras experiencias jamaqueantes sin tenerlos cerca.

Por otra parte, al haber trabajado como DJ por un tiempito ya para ese momento, tenía el oído más desarrollado para poder prestarle atención a aspectos de la música que tal vez ignoraba antes, y que se centran más en el ‘ahora’ que en el ‘ayer’: ver cómo una canción produce un efecto en la gente, cómo una canción se puede relacionar con otra, etc. Y cómo, para lograr estos efectos, es muy útil poder nutrirse de la instrumentación musical, versus solamente samplear, por ejemplo. De estas maneras, llegué al punto de querer decir, ‘ok, basta del ayer; breguemos con el ahora, para ver para adónde vamos mañana’.

PRI: Mañana comienza con una elegía a “el álbum” o El álbum (“que descanse en paz, que descanse”), donde lo declaras muerto y te lanzas a una nueva aventura lleno de duda (“yo no sé para dónde voy si a duras penas puedo registrar a dónde estoy”). ¿Te sientes más encaminado ahora, luego de haber terminado el disco?

AR: Sí, y no. Sí, porque creo que para ahora ya he podido digerir también las experiencias recontadas en Mañana, así que es un camino que más o menos puedo trazar. Pero no, porque creo que en el mero gesto de mirar hacia el mañana desde donde uno está parado hoy, siempre habrá una incertidumbre, quizás por definición. Y esa incertidumbre está exacerbada, creo, en nuestro ‘hoy’ particular, en el que no sabemos cuánto durará el planeta, ni si los hoyos ecológicos, sociales, sicológicos y demás con los que vivimos, en efecto, tienen cura alguna.

Un poco eso es lo que quise subrayar con ‘Elegía’, y seguir desarrollando con ‘El mundo entero’ y ‘Hasta mañana’; el asunto de darle muerte al Álbum es más bien un pretexto para proceder a abordar estos pensamientos.

PRI: En el disco sobresale el trabajo de producción, con instrumentación más compleja y pistas más ambiciosas – es reflejo de un Velcro alerta, agresivo y “hambriento”. ¿Cuan laboriosa fue la producción de Mañana? ¿Cómo fue esa búsqueda por los sonidos del disco?

AR: Fue un proceso bien curioso, y variado… Pero hermoso de cabo a rabo. Algunas de las pistas que no hice yo, prácticamente me cayeron en la falda como por accidente: la de ‘Hasta mañana’, por ejemplo, fue que Mark Kelly (ahora bajista de The Roots) me la mostró janguiando en casa de mi hermana en Nueva York, así como si nada, de que, “chequea, esto lo hice el otro día”. Y yo, “¡¡¡ES MÍA!!!” La de ‘Lo siento’, por otra parte, fue que Blackie me la envió por email, con las palabras, “hice esto y pensé en ti”. Yo ya iba pensando en que quería hacer una canción describiendo mi propio funeral, y sólo con oírla en las bocinitas de la laptop me percaté inmediatamente de que ésa era. Otras de esas pistas tienen historias similares detrás.

En cuanto a las que sí bregué yo, por otra parte, tuvo que ver mucho la sed de bregar con instrumentación en vivo. Mi compartir con mi hermana, Mireya Ramos, así como los demás miembros de Lado Ve, entre otros músicos, influyó mucho en esto; ver de cerca el proceso de cada quién de buscar, en sus respectivos instrumentos, los sonidos y los matices que son para poder producir un efecto en una melodía.

Desde luego, yo también había jugado con este proceso con sonidos de teclado y sampleos en El álbum y algunas de las pistas de Kelo Kenton; pero es diferente sacarle el jugo a lo que tienes, dentro de sus límites – por decirte, dependes de los discos de los que puedes samplear, o de los sonidos de teclado que puedas tener a tu alcance – versus tomarte el atrevimiento de pensar, como me pasó con Mañana: “aquí podría ir un ‘pad’ a lo Flying Lotus”, o “¿y si aquí le inventamos una línea original de vientos?” De esas inquietudes, fui y busqué quién pudiera meterle según la idea que rondaba en mi mente, y así tuve la bendición de contar con la ayuda de gente que sabe mucho más que yo.

PRI: Y en el disco se destacan varias de esas colaboraciones – Yall Zee y DJ Adam en la música, se asoman por ahí en cameos Ikol Santiago y Nébula, también participan Mireya Ramos y Shae Fiol. Entonces tienes a Francis Pérez de Superaquello compartiendo su guitarra en “Solo juntos” y por otro lado también a Eduardo Alegría en los coros de “Lo siento”. ¿Cuán importante es para ti mantener ese espíritu de colaboración?

AR: ¡Es imprescindible! Como en una banda, cada persona tiene sus fuertes que puede traer a la mesa y contribuir al banquete musical final. El reto es saber canalizar esos fuertes, y tener el oído y la mente lo suficientemente abiertos como para saber cuándo y cómo decir lo que buscas, y en especial, cuándo callarte para que el otro brille y hasta contribuya de maneras que ni se te ocurrían de antemano.

Algo que sí puedo decir que no ha cambiado desde que comencé a tratar de hacer música, es que para mí, el resultado final musical es lo primero. Por eso, por ejemplo, escribo mis letras según la pista – para adornar la música con la percusión y melodía del rapeo, usando la voz como un instrumento más. Pienso que mediante la colaboración es que uno de verdad le puede sacar el jugo a los propios fuertes de uno, nutriéndote de los demás; y viceversa (¡espero!).

PRI: ¿Cómo se dieron las colaboraciones con Francis y Eduardo? ¿Cuánta sinergía existe entre la escena del hip-hop y la del rock independiente en Puerto Rico?

AR: Si no me equivoco, conocí a Francis primero a través de panas, y de ahí entonces pasé a conocer a Eduardo y Patricia. Las colaboraciones se dieron de manera bien natural, por la admiración que siento por ambos, pero más que nada, creo, por el entendimiento que compartimos de que es necesario desafiar los límites provocados por las categorizaciones de los géneros, para así adelantar tanto cada género, como la música independiente de Puerto Rico en general, lo cual es más importante.

PRI: ¿Extrañas a Superaquello? ¿Qué significó la banda para ti y para la escena local, en tu opinión?

AR: En cuanto a Superaquello, por supuesto que extraño al grupo… ¿Quién no? Dejaron una marca indeleble en la música puertorriqueña, y me atrevería a decir que latinoamericana. Sin embargo, conozco bien lo que es llegar a un impasse en la dinámica de grupo; y si no es superable, es mejor “count your blessings” y dejarlo atrás, en lugar de quizás seguir en grupo de manera forzada o algo así, porque ahí entonces nadie ganaría – ni tú, ni tus compañeros de grupo, ni los fans que quisieran verlos juntos. Pero en todo caso, me consta que tanto Eduardo como Francis han continuado creando desde la ruptura, ¡así que el corillo todavía tiene mucho que dar!

PRI: En Mañana también tocas el tema que está en la mente de todos los puertorriqueños con “Una historia de violencia”, en la que cuentas varios episodios de tu vida que envuelven armas de fuego. Nos parece un excelente complemento al tema de “La bala” de los muchachos de Calle 13. Cabe destacar el contraste entre las expresiones en contra de las armas que hace un jefe de la policía de Brazil al principio de la canción (en un idioma que la mayoría en la isla no entendemos) y el resto del tema, con sus imágenes de violencia que sí nos son muy familiares. ¿Qué hay detrás de ese contraste? ¿Crees en la música como agente de cambio para lograr una sociedad menos violenta?

AR: Había ya grabado la canción para cuando vi el documental brasileño de donde tomé prestado el comentario del jefe de policía. Me pareció deslumbrante su perspectiva. El tipo está diciendo que en las favelas donde trabaja, incautan armas – fabricadas en Europa y EEUU – de calibres y tamaños que ni en lugares de guerra en Medio Oriente y Africa se encuentran. Su análisis es que, si ése es el caso debido a que en las favelas consiguen más ganancias, entonces debiera haber una gestión de nuestra parte del mundo para que se cierren las fábricas europeas y estadounidenses donde se manufacturan esas armas. Dice, si ese proceso de invasión y confiscación basta para con los campos y huertos en Colombia y Perú donde se cultivan narcóticos, ¿por qué no hacer lo mismo con las fábricas de armas?

Su perspectiva me voló los cascos. Nunca había visto el asunto desde ese punto de vista. Puede pecar de idealismo, pero me parece una visión super adelantada, una proyección a años luz de nuestra realidad. Y más aún que venga de un jefe de policía; y para colmo de un lugar tan problemático como las favelas de Brasil.

Decidí incluirlo como intro a la canción porque concuerdo con él. En un momento pensé que debía traducirlo y tener la voz de alguien de aquí hablando en personaje… Pero me pareció más impresionante que viniera directamente del hombre; y al ser en su idioma, se subraya que no es sólo un problema nuestro en Puerto Rico, sino también en Brasil y más allá. (Por ende el título de la canción, en referencia a la película de Cronenberg: son tres anécdotas mías, pero es una historia compartida, y tal vez una triste condición humana, pero no por eso insuperable). Pensé que quien en realidad se interesara, buscaría la manera de traducirlo (yo lo he hecho con discos de otra gente). Y ya me pasó que alguien reconoció el documental de donde viene (no lo voy a delatar ¡pero no es tan rebuscado!).

En todo caso, uno de los ímpetus detrás de la canción es precisamente señalar que somos muchos los ciudadanos comunes y corrientes a los que nos toca la violencia, pero que no obstante le negamos entrada a las armas a nuestras vidas. Yo abogo por cero armas, punto. Sólo son un ‘mal necesario’ para quien tome la decisión de que es algo necesario. Y como toda decisión, siempre hay otra opción, otro camino a tomar. No sé si mi canción sea un grano de arena que realmente ayude a avanzar hacia una cultura de más paz, pero sería una bendición si tuviera ese efecto. En todo caso, me esmeré en contar las anécdotas sin un dramatismo excesivo o reclamo melodramático; la intención es que el tono sea uno “matter-of-fact” – narrativa basada en causa y efecto, y tal y como en realidad sucedieron los eventos.

PRI: Tuvimos la fortuna de asistir a la presentación del Lado Ve en el Conservatorio de Música de Puerto Rico – fue algo mágico, con todo y la lluvia, ver a esa docena de músicos en tarima dirigidos por ti. ¿Cómo surge Lado Ve? ¿Qué es y a qué responde su formación? ¿Algún plan de grabar como ese colectivo?

AR: Hace unos tres años, me invitaron a participar en la tarima grande del Festival Claridad [aquí en Puerto Rico -ed]. Fue el año para el que el festival se lo dedicaban a Andy Montañez, y me iban a poner el mismo día en que tocaba Andy, Plena Libre, Roy Brown y Calle 13. ¡Pompiaera! Pero al ser incluido en ese lineup, no quería treparme allí con sólo mi DJ… Así que convoqué a par de panas para formar una banda que tocara mis pistas, al estilo de The Roots; ya llevábamos un ratito hablando de la idea de montar algo así. Y desde entonces, todos le cogimos el gustico y no hemos parado . Tenemos planificado meternos en enero, para ver si lanzamos algo como banda para principios de 2012.

En cuanto a qué es Lado Ve, aquí te copio un parrafito que uso con prensa y en propuestas:

Lado Ve es una banda de hiphop acústico. Nueve virtuosos de trasfondos musicales variados – cada uno se mantiene activo en otras bandas de otros géneros – se juntan en Lado Ve para explorar y retar los límites de lo que se espera de la música hip-hop, implementando influencias de reggae, salsa, funk, soul y jazz a la estética y rítmica fundamentales del hip-hop, según éstas se expresan en las canciones originales de Velcro. El nombre de la banda sugiere su misión: en los discos de vinilo, particularmente en los sencillos (‘singles’), muchas veces el lado ‘B’ incluye alguna remezcla de la canción principal o hasta otra canción exclusiva… Eso es Lado Ve: la otra cara de la música de Velcro, del hip-hop boricua, y hasta podría decirse de la escena de música urbana de Puerto Rico.

PRI: Durante la presentación del grupo escuchamos además de tus temas, interpretaciones de temas por otros artistas (Pharcyde, Notorious B.I.G., Nas) y en particular un medley que volvió al público loco. ¿Cómo fue tu introducción al rap? ¿Cuándo te diste cuenta que podías mantener las rimas de estos otros artistas – y que podrías escribir las tuyas propias?

AR: La verdad, no recuerdo bien el preciso momento en que me topé con el rap… Pero sé que quedé flechao con él desde bien pequeño, como a los 6 años de edad, algo así. Recuerdo que escribí mi primera rima como a los 7 u 8. Memorias tempranas incluyen pompiaera full con el video de UTFO de la canción ‘Roxanne Roxanne’… Y un episodio de ‘Head of the Class’ en que uno de los chamacos rapea con otro haciéndole beatbox. Y claro, las películas ‘Beat Street’, ‘Breakin’… y ‘Yo! MTV Raps’…

El rap siempre me habló. Mirando atrás, creo que tuvo que ver que yo fuera hijo de inmigrantes en Puerto Rico, y de clase media baja, y que me haya mudado para acá desde EEUU; en todo eso hubo un sentir de exclusión, de no-pertenencia, del que me podía resguardar a conciencia en el rap, ya que algo central para el rap especialmente en ese entonces era precisamente el hablar desde el margen, tanto racial como socioeconómico. Aparte de que todos esos ídolos de antaño lo hacían de una manera tan amena y engatusadora – hasta al quejarse, era sendo buen rato.

Pues creciendo, le daba pa’bajo duro a los cassettes de quienes me gustaban, y me aprendía las letras por consecuencia natural. Y como te dije, siempre escribía mis rimas por el lado, principalmente en inglés. Un poco más adelante, los raperos de afuera empezaron a complicar las estructuras de rimas y la formación de imágenes y asociaciones. Me di cuenta de esto bastante temprano, y podría decirte que los estudié; tengo memorias hasta de transcribir algunos versos de Black Thought, por ejemplo, para ver bien cómo rayos lograba las acrobacias que hacía en canciones. Incluso, en la escuela me ponía a rapear covers de los palos del momento con algunos panas; hicimos ‘Scenario’, ‘Nuthin but a G Thang’ y par más; y re-escribimos a nuestra manera ‘The Bizness’ de De La Soul, entre otras. Así que interpretar versos de otros no es ajeno para mí – ¡aparte de que es una cura para los músicos de la banda tener una excusa para tocar esos clásicos!

PRI: También nos llamó la atención el llamado que hiciste en la presentación de Lado Vé en pro de la autenticidad, de lo genuino – para que se de una creación artística “de corazón”. Ciertamente se escucha mucha música mediocre y poco genuina en el país. ¿Por qué no suena más o se conocé más un proyecto como el de Velcro y Lado Vé en la isla – pero artistas de otra talla están por todas partes? ¿A qué obstáculos te enfrentas como artista independiente para llegar a una mayor audiencia?

AR: Esa es la pregunta que nos persigue por siempre, ¿no? Y es algo que plaga a toda vertiente artística. ¿Por qué las mejores películas no tienen el éxito taquillero de las más fáciles? Lo mismo para los libros, hasta para las artes culinarias, pudiera decirse. La respuesta común es que la mayoría de la gente busca en las artes un escape, y no necesariamente un espejo para las dificultades con las que pudieran identificarse. Hay algo de verdad en eso; pero también pienso que se tiende a menospreciar al público y así no se toman riesgos, y por consiguiente el público mismo puede llegar a menospreciarse y tampoco atreverse a pensar fuera de la rutina.

Yo también vacilo con una comedia veraniega o un palo de Pitbull, ponle; pero no me bastan. Pienso que prácticamente cualquiera que escuche mucho de lo que hacemos a nivel “subterráneo”, puede disfrutárselo, especialmente si se lo dan por ojo, boca y nariz como hacen con lo supuestamente “comercial”. Lo que hay es un grave desbalance. Contrarrestar ese desbalance para mí figura entre las cosas más importantes que hay que encontrar la manera de lograr.

Ahora bien: también creo que es demasiado fácil e injusto echarle los veinte a los “medios”, o a los “vendíos” o qué sé yo, y ya. Me parece que frente al desbalance del que hablo, muchos de los artistas supuestamente “subterráneos” podemos pecar de picharle demasiado duro a la posibilidad de apelar a un público general. Frente al tamaño colosal que percibimos en la maquinaria de comercio que consideramos como nuestro gran obstáculo, tiende a entrar un purismo u orgullo que nos puede perjudicar más que ayudar. Me pasa a mí también, no lo niego.

Dentro del hip-hop, por ejemplo, son demasiado pocos los que procuran lanzar canciones finales que realmente pudieran llegar a ser “palos”, con coros y versos que cualquiera pudiera disfrutarse y beats que hagan que la gente se mueva y pudieran llegar a convertirse en clásicos de por sí solos. Como DJ puedo decir que NECESITO que los artistas hispanoparlantes hagan más canciones que yo pueda sonar entre medio de los éxitos que la gente en la pista de baile sabe que va a escuchar. Por lo general, mucho rap en español tumba la vibra del party, y me es una pena; puedo contar quizá con los dedos de mis 2 manos las canciones de aquí que he podido comprobar que funcionan en los parties. Eso es un obstáculo que nos ponemos nosotros mismos, y que podemos cambiar con sólo un pequeño cambio de perspectiva, sin sacrificar en nada la integridad artística de nuestras respectivas propuestas. El éxito puede ser nuestro con tan sólo que lo queramos lo suficiente, ¡yo sé que sí!

PRI: Cuéntanos un poco sobre tu debut en el cine – uno de los temas de Mañana fue hecho para La hija natural de la cineasta dominicana Leticia Tonos. ¿Qué tal eso de estar en pantalla y crear música para un personaje?

AR: Fue una experiencia única. Para mí fue una gran sorpresa que me cogieran para el elenco de La hija natural, y al final puedo decir que no hubiera podido pedir mejor debut fílmico. Leticia es un amor, y nos dimos cuenta rápido que teníamos muchas cosas en común; entre ellas, una firme creencia en el poder de la auto-gestión – de no rendirse ante la posible falta de recursos inmediatos para lograr lo que uno quiere. Lety escribió, produjo, dirigió e hizo tantas cosas más para La hija natural; y el resultado habla por sí solo – es una película muy buena (¡y no lo digo sólo porque salgo en ella!) a la que, como poco, se le desborda el cariño con que se realizó. Ojalá algo similar se comunique con Mañana.

En cuanto a crear la canción tema de mi personaje… DIATRE qué reto. Lety me había pedido la canción durante el rodaje en Santo Domingo, y me mostró alguna de la música que pensaba usar para la película. Cuando volví a Puerto Rico, intenté meterle mil veces a mi canción, por unos buenos 5 meses… Y nada; estaba trancado. Fue una canción del cantante Dwele – “How I Deal” – que me mostró un posible camino para la canción. Así nació “Dame luz”.

Aparte, también por fin me permití a mí mismo hablar no sólo desde la perspectiva de Justiniano, mi personaje en la peli, sino también desde mi propia perspectiva; para el momento me gustaba una mujer que me parecía corresponder la atracción, pero no acababa de darme entrada… Así que tomé eso como punto de partida. Un poco raro, eso de encontrar enlaces con un personaje que desempeñas… Pero muy divertido y revelador. Me apunto a seguir explorándolo – ¡Qué vengan más guiones!

PRI: Este resurgimiento que se está dondo del formato de vinilo debe tener contento a un músico, DJ y productor como tú. ¿Veremos una edición de Mañana en vinilo?

AR: ¡Ya quisiera yo! Pero no creo. Manufacturar vinilo es un poco caro, relativo al CD – y ni se diga a la distribución digital. Y si bien hoy por hoy las posibilidades de sacarle provecho a la inversión de hacer CD’s son difíciles, con vinilos es mucho más difícil todavía. Primero, la mayoría de los DJ’s hoy en día no usan platos; y los que los usamos, básicamente nunca usamos vinilos – más bien los usamos con programas como Serato y Traktor. Y la mayoría de la gente, aún los audiófilos, no tienen un plato en su casa para escuchar vinilos. Hasta las tiendas con las que siempre hemos contado para vender vinilos, en el mundo del hip-hop al menos, han ido cerrando una a una – Fat Beats, Beat Street, etc. Así que sólo quedan los coleccionistas que comprarían copias en shows o de tu website, los cuales no son suficientes para yo invertir miles de dólares en hacer 500 copias de Mañana, ponle.

Me parece que en la escena del rock hay más interés en los vinilos de parte de los fans… ¡Espero que sí, para que mis amigos Mima y Nature puedan vender los que hicieron de El Pozo! Pero en el hip-hop, no creo que sea igual. Me ENCANTARIA tener una copia en vinilo del disco… Pero no es muy factible.

PRI: Recientemente publicamos un post en PuertoRicoIndie.com sobre la desaparición de Tek-One… Dicen que la última vez que se le escuchó fue para Intifada III. ¿Velcro tendrá los superpoderes para hacer a Tek-One re-aparecer y cerrar una trilogía de mixtapes con “La Perfecta Vol. 3”?

AR: Bueeeeno… Eso puede estar difícil . A mi parecer, Tek dejó atrás toda esta cuestión del rap al pasar a su vida matrimonial y de familia. Últimamente no hablamos tantísimo, pero nos mantenemos al día de las cosas más importantes en nuestras vidas personales. De hace un tiempo para acá, cuando hablamos, ni tocamos el tema de la música – creo que los dos entendemos que lo principal es que cada uno esté bien, en salud y rodeado de los suyos.

Si en algún momento el hombre quisiera meterle de nuevo, seré uno de los primeros en alegrarse y estar más que dispuesto a asistirlo en lo que sea. Pero si ese momento no llegara, no importa; aunque soy uno de los que se quedó con las ganas de oír al menos un disco de Tek, comoquiera dejó una trayectoria chévere, en la cual tuve la fortuna de participar aquí y allí y compartir con él momentos bien nítidos. Ese es y será por siempre mi hermano.

PRI: ¿Qué más viene por ahí que debamos de estar pendiente – especialmente los seguidores del hip-hop en Puerto Rico y de Velcro? ¿Qué te tiene entusiasmado? ¿Qué traerá el Mañana?

AR: El 15 de diciembre viene por fin el concierto y fiesta de lanzamiento del disco Mañana. La idea hasta ahora es hacer el disco completo, de cabo a rabo y en orden y con todas las intervenciones de los invitados, pero con Lado Ve metiéndole en vivo. El evento además contará con una exposición de arte de 13 piezas de 13 artistas del patio, basadas cada una en una canción del disco.

Lo próximo es un segundo video para Mañana; va a ser para la canción “Majarete”. Espero poder lanzarlo en enero. También tengo planificados otros dos videos, que se lanzarán a lo largo del próximo año.

Para principios de 2012, estaremos grabando un EP de Lado Ve; a ver si lo lanzamos como tarde en la primavera. Francis Pérez de Superaquello tiene un proyecto nuevo llamado La Tortuga China, en el que también participo; verá la luz del día temprano en 2012.

DJ Adam y yo tenemos pendiente lanzar un mixtape de “Best of Velcro”, a la manera de los ‘best of’ mixtapes de J Period; eso debe salir pronto. Y hasta ahora, creo que la próxima producción de estudio a la que quiero meterle, luego de la de Lado Ve, es algo de “future soul hispano”… Como un Foreign Exchange / D’Angelo, pero en español. Mi hermana Mireya Ramos, Kianí Medina y yo hemos estado hablándolo, y nos tiene BIEN motivaos. Si todo va bien, eso sale para fines de 2012. Y mientras tanto, ¡seguir inventando y pasándola de show!

PRI: Te agradecemos que hayas sacado de tu tiempo para este intercambio de palabras y te deseamos el mayor éxito en todos tus proyectos. Y a ver si en el futuro se te da lo del vinilo…

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Agradecimientos: a @Sire_Damiano, por su colaboración en la entrevista.

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Foto por Abey Charrón via Facebook del artista

Velcro / Lado Ve

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Escucha Mañana, el nuevo álbum de Velcro, y descarga tu copia digital aquí. Visita elsitedevelcro.com para descargas gratuitas de su debut, El álbum, y mixtape, Kelo Kenton. Velcro también participa en cuatro temas del compilado de clásicos del rap estadounidense re-hechos en español, Covers Vol. 1, organizado por el MC puertorriqueño, Nébula – descárgalo aquí.

tach.dé regresa a los escenarios luego de un receso durante el cual la banda de corte experimental grabó su segunda producción. Y aunque todavía falta un tiempo para poder escuchar el resultado de esas sesiones – posiblemente para antes que termine el año – el cuarteto compuesto por Fernando Samalot, Marcos Rodríguez, Daniel Sierra y Pachy García estará presentando parte del material nuevo en vivo, comenzando el miércoles 23 de noviembre en La Respuesta (Santurce, PR).

Enviamos unas preguntas a Daniel Sierra, baterista del grupo, quien nos adelantó una de los temas que formará parte del segundo disco y compartió con nosotros acerca del proceso de su grabación y el futuro de tach.dé. “El rumor es muy cierto. Nos trasladamos comenzando el año que viene hacia California,” nos escribe, por lo que no deben perderse a una de las mejores bandas de Puerto Rico en lo que serán sus últimas presentaciones en la isla “por un tiempo indefinido”.

tach.dé se presenta junto a Youvultures, Alpha Crucis y Gustavo Gastelum el miércoles 23 de noviembre en La Respuesta. Escucha “A Cliff Against The Sea” del nuevo álbum de la banda y disfruta de nuestra entrevista con Daniel a continuación.

tach.dé – A Cliff Against The Sea

PRI: Se encuentran grabando material para su segunda producción. ¿En qué consiste el proyecto y para cuándo esperan lanzarlo?

Daniel Sierra: El proyecto es básicamente una agrupación y re-estructuración masiva de todo el material que teníamos acumulado hasta el momento de entrar a grabar. Teníamos un repertorio de canciones viejas y algunas más nuevas, las cuales tuvimos que retomar y organizar de tal manera que hicieran sentido todas juntas. Algunas canciones que salen en el disco llevamos tocando desde el 2009, así que se hizo un esfuerzo por lograr que se sintieran vigentes y al tanto con el material más nuevo. En el disco también hay unos temas que trabajamos como piezas de estudio basadas mayormente en la improvisación. El disco se grabó entre agosto y septiembre de este año y esperamos lanzarlo en diciembre.

PRI: Mirando hacia su primer disco (uno de nuestros favoritos, que incluimos en el listado de lo mejor del 2010 en PuertoRicoIndie.com): ¿Qué les parece ahora el resultado, teniendo un poco más de distancia y tiempo para digerir esas grabaciones? ¿Algo que hubieran preferido hacer de manera distinta? ¿Cómo compara el material nuevo con ese primer esfuerzo?

DS: Definitivamente hubiésemos preferido lanzarlo antes. La frustración que tuvimos con ese primer disco es que lo lanzamos en un momento en que ya estábamos tomando otra dirección musical y cuando finalmente lo logramos, no nos hacía sentido seguir tocando esas canciones. Lo que no mucha gente sabe es que el primer intento de grabar esas canciones se hizo en el 2006 y el segundo en el 2007. Luego de ambos fracasar, echamos el proyecto hacía un lado hasta que se nos presentó la oportunidad de grabar en Savannah a principios del 2009. Tuvimos tan sólo tres días para grabar todo el material, perdimos algunos temas y encima nos enfrentamos con la realidad de no tener un lugar donde mezclar el disco en Puerto Rico.

En esa incertidumbre estuvimos alrededor de un año hasta que finalmente todo comenzó a moverse; lentamente. Pasamos por sesiones torturadas mezclando ese disco y peor aún cuando nuestros intereses musicales ya estaban en otro plano. Por esta razón no hemos vuelto a presentar estas canciones en vivo. Esta segunda producción en realidad la consideramos nuestra primera. Nos conocemos mejor, tenemos una idea más clara sobre cómo esculpir nuestro sonido y se puede apreciar mejor nuestros intereses del presente. Aunque no todo el material es absolutamente nuevo, en el disco hay algunos indicios del tipo de canciones que estamos desarrollando ahora mismo en nuestro espacio de ensayo.

PRI: ¿Qué elementos dirían que son esenciales para una composición del grupo? ¿Cómo se da la dinámica entre los miembros a la hora de componer – y luego a la hora de grabar?

DS: La banda siempre ha empleado diferentes métodos de componer. Lo importante para nosotros es que esos métodos sean cambiantes, para evitar repetirnos en el futuro. Nunca decimos “vamos a hacer esto ó lo otro”; las canciones simplemente nacen.

Una gran parte de nuestras energías va dirigida hacia mantenernos activos creativamente; enseñándonos cosas uno al otro, empujándonos fuera de lo que se nos hace instintivo, limitándonos al uso de ciertos instrumentos a veces. Tratamos de ver cada pieza como un mundo diferente y así mismo, tratarla con un conjunto de herramientas diferentes. Un factor que nos ha permitido explorar estas ideas es que hemos desarrollado una ética de trabajo bastante estricta. Por lo general, cuando no tenemos conflictos externos, ensayamos entre cinco a seis horas, cinco días a la semana. Esto puede llegar a ser agotante, pero nunca hemos sentido que tenemos tiempo de sobra. Al contrario, siempre sentimos que quisiéramos tener más tiempo para explorar otras facetas de lo que hacemos. No tenemos ese lujo todavía, pero fue, a una escala menor, algo que nos pudimos disfrutar del proceso de grabar este segundo disco. Tuvimos mucho más tiempo en comparación con el primero para utilizar el estudio como un instrumento, pero dentro de todo, trabajando dentro de ciertas limitaciones.

PRI: ¿Como artistas, sienten alguna necesidad de reaccionar al estado actual del país a través de su música? ¿Qué temas los inspiran como músicos?

DS: Nosotros somos producto de nuestro entorno y las personas, sucesos y lugares que nos rodean figuran en nuestro desarrollo. Haber crecido en este país y presenciar los cambios que han ocurrido en los últimos años nos definen en gran parte como individuos, pero no es algo que tratamos de introducir de manera directa a nuestra música. Probablemente el impulso que más nos lleva a crear es el de sentirnos insatisfechos en general. No quisiéramos ponernos en una posición en donde le estemos diciendo a las personas lo que tienen que hacer, sino que desarrollen la capacidad de pensar por ellos mismos y cuestionar lo que los rodea y sus propios ideales. Se trata más sobre una transformación de adentro hacia fuera. La expresión genuina es lo que quisiéramos alcanzar como artistas ahora mismo y por consiguiente, que los demás se inspiren a hacer lo mismo.

PRI: ¿Tienen planes de editar alguno de estos trabajos en vinilo? ¿Qué les parece el resurgimiento del formato y la acogida que ha tenido con las bandas de la escena local, varias de ellas habiendo editando sus trabajos en vinilo?

DS: Este segundo disco tenemos planificado lanzarlo en vinilo en el futuro, como una serie limitada. Siempre he sido fan del formato y la realidad es que nunca desapareció por completo. Ha vuelto a coger auge en los últimos años, incluyendo en Puerto Rico, pero muchos artistas se han mantenido fiel a lanzar sus producciones en vinilo durante las últimas décadas por el tipo de experiencia que le ofrece al oyente. Lo nítido de este formato es que casi obliga al oyente a escuchar el disco completo de una sentada. Se convierte en un momento especial que requiere tiempo y atención, a diferencia de escuchar un sencillo mezclado entre canciones de cientos de otros artistas en iTunes. Además, el carácter del sonido de la impresión a vinilo es único. Me alegra mucho este movimiento; es un momento bien positivo para la escena local.

PRI: Se rumora desde hace un tiempo que Tach.dé se prepara para mudarse fuera de la isla. ¿Es cierto? ¿Hacia dónde se trasladan? ¿Qué los motivó a tomar la decisión?

DS: El rumor es muy cierto. Nos trasladamos comenzando el año que viene hacia California. Queremos difundir nuestra música a otros lugares y la mejor opción que tenemos para lograr esto es simplemente irnos a tocar y dejarnos conocer. Claro, podríamos organizar algunas giras y comenzar por ahí, pero también hay un factor personal envuelto en la movida. Nos encanta esta isla, y sería bien interesante poder hacer música aquí por siempre, pero hay otras cosas que queremos hacer y esta es la única manera de hacerlo. Estos shows que tenemos ahora a finales de año serán los últimos por un tiempo indefinido.

PRI: ¿Qué aspiraciones tienen como grupo? ¿Se han trazado alguna meta a largo plazo?

DS: Nuestra única meta a largo plazo es poder seguir tocando juntos por un buen tiempo. Estar en una banda es mucho más trabajo de lo que la mayoría de las personas se imaginan y sólo quisiéramos tener la dicha de poder seguir haciendo lo que nos gusta hacer. Los objetivos artísticos del grupo se revelarán con el tiempo. Ya hemos alcanzado algunos y ahora esperamos los próximos. ¿Cuáles son? No sé, pero tampoco habría un punto en saber.

PRI: ¿Algún consejo para la próxima generación de bandas y músicos del país que estén yendo a sus shows y motivándose con su música?

DS: Si fuera a darle algún consejo a la próxima generación de bandas y músicos es que siempre apoyen y respeten a sus colegas. Nosotros todos componemos la escena y debemos demostrar la misma solidaridad con nuestros compañeros que nosotros mismo quisiéramos sentir. Sean críticos constructivos y no negativos. Cuestionen todo lo que vean y escuchen, pero sean sensatos. Lleguen a sus propias conclusiones sobre el arte, pero también escuchen las opiniones de los demás. Dedicarse a esto toma mucho tiempo, disciplina y a veces frustración, pero la recompensa es mucho más grande que todo lo anterior. En fin, desarrollen una ética de trabajo saludable y disfrútense el proceso, porque es la mejor parte.

Foto suministrada por tachdé / Crédito: Claudia Calderón

tach.dé

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Descarga el debut de tach.dé gratuitamente desde Bandcamp en lo que esperamos por la nueva producción de la banda antes de que acabe el año.

Los Negretes son una de esas bandas que parece estar en boca de todos dentro de la blogosfera musical. Los muchachos del DF han sido reseñados y reconocidos por los medios de España, Uruguay, Brasil, Perú, Chile, Colombia, Francia… el listado continúa y sí, incluye a Puerto Rico (tanto Mala Vida, Buena Música como Frecuencias Alternas se encuentran entre los fans de la banda).

Luego de un impresionante debut, Los últimos diez minutos de María Duval, el garage-punk de Los Negretes tomó aún más forma y fuerza con el lanzamiento del ahora clásico-bloguero México City Blues a finales del 2010. El disco abre con la explosiva “Puta Ciudad”, tan carta de amor como de desdén, que nos immersa de immediato en el mundo callejero, literario, romántico y nocturno de Los Negretes.

Compartimos algunas preguntas Jinmy Vitte (bajista) y Oscar Pereyra (voz/guitarra), a quienes esperamos ver próximamente en la isla, si los dioses del rock son justos con Puerto Rico (uh-oh.).

PRI: A casi un año exacto del lanzamiento de su primer LP, México City Blues – ¿Cómo se encuentra la banda y qué han logrado en estos pasados 12 meses como resultado del lanzamiento del disco?

Jinmy Vitte: Le fue muy bien al Mexico City Blues. Obtuvo reseñas muy buenas de medios de casi toda Latinoamerica y Europa y eso nos deja tranquilos y contentos pues se ha dado el valor que se merece a este gran álbum, a pesar de que fue prácticamente “rechazado” por las emisoras de rock mexicanas.

Nos cuesta mucho creer que medios importantes a nivel mundial como La Blogotheque o Paste Magazine se tomen el tiempo de analizar y abrirle un lugar a la música de Los Negretes, mientras que en nuestro país no sucede nada.

Luego del lanzamiento del disco – hace ya un año – recibimos la invitacion del SXSW Music Festival y del festival El Mapa de Todos en Brasil.

A mediados de año, el Mexico City Blues fue premiado por los Indie-O Music Awards IMAS 2011 como mejor Disco Punk Garage del Año y tambien estuvimos nominados a los Premios de La Musica Independiente de España UFI 2011 en la categoria de Mejor Artista Mexicano.

http://www.youtube.com/watch?v=2dEJ5f50ZWs

PRI: Así que un buen año para Los Negretes. México City Blues se puede considerar un disco-concepto, lo que lo distingue de la mayoría de grabaciones independientes a la vez que se sitúa dentro de una rica tradición de narrativas musicales dentro del género del rock. ¿Se diseñó desde el comienzo para que fuese así o más bien fue surgiendo sobre la marcha la temática en común entre las canciones? ¿Sirvió algún otro disco conceptual de inspiración para el trabajo?

Oscar Pereyra: Sí, fue creado con un sentido conceptual. Hay discos como Berlin de Lou Reed que siempre nos han inspirado. Lo más extraño – y pocos saben – es que la novela La biblia de neón (de John Kennedy Toole) fungió como llamado también para emprender este disco. Y por supuesto Kerouac, nuestro ídolo literario de la adolescencia.

PRI: El crecimiento de la banda entre su primer EP (Los últimos diez minutos de María Duval) y México City Blues es evidente, con muchos más estilos y texturas exploradas en el segundo, que al igual es un trabajo más denso y de mucho ambiente. ¿Cómo comparan ambos trabajos en su opinión y que diferenció la manera en que fueron compuestos y producidos?

OP: Pues sólo puedo responder que las cosas se van susitando. No hay un forzamiento estético. Las canciones nos van exigiendo sonidos y nosotros vamos creciendo con ellas.

PRI: Su música hace referencia a lugares específicos en Ciudad de México, dando con inmediatez la impresión de que estamos en un recorrido de los recovecos más oscuros, peligrosos y olvidados que tiene para ofrecer el DF. ¿A la hora de componer, buscan documentar el estado actual de sus alrededores o se trata más de crear una narrativa de ficciones?

OP: Es una mezcla. Las calles son surrealistas y provocan narrativa. Hay una mezcla de ficción y realidad en las calles.

Los Negretes / suministrada por la banda

PRI: También es muy cinemática su música – rica en imágenes y fácil de imaginar dentro de un buen soundtrack como esos curados por Tarantino para sus películas. ¿Hay cinéfilos en el grupo? ¿Cuáles son algunas de sus películas favoritas? ¿Considerarían hacer componer la banda sonora de algún filme y qué tipo de filme sería?

OP: Somos cinéfilos y yo hago cine. Exploro mucho con material súper 8 y 16mm. Nos gusta mucho Jarmusch, Godard, Kaurismaki – ¡Los hermanos caradura!

¡Nos gustaría componer música de un film sobre enanos policías!

PRI: El tema “Viernes” se distingue del resto de México City Blues, sacando la acción de la calle y dejándola en el cuarto (entre Dr. House, Spinal Tap y la pornografía digital) aunque reteniendo la temática de la soledad que tocan en otros temas. ¿Por lo general, cómo pasan un viernes?

OP: ¡En la autopista, siempre!

PRI: ¿Tienen planeada alguna gira en el futuro cercano? Y para los que no hemos podido verlos en vivo, ¿Cómo es un show de Los Negretes?

JV: Estamos trabajando en lo que será nuestra Gira Europea en abril del 2012 con nuestra alineación definitiva de la banda con cinco músicos, y bueno, creo que la puesta en vivo de Los Negretes ha cambiado mucho – ahora con una base rítmica sólida y contundente de la mano de Aarón Bautista y Damián Pérez. Le hemos sumado un órgano de planta y percusiones, así como más velocidad a las canciones. En definitiva, nuestro show es mucha fuerza – es punk.

PRI: Leímos en un artículo sobre la banda que Los Negretes habían sido “descubiertos” por el periodista y escritor Mark Kemp, quien fuera en un momento editor musical para la revista Rolling Stone. ¿Es cierto el detalle? ¿Cómo se dio ese encuentro y que resultó de ese “descubrimiento”?

OP: Sí, fue cierto. Nos encontró vía Myspace y luego vino a México a vernos. Fue una verdadera sorpresa y nos ayudó bastante.

PRI: En su entrevista para el blog Mala Vida, Buena Música, mencionan que la persona famosa más desagradable que hayan tenido la mala fortuna de conocer fue a Jack White. ¿Comparten esa experiencias con nosotros?

JV: Lo conocí en una estación de radio. Le di el EP de Los Negretes y él me regaló el CD de The Dead Weather. Luego se puso a bailar con su traductora y ésta era malísima. Jack White se enojó y ante la mirada de todos los ahí presentes, empezó a golpearla y a golpearla y a golpearla.

Los Negretes / suministrada por la banda

PRI: Vaya actitud de “rockstar”… La escena local de Puerto Rico ha dado paso a bandas de punk rock y garage como Dávila 666, Los Visitantes y Ardillas que comparten los escenarios y disfrutan de gran camaradería entre sí. ¿Se consideran parte de una escena local? ¿Cómo es y qué otras bandas del DF la integran?

OP: Es más o menos buena. Hay varios grupos chingones: Polka Madre, Nos Llamamos, Los Explosivos, Lorelle Meets the Obsolete, Sonido Gallo Negro, Juan Cirerol y más… La verdad es que sí falta decisión para crear una escena más grande y más duradera.

PRI: ¿Han comenzado a trabajar en alguna nueva producción? ¿Qué nos pueden adelantar de la misma?

OP: Ya tenemos varios temas nuevos y las cosas van fluyendo. Estamos trabajando duro en lo nuevo.

PRI: Queremos agradecerle su tiempo para contestarnos estas preguntas y esperamos que mucha gente en la isla le de una oportunidad a la música Los Negretes. ¿Alguna otra cosa que quieran compartir con Puerto Rico?

OP: Lean a John Fante y El vampiro de la colonia Roma (de Luis Zapata).

http://www.youtube.com/watch?v=F0tKqyPJmL8

Los Negretes

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Descarga el debut de Los Negretes, Los últimos diez minutos de María Duval gratuitamente aquí y escucha México City Blues (también disponible en vinilo) por acá.

“Que la guitarra me haga un sonido así… seguido por el bajo…”, así dimos inicio al programa radial de Frecuencias Alternas el pasado sábado 5 de noviembre, cuando el señor José “Pepe” Pesante nos extendió una invitación para acompañarle en su entrevista a “El Filósofo” y leyenda viviente del hip-hop en español, Vico C. ¿Cómo decir que no? Como puertorriqueño “de cierta edad” llevo los clásicos de Vico en mi memoria y siempre es un placer toparse con un tema nuevo de los que demuestra que aún no ha perdido la chispa que lo hizo famoso hace décadas atrás.

Así que por una hora repasamos algunos de los cortes más conocidos de Hispanic Soul, en celebración de su XX aniversario; escuchamos algunas de las colaboraciones (Eddie Ávila, Tego Calderón, La Mala Rodríguez) recopiladas en su nuevo disco y hablamos con el propio Vico C sobre su espectáculo “Extrictamente Hip-Hop” el próximo viernes 11 de noviembre en La Respuesta (Santurce, PR). Nos acompañaron durante la transmisión José “Fofito” Morales de La Respuesta y el rapero SieteNueve, quién acompañará a Vico C el viernes.

Escuchen la transmisión a continuación y así se van preparando para lo que viene el viernes…

DALE AL SÍMBOLO DE PLAY AQUÍ –> Programa en FrecuenciasAlternas.

¡Tienes que ver el vídeo del loco éste! Así empieza tu introducción al mundo de Jamsha El PutiPuerko, con un pana que te guía hacia los canales de Youtube correctos, de canción en canción, de vídeo en vídeo. “Ella tiene jevo, pero quiere güevo / Ella a mi me llama y se cree que no me atrevo”, canta el PutiPuerko – un tipo CAFRE con MAYÚSCULA, caricatura en carne viva sacada de los ’90s – y el ritmo que le acompaña es inconfundible. Es el sonido de la juventud puertorriqueña desde hace décadas, lo quieran o no.

En su versión 2.0, el under en manos de Jamsha – aunque empapado de humor anacrónico – no se conforma con la nostalgia. Aspira a un dominio de las redes sociales a través de producciones “low budget” pero no “low quality” que con sus letras explícitas y situaciones jocosas llegan al corazón del puertorriqueño – y lo ponen a bailar. En su intento de parodiar, Jamsha termina dándole nueva vida al reggaeton que muchos ya habían dado por muerto. El material, aunque estilizado, trasciende su forma y alcanza una autenticidad poco común en un género preocupado primordialmente por las apariencias. La energía de Jamsha resulta pegajosa porque es genuina.

Entonces, no debe sorprendernos que fuera invitado recientemente a compartir tarima con la orquesta de salsa El Macabeo, otros músicos con experiencia reavivando géneros musicales. Esa noche, Alexis Caraballo Méndez miraba a través de sus gafas noventosas – parte del disfraz de PutiPuerko – y notaba que la gente brincando y cantando sus temas no parecían un público típico de los que acostumbra a ver en sus presentaciones de reggaeton.

De igual manera, PuertoRicoIndie.com tampoco es uno de los websites que acostumbra a contactarlo para entrevistas… Pero sin embargo aquí estamos – listos para compartir con ustedes, luego de varios meses de coordinación y preparación, nuestra entrevista con Jamsha El PutiPuerko, principal culpable de la segunda venida del reggaeton.

PRI: ¿Cómo te llamamos, Jamsha El PutiPuerko o El PutiFino?

Jamsha: PutiPuerko es cuando hago una canción bien cafre y PutiFino es cuando me tiro una cancioncita que no es tan cafre y es como romántica. Ahora estoy tratando de evadir un poco la palabra “PutiPuerko” – para eso de las entrevistas y los medios pues no es bueno, pero por lo menos siempre está Jamsha ahí.

PRI: En tu biografía de Facebook narras como comenzaste a trabajar con música desde pequeño, la experiencia que fuiste adquiriendo en producción fuera de la isla en Jive Records y colaborando con artistas diversos – hasta los Salsa Kids. ¿Cuándo es que empieza a formarse la idea de Jamsha – a crearse esa persona y definir la música que te distingue?

J: Pues mira, lo que pasa es que empecé produciendo. Bueno, primero empecé cantando, es la realidad… de chamaquito – como a los catorce. Siempre me interesó cantar… Pero todavía no tenía un estilo definido. Cuando tú vas a ser cantante tienes que tener un estilo – pero que sea un estilo tuyo – y yo todavía no lo había encontrado.

Hasta que tiré mi primera canción que se llamaba “Puti Puerca”. Ahí fue que al ver la aceptación de la gente, de una canción que se hizo relajando en el estudio – salió y en la calle la cantaban, habían vídeos en Youtube gente en los carros cantándola – y yo decía: “espérate…”. Tiré otra canción que se llamaba “Sendo cohete” y la canción también pegó, se le hizo remix con varios artistas del género y por ahí pa’ abajo como que yo dije: “espérate, que éste es mi estilo – esto es lo que le gusta a la gente”.

Nunca he sacado nada de lo que había cantado anteriormente – lo primero que saqué fue underground desde el principio. Pero anteriormente yo tenía canciones que no eran así – eran lindas y to’ eso, pero todavía no me sentía seguro. Cuando ya encontré mi estilo decidí irme por ahí y en los vídeos igual.

Mi estilo es como una parodia al reggaeton, jocosa, con un personaje que se tiene que ver oldschool – un personaje de los 90′s que es un personaje sobra’o y cafre.

PRI: ¿Qué componente vino primero dentro del concepto, lo visual o la música?

J: A mí siempre me han gustado las películas, la cuestión de inventar mis historias… Empecé por la música pero después como que poco a poco en los vídeos, empecé a poner poquito a poquito las ideas más o menos que yo tenía en la mente. Y ya pues cada video ha ido mejorando, en cuanto a la edición, en cuanto a la historia y todo eso. Pero siempre fue primero la música y después fue que salió la idea de los vídeos, este estilo así, el personaje bien cafre así.

PRI: ¿Para cuándo fue que despegó el proyecto en las redes sociales? Mencionaste esos dos primeros temas – ¿para cuándo fue que los sacaste?

J: El disco salió a principios de febrero y los primeros temas salieron en el 1998 – que diga, 2008.

PRI: ¡Se siente como si fueran del ’98!

J: [Se ríe] No, no, ’98 no. Mi primera canción fue en el 2008, ahora en diciembre se cumplen casi tres años – en noviembre, por ahí.

Yo pienso que hoy en día como está la piratería tan fuerte, uno no puede amarrar las cosas – olvídate que como quiera eso se va a piratear aunque yo ponga eso en iTunes. Tengo mucha gente que dice: “¿Pa’ qué lo voy a comprar en iTunes si lo puedo bajar?”. Y yo pues decidí, sin pensar en disquera, pues tirar el disco con las canciones que ya había sacado y otras nuevas, con carátula y todo – y las zumbamos como un regalo para la gente y así mismo estoy pensando en el segundo disco.

No estoy pensando en disqueras grandes por ahora. Como ya los tiempos han cambiado, ya las disqueras no quieren invertir casi en proyectos musicales y se tardan mucho en sacar un proyecto – que a lo mejor cuando la disquera ya se decida y tenga el plan para sacar el disco, el disco ya se puso viejo. He visto reggaetoneros que esperando por disquera, tienen un disco y pasaron tres años y no se lo sacaron. Y el cantante se apagó. Cuando sacan el disco ya a la gente no le importa.

Y cuando tú tienes el momento, no se puede perder el tiempo. Si eso está en la computadora y tú tienes la forma de hacerle llegar a los miles de fanáticos alrededor del mundo tu música, ¿por qué hacerles esperar? Ya mi mentalidad puede que sea otra. Hay gente que dirá que los discos son bien importantes pero es que los tiempos ya han pasa’o… Ya las mismas disqueras por eso es que están diciendo que el reggaeton está en decadencia. Pero los artistas que están haciendo shows están haciendo dinero cada día. Las disqueras fueron las que se fueron en decadencia. Es verdad que el “boom” de los tiempos allá de Luny ya no van a volver, pero se mantiene el reggaeton porque es lo que le gusta a la mayoría de la juventud.

http://www.youtube.com/watch?v=pz02gsZVxoI

PRI: ¿Cómo fue la acogida del disco?

J: Hubo un tema que yo no lo pensaba poner en el disco porque eran tan y tan cafre y tan under que yo dije: “no, no puede ser, este tema yo no lo puedo sacar”. Y lo puse como track ocho o track nueve y ahora mismo es el tema que más views tiene en Youtube – Ella tiene jevo…

Ese tema yo no lo pensaba tirar ni le pensaba hacer video ni nada. Fue que estábamos en México y un día antes de yo irme, cuadramos y rompimos a grabar ahí. Yo estaba medio desgana’o para grabar – y lo grabamos sin pensarlo: “olvídate vamo’a hacerlo”. Y lo terminamos aquí en Puerto Rico.

Yo me convencí que mientras más under y mientras más cafre sea el tema, aunque no suene en la radio, la gente lo va a buscar. Y a veces uno tiene que pensar en canciones que puedan sonar en la radio, pero por lo menos mi estilo es bien sincero y pues, es underground – y es hablando de temas reales, porque aquí yo no me invento nada. Todo lo que yo hablo siempre ha pasado. Le ha pasado a gente, me ha pasado a mi.

PRI: Retrata muy bien… es que suena puertorro, ¿tú sabes? Retrata eso bien brutal. Y es algo que todo el mundo aquí puede identificar instantáneamente y relacionarse a eso entonces de su propia manera.

Pero también es la producción – la producción está muy bien lograda y mantienes una relación estrecha con tu colaborador principal, el productor Eggi Ruz. ¿Cómo se conocieron y cómo funciona la colaboración? ¿Cómo se dividen las tareas en PutiFly Music?

J: A Eggi Ruz yo lo conocí cuando él vino a grabar unas guitarras aquí para otro reggaetonero. Como antes yo producía para otros reggaetoneros, el vino una vez aquí a grabar unas guitarras y nos quedamos en contacto. Nos pasamos el número y eso.

Yo tenía que grabar unas guitarras para otro tema de otro artista – y nos quedamos en contacto trabajando. Eggi Ruz es músico, es maestro de música. Él tiene 24 años – es bien joven. Toca guitarra, toca bajo – toca casi todos los instrumentos. Toca violín, toca todo. Y si no sabe, él coge y abre Youtube y busca un tutorial de cómo se toca ese instrumento y si lo tiene en la mano, lo saca.

Como la canción de “Ya te olvidé”, que él tocó el ukelele. Y él no sabía cómo tocar el ukelele, pero antes de grabarlo sacamos el Youtube y estuvo un rato practicando hasta que le salió.

A la hora de producir nos sentamos los dos en la computadora y Eggi Ruz se encarga como tal de sacar los tonos, las melodías – yo también trabajo en las melodías. Al uno trabajar con otra persona es más fácil. Hay dos mentes. Es más rápido. Eggi Ruz me graba también, el me dice: “estás más pa’ arriba, más pa’ abajo” o “hazlo otra vez”. En cuanto a la producción, la trabajamos fifty-fifty.

PRI: ¿Cuánto tiempo te toma el proceso completo de lograr uno de tus vídeos? ¿Qué elementos son indispensables para que un vídeo sea digno de un tema de Jamsha?

J: En realidad ahora mismo yo trabajo los vídeos un poco lento porque he estado en una transición de comprar el equipo y a veces dependo de otras personas para grabar. O de los días disponibles que tengan los camarógrafos y todo eso. Pero para el vídeo de “Ya te olvidé” yo me tardé casi como 5 meses grabando poco a poco.

Yo soy de los que cuando voy a un sitio siempre estoy mirando los alrededores a ver qué yo puedo sacar de ahí, qué puedo hacer ahí. Tú me ves a mí como un turista. Mirando de lado a lado – tirando fotos. Y así voy maquineando a ver qué puedo hacer ahí.

Como ahora ya voy a tener el equipo completo de grabar vídeo – cámara, luces, todo eso – y ya tengo para moverme más rápido, los vídeos van a salir un poco más rápido. Yo primero hago un libreto para que no se me quede nada, escribo parte por parte – pero eso lo estoy haciendo ahora porque antes era todo ahí al garete.

PRI: ¿Cual es el próximo?

J: Esta semana empiezo un featuring que hice con J-King y Maximan. Yo normalmente no hago featuring. Yo soy bien de que me gusta hacer los temas solo, porque mis loqueras las hago yo y los vídeos – porque mucha gente no entiende hasta que ven el vídeo. No entienden el viaje hasta que ven todo ya en un vídeo.

Entonces, ahora esta semana empiezo el vídeo de “Lesbiana” que es featuring J-King y Maximan – de los primeros que creyeron en mí cantando, que me apoyaron sin tener que hacerlo. Ellos son mis hermanitos y a pesar de que yo no soy de hacer mucho featuring con ellos yo no lo pienso. A parte de que ellos están rankea’os en otros países y son bien reconocidos.

Este vídeo no va a tener intro, porque ya la canción explica más de lo que trata. Los intros son como si yo hiciera dos vídeos a la vez, porque me cogen tiempo – demasiado. El intro yo creo que es lo más difícil.

http://www.youtube.com/watch?v=o_ukz2UyIX8

PRI: Pero me acuerdan a esos vídeos así tipo Michael Jackson que uno primero mira esta película de cinco minutos y luego empieza la canción.

J: Como estoy atrasado con los vídeos decidí hacer el de “Lesbiana” un poquito más rápido y tratar de explicarlo todo sin tener que hacerle intro. Porque se le puede hacer intro – si uno quiere inventarse uno lo puede hacer, pero si tú se lo explicas todo bien a la gente desde que arranca el ritmo de la canción, ya en los visuales pueden entender lo que está pasando [y no hace falta intro].

Aparte de ese tengo otro vídeo que viene, que es el de “Cabroemonte”. Ya empezamos a grabar ese vídeo a la vez, poquito a poquito. Y después viene uno que la canción se llama “Aunque lo niegues, esnuita yo te vi”. Es un personaje que estuvo con una tipa y dos semanas después se la encuentra en la calle y ella como que lo ignora o la niega porque está con unas amistades, entonces yo vengo y me enfogono porque ella me está negando y digo: “pues se va a joder porque todo el mundo va a saber que ella estuvo conmigo”. Y yo le salgo hasta en la sopa recordándole que ella estuvo conmigo, en la televisión, en todos lados. Pero en sí es comedia, porque es algo bien sobra’o.

Ese es otro de los vídeos que vienen. Y también viene el de la canción nueva que se llama “El condón se me rompió con una prepago” que ese es un tema bien under en cuestión del estilo.

PRI: ¿Cómo es que se llama?

J: El condón se me rompió con una prepago. Una prepago es como le dicen a las prostitutas en Colombia y en otros países. Ese vídeo ya lo tengo maquinea’o full, full. Ese vídeo va a estar brutal.

PRI: ¿El tema sale en tu próximo disco?

J: Sí, ese tema va a salir para este disco que viene ahora, que ya tengo seis temas ready – me faltarían como seis más y lo zumbamos a ver si sale ya para Navidades.

PRI: En la escena musical independiente del país han surgido proyectos como el de Los Niños Estelares, que utilizan las redes sociales tan activamente como tú – particularmente Youtube, desarrollando muchos videos “low-budget” (pero no low-quality) para promover su música. ¿Conoces el trabajo de Los Niños Estelares o de otros proyectos independientes que hayan acogido las redes de igual manera? ¿Alguno que puedas recomendar?

J: Pues mira en cuestión de reggaeton yo creo que nadie está trabajando así porque yo siempre estoy bien pendiente a lo que está pasando en el género.

PRI: Como artista independiente no sólo tienes que bregar con crear la música y tus vídeos, si no que seguramente manejas muchos otros aspectos de tu carrera – si no todos. ¿Qué resulta lo más dificultoso y qué es lo más que disfrutas del proceso?

J: Yo soy una persona que yo casi no salgo. Soy bien hogareño, no soy bien jangueador porque yo no bebo y yo no fumo. Aunque no me lo crean, yo no bebe ni fumo. [Se ríe.] Pero a veces cuando salgo a la calle – como ayer, que salí a Plaza – y no me esperaba que me pararan tantas veces para tirarse una foto y que todo el que me encontraba de frente me señalaba. Ahí es que yo me doy cuenta de que “wow, espérate, ¿qué es esto?”.

La gente me dice, “si te estoy diciendo que estás pega’o, te estoy diciendo que estás pega’o – estás por ahí, las cosas están sonando”.

Yo he cogido prácticamente el camino largo. Porque a mucha gente cuando firman con las disqueras se les hace más fácil – ellos se pegan a través de la radio. Y entonces como que brincan lo que es el público de la calle, que es el público que realmente importa. Si tu no estás pega’o en la calle, puedes estar en la radio, pero con el reggaeton por lo menos yo pienso que es la única música que tú no puedes entrarle a la gente por los ojos – por más que te suenen en la radio y por más que te den promo, en la radio, dónde sea, si no pegas en la calle no vas pa’ ningún la’o.

Conozco gente que han gastado miles de dólares metiéndole a la radio… Como yo no tengo el presupuesto para sonar en la radio… Me han hecho acercamientos varios productores, manejadores, de booking – que quieren mi booking. Pero yo tuve una reunión con mi abogado y me dijo que no firmara nada que le diera mi booking a nadie. Que pusiera un representante pero que no le diera ningún por ciento a nadie porque las cosas están saliendo poco a poco y si ya estoy cogiendo parties, ¿pa’ qué coger a una persona que lo único que va a hacer es levantar el teléfono para cuadrarme los parties? Para eso lo pongo yo y lo pago yo.

Entonces a mí se me ha hecho más difícil porque no tengo a un productor que ya tenga todas las conexiones que diga “ya mañana vas a empezar en la radio, vas a empezar en los medios…” Yo he escogido el camino poco a poco en la calle e Internet. Como mi música es underground no quiero que nadie venga a decirme “tienes que ahora para sonar en la radio hacer una cancioncita más suavesita” y por ahí es que empiezan a lavarte la mente para que tú cambies el estilo tuyo. Todavía yo no me siento preparado para eso.

Y estoy trabajando pero de la manera más difícil que es con uno mismo. Por eso es que yo pongo a veces al final de mis vídeos “sin bichote records” que es como que “yo mismo”. En el equipo está Eggi y Carlitos Lion que en cuenstión de los vídeos, me ayuda con el libreto y algunas ideas – y mi otro equipo que tengo así, la otra gente que también me ayuda para grabar y todo eso.

http://www.youtube.com/watch?v=Pv58lFgNibo

PRI: ¿Te sorprendió el acercamiento de la Orquesta El Macabeo para tocar con ellos en San Juan?

J: Cuando ellos me escribieron que vi que era una orquesta de salsa, ahí yo dije: “espérate, qué chévere, les gusta mi música”. Después que me hicieron el acercamiento para hacer el show, yo dije: “espérate como que la música está llegando a otro público”. Ellos se ve que no escuchan reggaeton y la mayoría de la gente que estaban ahí coreando las canciones, yo los veía, y no me tenían cara de que escuchan reggaeton. Que eran gente que a lo mejor se saben las canciones por los vídeos, y les gusta la música por los vídeos.

Pero yo sé que es un grupo nuevo y que está empezando a correrse la voz: “¿Tú escuchaste las canciones de este loco? ¿Viste los vídeos de este loco?” En el reggaeton casi nadie de los que cantan tienen a ese público y es otro público que es bien importante. Y es un público que me está empezando a escribir, veo los comentarios en Twitter y cuando me meto a las páginas, tú les miras las caras y dices: “Nah, esta persona no escucha reggaeton”.

PRI: Si me miras a mí vas a decirme, “tú no escuchas reggaeton”.

J: Yo me imagino que tú no escuchas reggaeton.

PRI: ¡No mucho, pero escucho a Jamsha!

J: [Se ríe.] Ah pues los otros días me hicieron un comentario en Twitter. Me pusieron: Jamsha – el único reggaetonero que escuchan los rockeros. [Se ríe.]

PRI: Bueno y es algo que también puede que tengas en común con otros grupos de otros géneros – por el ejemplo el Macabeo. Pero en parte yo creo que tiene que ver con lo que mencionabas de llegarle a la gente en la calle en vez de por promoción en la radio y eso. Llegas más orgánicamente a través de la recomendación de un pana en la computadora en lugar de en “El Show de las 12″ y se siente más genuino.

J: Yo lo que quiero es que cuando llegue el momento de ponerse las pilas para bregar con los medios, yo tener el control de quién lo va a hacer y cómo.

PRI: En un ensayo que leímos en el blog Hazme Caso titulado “Más cafre que tú: el post-regueton de Calle 13 y Jamsha”, el autor escribe: “El gozo es nuestro, de los que vivimos la era del underground, que conocemos a la bestia y no nos da miedo. Jamsha nos acerca a nuestro cafre, a nuestro putipuerco, a nuestra persona más baja. Nos encanta cada segundo.” ¿Reconoces a ese elemento de nostalgia en tu música y qué te parece la comparación a Calle 13? ¿Habría un espacio para una colaboración?

J: Ah sí, yo leí eso. Pues mira, Calle 13 es bien diferente a lo que yo hago – quizás se parece un poco en las loqueras de los vídeos y eso. El estilo mío es un reggaeton cafre underground, más con los ritmos viejos. También hacemos ritmos originales que no tienen que ver nada con los ritmos old-school, que se usaban antes. Pero si en algún momento se da la oportunidad…

Yo pienso que a lo mejor todavía ellos no me verían a mí como que estoy preparado para grabar así con ellos, pero para eso es que yo tengo que trabajar. Los artistas que ya están arriba, que ya están súper pega’os, ellos tienen que ver que tú trabajes. Y para eso es que yo tengo que trabajar, para que ellos vean que yo estoy trabajando y el día que se quiera hacer pues a mí me encantaría, porque a mi me encanta Calle 13.

Pero para eso pienso que tengo que trabajar más y demostrar más. Yo ahora mismo estoy en ese proceso, trabajando para que artistas como Calle 13 consideren hacer un featuring conmigo. Pero me falta todavía trabajar más – y lo digo y soy sincero. Hay que conquistar más público y todo eso.

PRI: Bueno y como dijiste – el camino largo pero con más control.

J: A mi me encantaría, Calle 13 yo lo admiro porque es bien diferente y trajo un estilo diferente al género, aunque ya casi no canten reggaeton o no usen el ritmo de reggaeton – pero tienen su público que los siguen así. Hay que ser diferente. De eso se trata.

Jamsha El PutiPuerko / PutiFino

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