Los condenados, el más reciente largometraje puertorriqueño, estrenó hace unas semanas en las salas de cine del país, cargada por el ya reconocido llamado a la acción de “Apoya lo de aquí”. El mismo se utiliza siempre que estrena una película local para apelar a ese hilo común que nos une: la puertoriqueñidad. Se utiliza porque es fácil y barato y, por lo general, porque los filmes boricuas no tienen presupuestos para competir con la publicidad que reciben las cintas norteamericanas.

“Apoya lo de aquí” ya es el eslogan de facto de cualquier proyecto artístico o negocio en esta isla. Apoyar significa pagar dinero por el producto, en este caso cinematográfico, para que se recuperen los gastos de producción o, a son de milagro, lograr ganancias. Al recuperar o ganar dinero se legitima – en los ojos del financiero – el arduo trabajo y se abre paso para hacer otra cinta y luego otra y luego otra. Esto, sin duda, es importante. Una vibrante industria de cine local significa trabajo para cineastas, actores y técnicos, significa un taller de creación artística con repercusiones positivas en lo económico y lo social. Así que el lema de “Apoya lo de aquí”, por más trillado y bajo que aparente a los seguidores del cine, no tiene que serlo. Podría significar algo real y valioso, una unión de fuerzas hacia un bien común; algo completamente comendable.

http://www.youtube.com/watch?v=mPhXj3hO784

Desafortunadamente el uso continuo de la frase para promover trabajos mediocres la diluye. La convierte en un lema vacío que busca generar ventas de taquillas y sentimientos de culpabilidad en quienes insistan en no apoyar lo de aquí. También busca igualarnos al cine de Hollywood, señalar que estamos ‘a la par’ con cualquier producción extranjera que se proyecte localmente – “apoya lo de aquí… que es tan bueno como lo de allá”. Aquí encontramos el error crucial. En el afán de llegar a una audiencia local que genere lo suficiente como para impulsar el desarrollo de una industria de cine puertorriqueño sostenible, se ha enfatizado el “como lo de allá”.

La necesidad de crear una industria o una cultura de cine en Puerto Rico tiene que sobrepasar este afán de imitar lo de allá y enfocarse en crear cine, y ya – un cine genuino que responda a nuestra realidad. La Corporación de Cine de Puerto Rico (CCPR) dio 1.2 millones de dólares para completar la producción de Los condenados y me pregunto si ese dinero no hubiera sido mejor utilizado en otro(s) proyecto(s). Está muy bien aspirar a valores de producción altos (elemento notable en Los condenados) pero apostar a que estos auguran un éxito en la taquilla o en la crítica es absurdo. Y no es la primera vez que esto pasa. Hacen falta buenos libretos; Los condenados no tenía uno.

Estoy claro que esa cantidad de dinero le dió trabajo a mucho artista y técnico. También estoy de acuerdo en que la experiencia colectiva de un crew ayuda a pulirlos y crea un ambiente de camaradería y unión que se desborda en otros proyectos. Pero ya debemos pasar esa etapa. Hay muchísima gente capaz y hay suficientes redes y conexiones entre los talentos como para dedicarse a hacer obras con más sustancia.

http://www.youtube.com/watch?v=xLy-FfKa1To

Unas semanas antes se exhibía en Fine Arts Café un documental llamado Ejkei, sobre la historia del deporte de la patineta en la isla. Además de contar con ayuda de la CCPR, el proyecto buscó auspicios del sector privado y donaciones por parte del público a través de Kickstarter hasta conseguir los fondos necesarios para completarse. El resultado fue una crónica muy interesante no sólo del skateboarding sino de la sociedad puertorriqueña y de los movimientos contraculturales. No es un documental que rompe paradigmas, pero es sumamente entretenido, educativo y, sobretodo, auténtico.

Mi santa mirada, cortometraje de Álvaro Aponte Centeno, se convirtió en el primer corto puertorriqueño en ser nominado para un premio en el Festival de Cannes. El director también se ha beneficiado, como muchos otros cineastas, de la ayuda del fondo cinematográfico que maneja la CCPR. Su trabajo anterior – Luz – también se puede describir como un trabajo genuino, apelando no a algo necesariamente puertorriqueño, pero sí universal.

Como estos dos ejemplos hay muchos (incluyendo el corto Gabi, por la cineasta boricua Zoé Salicrup Junco, galardonada con varios premios y presentada en el Tribeca Film Festival 2012) que demuestran la capacidad artística existente en la isla para hacer buen cine. No es por caerle encima a Los condenados, pero apostar tanto dinero a un tipo de filme que Hollywood nos ofrece con frecuencia (pero esta vez filmado y localizado en Puerto Rico) es una movida de alto riesgo y poca recompensa. Poca recompensa porque al competir contra Hollywood con recursos limitados terminamos sin ofrecer lo suficiente para cautivar a un público más allá del puertorriqueño – y entonces terminamos con “Apoya lo de aquí”.

Para verdaderamente crear una cultura de cine en este país los cineastas, y la CPPR, tienen que darse cuenta de las limitaciones que tenemos en la isla y utilizarlas para su beneficio – aferrarse a ellas como algo positivo. Difícil tarea, sin duda, pero ya tenemos suficiente valor, sacrificio y voluntad; estamos preparados. Si vamos a pedirle al mundo que apoye al cine de aquí, debemos asegurarnos primero de que valga la pena para nosotros apoyarlo.

Foto: www.michaelgiacchinomusic.com

Por: Paolo Grassini

Al igual que sucede en otros medios artísticos, cada generación da paso a un nuevo grupo de compositores de música para el cine. Ya va un tiempo que los nombres más reconocidos en la industria de música de cine han sido John Williams, James Horner, Hans Zimmer, Danny Elfman, Alan Silvestri, Howard Shore y James Newton Howard, entre otros. Pero hoy día la cantidad de películas para las cuales trabajan estos compositores ha ido disminuyendo (entre los más activos aún se encuentran Elfman, Shore y Zimmer).

Los avances tecnológicos han tenido un impacto grande en la industria. La calidad de la música digital e instrumentos virtuales ha avanzado muchísimo durante los últimos años – pero como todo avance tecnológico, esto ha traído sus consecuencias positivas y negativas. Mientras que estos avances permiten que compositores tengan orquestas sinfónicas e instrumentos exóticos al alcance de un teclado y una computadora – dándole así la oportunidad a películas y compositores independientes que no tienen el presupuesto de Hollywood a aprovechar sus ventajas – por otro lado han contribuido a crear una noción falsa de que cualquiera podría hacer música para el cine.

http://www.youtube.com/watch?v=VYVfxDZ0Dfk

El arte de componer música es uno que se tiene que estudiar y desarrollar. Sin embargo, el acceso a la tecnología ha permitido que algunos compositores dejen de aprender técnicas de orquestación, instrumentos individuales e historia del arte. Lo mismo ha sucedido con otras destrezas cinematográficas – saber usar Final Draft no te hace un guionista y una cámara SLR no te enseña a ser director de fotografía. Esa falta de preparación es evidente cuando comparamos el estilo de los compositores de hoy día a los trabajos de compositores establecidos como Jerry Goldsmith, John Barry y John Williams, entre otros. Aunque no necesariamente signifique que la música de la nueva generación sea de menor calidad que la de estos, la diferencia está en que antes la mayoría de los compositores poseían la habilidad y la técnica, algo que ahora no se escucha hoy al mismo nivel que antes.

Dentro de todo este contexto sobresale el trabajo de Michael Giacchino, compositor que se desarrolló escuchando la música de John Williams, Jerry Goldsmith (y muchos más); influencias que se reflejan claramente en sus composiciones. Habiendo escuchado la música de Giacchino, uno fácilmente podría esperar encontrarse con un compositor de pelo blanco, batuta en mano – pero Michael no es si no totalmente lo opuesto.

Giacchio estudió música, pero su entrada a la industria de música de cine fue muy distinta a la de sus ídolos: los vídeos juegos. Giacchino comenzó con su trabajo para el vídeo juego Lost World, pero realmente se dio a conocer por su increíble trabajo para la franquicia de juegos de guerra Medal of Honor.

http://www.youtube.com/watch?v=f34U-D5ubeQ

Giacchino estaba en el lugar y el momento correcto. A diferencia del mundo de las películas, la calidad de la música compuesta para videojuegos ha ido aumentando a tal nivel que ahora se incorpora la orquesta sinfónica de igual manera en que lo hacen películas con el presupuesto de Hollywood. Este cambio va a la par con la complejidad y el enfoque en historia y personajes de algunos juegos de hoy día.

La razón principal por la cual Giacchino utiliza la orquesta sinfónica es por los músicos. Giacchino considera a cada integrante como un colaborador y está consciente del aporte creativo de los músicos, por eso graba con los mismos músicos en cada trabajo que hace. Esta apreciación por la técnica del músico es evidente en su primera película, The Incredibles. El uso de los vientos metales en la banda sonora demuestra a un compositor que claramente sabe cómo utilizar el instrumento. En The Incredibles, Giacchino logró una banda sonora que canaliza el estilo de la música del género de espía de las películas de la década de los ’60 y ’70.

http://www.youtube.com/watch?v=zA1XcaQI5eU

http://www.youtube.com/watch?v=k4au8cH3FHA

Mi elemento preferido dentro de la técnica de composición de Giacchino es que base su música en la reacción emocional hacia la película que esté trabajando, dándole a ésta una dimensión única y personal. Giacchino dice que su música refleja lo que él siente al ver la película. El compositor da el ejemplo de un personaje durante una batalla – en la que quizás la primera opción sería tener una música cuyo ritmo refleje la acción, pero opta por escoger lo que él está sintiendo, aunque sea esto tristeza por lo que están pasando los personajes en el momento. Un excelente ejemplo de esto ocurre durante el comienzo de Star Trek, en donde Giacchino aporta con su música un nuevo elemento a la historia de la película.

http://www.youtube.com/watch?v=ZxjI9CArS0Y

Otro buen ejemplo se puede escuchar en Up, que le ganó a Michael un Oscar por mejor banda sonora. En la famosa secuencia de Up que puso a llorar a todos los adultos en el cine, Giacchino hizo un excelente trabajo guiando a la audiencia a través de las emociones trasmitidas por cada una de las escenas.

http://www.youtube.com/watch?v=9yjAFMNkCDo

La técnica del leitmotif está muy presente también en el trabajo de Giacchino, a través de la cual se crea música que identifique a personajes, lugares o emociones particulares dentro de la historia. Quizás sea esta técnica la que atrae más comparaciones con el trabajo de John Williams. Giacchino ha dicho que una de las cosas que más le gustaba de la música de sus ídolos es que podía ver la película nuevamente con tan sólo escuchar su música, algo que el compositor también logra con su música. Y también al igual que John Williams colaboraba con Steven Spielberg, Giacchino ha creado la mayoría de su música con algunos colaboradores quienes también se han convertido en sus amistades y parte de su familia extendida. Entre estos se encuentran J.J Abrams (Lost, Alias, Star Tek, Super y algunos directores de Pixar como Brad Bird (Mission Impossible: Ghost Protocol, The Incredibles), Pete Docter (Up) y Andrew Stanton (John Carter).

No podemos terminar de hablar de Giacchino sin antes mencionar su trabajo para la serie de televisión LOST. El carácter cinematográfico de la música en esta serie quizás fue la mayor aportación para que LOST lograra esa calidad cinematográfica que tanto buscaba transmitir. Este trabajo elevó a Giacchino al estatus de uno de los compositores más cotizados en la industria.

http://www.youtube.com/watch?v=uiYXYUwUL40

Es evidente entonces que Giacchino ha absorbido algunas de las técnicas de composición implementadas por sus ídolos, pero lejos de ser un simple imitador de la música que admiró a temprana edad, ha sabido desarrollar su propia voz y estilo a lo largo de su variada carrera.

BANDAS SONORAS RECOMENDADAS:

• Super 8
• John Carter
• Let Me In
• Earth Days
• Lost
• Star Trek
• The Incredibles
• Up
• Mission Impossible: Ghost Protocol
.
PARA INFORMACIÓN ADICIONAL HAGA CLICK AQUÍ

.

Fue en el verano del 2010 que la joven cineasta puertorriqueña, Zoé Salicrup Junco, rodó en la isla el cortometraje que serviría como su tesis para el programa de cine de la Universidad de Nueva York (NYU). GABI narra la historia de una mujer de orígenes pueblerinos – ahora empresaria independiente, exitosa y vecina de San Juan – que tras recibir noticias de la muerte de su madre, se ve obligada a confrontar sus raíces, y en particular a una hermana que no logra comprender su estilo de vida.

El corto es uno de sesenta – de sobre 2,800 inscripciones – dentro de la selección oficial en competencia para la edición 2012 del Tribeca Film Festival, que se celebra actualmente en Nueva York. Es el único corto puertorriqueño en competencia. Además ganó recientemente el National Board of Review Grant y el King Screenwriting Award, el Wasserman Directing Award y el 2nd Film Prize en el First Run Film Festival de Nueva York. Estos últimos tres premios garantizan la exhibición de GABI en el teatro delDirector’s Guild of America en Los Ángeles. Todo esto encima de otros logros que lleva arrastrando el proyecto, entre ellos la selección oficial en el prestigioso Clermont-Ferrand Short Film Festival, en el programa Cine en los Barrios del Festival Internacional de Cine de Cartagena de las Indias (FICCI) y en el festival local Cine Ars, dónde recibió los premiso de Mejor Actriz (Dalia Davi) y Mejor Actriz de Reparto (Aris Mejías).

Nacida y criada en San Juan, Zoé ha participado en sobre quince cortometrajes como escritora, directora y productora – entre estos Forgive & Forget, Pickpockets – y ahora el exitoso GABI. Conversamos con ella sobre este último a continuación.

http://www.youtube.com/watch?v=iiYiWbMC12s

PRI: Zoé, primero que nada te felicito por tus logros – GABI sigue llegando lejos y más lejos… ¿Sentías que sería así mientras producías el corto o una vez finalizado?

Zoé Salicrup Junco: Empecé este proyecto sabiendo que tenía una buena historia que contar y un mensaje importante que llevar acabo. También sabía que contaba con un excelente equipo de trabajo y un elenco increíble.

Mientras grabamos el corto me iba dando cuenta que la escala de la producción, las actuaciones del elenco y el trabajo arduo del equipo de trabajo seguían aumentando la calidad del filme. Así que tengo que admitir que hubo momentos donde sí pensaba – “si seguimos como vamos, ¡esto va a quedar espectacular!” Pero luego habían otros momentos donde me encontraba atascada en alguno de los muchos obstáculos de producción y tenía mis dudas.

Siempre confié en todos los elementos de la película empezando por las actuaciones, la cinematografía, etc. Lo que no estaba segura era si el público entendería a mi personaje y en fin, le sentara bien su historia.

Siempre trato de mantener mis pies firmes en la tierra. Soy de las que cree que uno nunca puede estar 100% seguro de su trabajo. Si lo estás, entonces ya no es un reto. Para mí la meta siempre es proponer algo del cual estoy casi segura que puedo lograr y utilizar ese 10% de duda como un mecanismo de motivación para llegar a cumplir con el 100% o más.

PRI: ¿Qué representa para ti y para el cine puertorriqueño el haber llegado al Tribeca Film Festival con este corto?

ZSJ: Llegar a Tribeca es un sueño logrado. Siempre quise que GABI encontrara un hogar en este festival. Es un festival que admiro mucho. Está lleno de películas y artistas que me gustaría aprender de ellos y hasta trabajar con ellos si se me diera la oportunidad.

Más aún, Tribeca es ahora una puerta abierta que nos ha expuesto (o nos está exponiendo) a un mar de posibilidades fílmicas, no tanto para mí como cineasta pero si no también para mi cultura.

Para el cine puertorriqueño, Tribeca sirve como evidencia de que en Puerto Rico existe el talento, la dedicación y el compromiso hacia el arte de la cinematografía. Tenemos la capacidad de hacer trabajos con sustancia, trabajos únicos con voces genuinas, que no les hace falta imitar la formula Hollywood para llegar al éxito.

Tribeca es una señal de que la industria de cine indie en Puerto Rico tiene futuro y vale la pena apoyarla.

Imágenes suministradas

PRI: En GABI nos presentas una visión de la mujer que choca fuertemente con la actitud machista que aún permea en nuestra sociedad – una mujer en control de su vida, de su trabajo, de su sexualidad y al parecer de su propio destino. Incluso mencionas en tu página que quisiste nutrir al personaje de “muchísimos atributos normalmente considerados fuertes y masculinos”. A mí me hizo pensar en parte en el Don Draper de Mad Men. ¿Te ha sorprendido la reacción de la audiencia ante el personaje? ¿Qué opina la gente de GABI?

ZSJ: Nunca había comparado a la Gabi con Don Draper, pero creo que es una analogía muy interesante y digna de explorar. Puedo ver muchas similitudes, aunque ninguna fue escrita a propósito.

Trabajé el personaje de Gabi de una manera específica donde sólo le doy dos opciones a la audiencia: o estás con Gabi, o no estás con Gabi. Yo les llamo Team Gabi y Team Pati. Pati es la hermana de Gabi; ella es lo opuesto de Gabi. Mientras Gabi representa una generación nueva y moderna, Pati representa el convencionalismo latinoamericano.

Si entiendes a Gabi – sé que la verás como una mujer fuerte, independiente y digna de ser tal y como ella quiere ser. Si no entiendes a Gabi y te relacionas más con Pati – pues ya sé lo que viene por ahí… Gabi es una puta, o una suelta, una perdida sin calidad de vida, una inmadura, etc. Ambas opiniones son esperadas. Ambas reacciones son comunes y reales. Precisamente escribí el personaje de GABI en búsqueda de fomentar un tipo de diálogo de mujeres y para mujeres.

Decidí implementarle ciertas características “masculinas”, tales como la de ser una mujer de negocio nocturno y la de ser independiente en cuestión de finanzas, para establecer un dialogo más profundo. Soy la primera que admito que muchas de nosotras somos culpables de promover ciertos “double standards”. Por tanto, al crear un personaje como GABI con ciertas características normalmente vistas en hombres, abrí paso a la pregunta mágica: ¿le aceptas ese tipo de comportamiento a un hombre y no a una mujer? ¿Y por qué?

La única reacción que todavía no he recibido, y espero encontrar algún día, es que por lo menos una mujer de la audiencia (por más conservadora que pueda ser) me admita que han habido momentos en su vida donde ha deseado ser una GABI. Gabi es el tipo de mujer que muchas de nosotras vemos por la calle y aunque sea por un minuto, nos cuestionamos cómo serían nuestras vidas si fuésemos como ella… y por un momento deseamos estar en su posición. Sigo esperando esta reacción…

PRI: ¿Cuánto tiempo se extendió la producción de GABI? ¿Qué fue lo más retante durante la filmación y lo más que disfrutaste durante ésta?

ZSJ: Se rodó en aproximadamente 10 días. Lo más retante de este proyecto fue el clima. Grabamos en el mes junio de 2010. Ese verano llovió muchísimo, excepto por dos o tres semanas donde hubo un calor infernal. Nosotros grabamos durante esas semanas.

El otro reto fue el hecho de que mitad de mi equipo eran americanos que apenas hablaban español y la otra mitad eran boricuas. Nos tomó unos días para acoplarnos al “pasemisín” del lenguaje ya que por ejemplo – yo dirigía a mis actrices completamente en español pero me comunicaba con los técnicos en inglés. En fin, desarrollé un acento comiquísimo mientras hablaba inglés – algo como el de Ricky Ricardo (I Love Lucy) – “Lucy! I’m home!”

PRI: Las primarias Republicanas en los Estado Unidos se caracterizaron – entre muchas otras cosas – por la manera hostil en que la mayoría, si no todos, de los candidatos presidenciales se expresaron en cuanto a los derechos de la mujer. Esta polémica continúa ahora que Mitt Romney se ha perfilado como el oponente de Obama en las elecciones de noviembre 2012. ¿Qué crees que tendría que decir Gabi al respecto, digamos a modo de conversación social en su barra con alguno de sus empleados o un cliente? ¿Qué opinas tú al respecto?

ZSJ: La política no es mi especialidad y no es una temática que me place. No me gusta la politiquería y francamente ya ni me sorprende. Por tanto no le hago caso a comentarios tontos, especialmente a comentarios sobre las mujeres.

No soy el tipo de mujer que tan pronto escucho el comentario de Santorum o de cualquier otro me enrabio. Si me quieren evaluar como minoría sin derechos, no voy a responder como minoría sin derechos. Voy a responder con poder y autoridad, porque tengo el derecho de asumir poder y autoridad sobre mi persona como cualquier otro ciudadano.

Me sorprende que todavía existan personas que insisten en mantener vivos los prejuicios de género. Vivimos en unos tiempos donde el humano ha logrado muchísimos adelantos tecnológicos que jamás pudimos haber imaginado hacer 50 años, sin embargo ¿cómo es que no contamos con los mismos adelantos sociales? GABI es una de mis maneras de responder a comentarios sobre los derechos de la mujer. Yo como mujer soy digna de TODOS los derechos que le corresponden al hombre. No pelearé por estos derechos. Ya yo de por sí asumo y vivo mi vida con estos derechos.

Gabi tiene treinta y pico de años, no está casada, y no tiene hijos. Más aún, Gabi es una mujer activa sexualmente. Por tanto cuando haces la matemática, no cabe la menor duda que Gabi es una mujer moderna que usa pastillas anticonceptivas, por ejemplo. Gabi tal vez respondería a esta pregunta con un poco más de atrevimiento. Esta personaje tiene una chispa y una habilidad de expresar sus opiniones de tal manera que no ofende, sólo sorprende. Su exotismo y erotismo te conquistan de tal manera que ni te das cuenta que quizá difieres de opinión. Ella es una mujer de negocios. Ella tiene republicanos, demócratas, homosexuales, heterosexuales, transexuales como clientes y no los mide por sus creencias. Como diría Gabi: “Al final del día todos son iguales con un par de tragos encima”.

Seguramente Gabi sería capaz de compartir con alguna amiga o cliente cercano un comentario chistoso acerca de Santorum o Romney: “Ese el primer tonto que me pagaría a mí las pastillas y el aborto. Es chiste”.

PRI: Cuéntanos sobre tus otros trabajos. ¿Tienes algún otro corto ya en mente? ¿Aspiras a un largometraje?

ZSJ: GABI es el primer acto de mi largometraje. El largo explora una temática más expandida pero Gabi sigue siendo nuestra protagonista.

Estoy desarrollando dos cortos que me gustaría grabar pronto. Uno de los cortos es algo que nunca he hecho. Es muy masculino y tiene mucha acción. Aunque es territorio desconocido, me emociona el reto. Este fue inspirado por la constante ola de malas noticias relacionadas a la criminalidad en Puerto Rico. El otro corto es sobre una mujer, su hijo menor, y el eterno debate acerca de la sexualidad.

PRI: Todo el que haya pasado por el proceso de solicitudes para festivales de cine, sabrá que puede tomar hasta más tiempo que la misma filmación… ¿Por qué es importante pasar por el proceso y qué le sacas a este tipo de reconocimiento? ¿Sientes que ha agilizado tu carrera profesional? 

ZSJ: Los festivales de cine son importantes especialmente si eres un cineasta independiente que no cuenta con el apoyo de un estudio de Hollywood. Estos festivales te ayudan a promover tu película. Atraen prensa y compradores.

Para una persona como yo, que estoy en mis primeras etapas de mi carrera, los festivales también te dan un reconocimiento oficial que otros colaboradores respetan en cantidad. Los festivales adoptan tu película y te conviertes en parte de su entidad o se su “familia” como suelen llamarle. Además, es tremendo lugar para conocer y aprender de otros como tú, ver películas que sirvan de inspiración y hasta en ciertos festivales puedes ganar ayuda financiera para tus otras películas.

En fin, los festivales de cine son esenciales para los cineastas. Es el vehículo que utilizas para exponer tu trabajo de forma profesional.

PRI: Por último – y ahora que andas exhibiendo a GABI en el Tribeca – quería preguntarte por curiosidad: ¿Cuál es tu película favorita de De Niro y por qué?

ZSJ: No puedo negar que el trabajo de De Niro en Raging Bull (1980) y Taxi Driver (1976) tienen que formar parte de esta contestación. Pero creo que mi película favorita de este actor es una que salió recientemente: Being Flynn (2012).

Las nuevas generaciones conocen a De Niro por tus roles sumamente masculinos y mafiosos. También lo conocemos muy bien por su papel en Meet the Parents (2000) – que en mi opinión demuestra la habilidad que tiene este actor de poder desdoblarse para cualquier papel.

Pero en Being Flynn me re-enamoré de su trabajo. Me recordó mucho a sus papeles en Raging Bull y Taxi Driver – papeles diferentes y conmovedores sobre personajes marginados. En Being Flynn el papel de De Niro recoge un poco de su esencia masculina, pero también enseña un lado más delicado y sutil de De Niro. Lo mejor de su rol está en los pequeños detalles que el actor utiliza para formar el personaje; este no recurre en su rol usualmente intimidante o cómico para fortalecer al personaje. Su actuación es genuina y refrescante.

PRI: Gracias por compartir de tu tiempo con nosotros y te deseamos mucho éxito en el Tribeca – y de ahí en adelante.

Para más información y noticias de Zoé Salicrup Junco y su cortometraje GABI visita la página oficial del proyecto.

GABI hizo su debut norteamericano el domingo 22 de abril en el Tribeca Film Festival en Nueva York. Se exhibirá nuevamente durante el festival el próximo viernes 27, sábado 28 y domingo 29 de abril. MÁS DETALLES.

Jeff, Who Lives at Home es una película que probablemente hayan visto antes. Es de estas cintas cuasi-existencialistas, de slackers buscando una dirección, un enfoque o un rumbo para sus vidas, y las dificultades que esto conlleva. Por lo general son comedias con personajes excéntricos, asuntos entre familiares, quizás alguna escena de fumar pasto… Exploran la conectividad entre el universo, las personas y sus acciones; indagan sobre el destino y el karma. Este tipo de película suele entrener, o por lo menos logra engranar con la audiencia. Proyectamos nuestras experiencias de vida hacia los personajes y sentimos sus frustraciones. Al fin y al cabo (casi) todos hemos pasado por momentos como esos.

La más reciente cinta de los hermanos Jay y Mark Duplass (Cyrus, The Puffy Chair) ejemplifica todo lo antes mencionado. En esta ocasión el slacker es Jeff (Jason Segel) quien vive en el sótano de la casa de su madre: sin trabajo, sin ambición, con bonga en mano y obsesionado en encontrarle un significado a la vida utilizando la película Signs de M. Night Shyamalan como guía. Al recibir una llamada equivocada (?) de un sujeto preguntando por un tal Kevin, Jeff decide interpretarla como una señal del universo instigándolo a la acción.

http://www.youtube.com/watch?v=kctOpTQtyUg

Su madre Sharon (Susan Sarandon) siente una doble frustración: por la falta de sentido que ve en su hijo y por las oportunidades de felicidad que ella ha desaprovechado en su vida. Añadimos a esta ecuación otro hermano, Pat (Ed Helms), quien al momento enfrenta problemas matrimoniales con Linda (Judy Greer) y tenemos un conjunto de hilos narrativos que, inevitablemente, se encontrarán al final.

Segel sobresale en su papel de stoner desajustado, su ingenuidad y fe en que esta haciendo lo correcto lo convierten en un tipo simpático. A Helms, en menor escala, le cae bien el rol de marido ofuscado, convencido que vive la vida mejor que Jeff porque tiene trabajo y carro, sin darse cuenta que está perdiendo su matrimonio. Si parezco poco entusiasmado con la película, no es por el aspecto cómico. La comedia funciona.

Mi problema con el filme – y no lo llamaría problema porque de igual manera la pude disfrutar – es que trabaja temas que ya encuentro trillados en comedias independientes estrafalarias. No logran enseñarme nada nuevo: un personaje en búsqueda de algo desconocido, se enfrenta a adversidades, y luego todo se resuelve en un momento trascendental que cambia a todos a su alrededor. No me malinterpreten, los Duplass logran su cometido, lo hacen bien y de manera divertida. Pero ésta no logra destacarse de todas las películas similares (Greenberg, I Heart Huckabees, Laurel Canyon, Adventureland, para dar algunos ejemplos).

Jeff, Who Lives at Home vale la pena verse, no dudo que vaya a encontrar muchos adeptos. Tiene personajes con quienes uno se identifica y momentos graciosos, y a veces eso es suficiente. Además, sale Rae Dawn Chong – yo creo que no la veía desde Commando. Donde la cinta se queda corta es en su aspecto dramático. Intenta trabajar temas más serios pero fracasa en elevarlos al nivel que ameritan. De haber sido estrictamente una comedia, no habrían problemas. Pero la cinta se queda estancada en un entremedio de comedia y drama que le resta calidad a ambas facetas. En vez de una cinta excepcional, tenemos 83 minutos de cine ameno, lo cual no es algo malo. Simplemente un poco decepcionante.

.

Jason, Who Hangs Out with The Muppets

Jeff, Who Lives at Home | 83 min | Comedia, Misterio, Suspenso
Director: Jay y Mark Duplass | Jason Segel, Ed Helms y Susan Sarandon
Exhibiéndose ya en Fine Arts Café Popular Center y Miramar.

• Véanla • Para reírse un rato; si buscas un filme ameno y corto; y si eres fan de Jason Segel.

• Evítela • Si quieres un comedia más escandalosa o si conoces a Ed Helms sólo por su trabajo en The Hangover; si buscan una cinta más trascendental.

El Festival de Cine Europeo HECHO EN EUROPA, presentado por La Alianza Francesa de Puerto Rico, se prepara para atraer al público cinéfilo puertorriqueño a su tercera edición. El objetivo es el mismo: proyectar por primera vez en la Isla una selección curada de lo mejor del cine europeo – sobre 30 películas a proyectarse en las salas de Fine Arts en Miramar (San Juan, PR) del 21 al 28 de marzo. La edición 2012 trabajará parte de su selección dentro del tema: “Europa: Tierra de diversidad / Inmigración y convivencia”. Además contará con proyecciones gratuitas en distintas universidades del país a celebrarse del 12 al 20 de marzo como preámbulo al festival.

Los organizadores de HECHO EN EUROPA además desean “crear más enlaces entre Europa y Puerto Rico, valorizando la creación cinematográfica local”, por lo que estarán proyectando un corto-metraje boricua antes de cada largo-metraje europeo. Nuestro documental corto, Salud y solidaridad sobre “Las rutas nocturnas” de Iniciativa Comunitaria se estará proyectando dos veces durante el Festival: el domingo 25 de marzo a las 7:00pm junto a la película Pina y el miércoles 28 de marzo a las 7:30pm junto a la película Declaración de guerra.

Las taquillas estarán a la venta desde el 14 de marzo (mañana) por CaribbeanCinemas.com, HechoEnEuropa.org y en el cine. También habrán pases disponibles en la Alianza y en el cine de 4 películas por $20.

A continuación más detalles sobre el Festival de Cine Europeo HECHO EN EUROPA y su cartelera completa.

Peliculas en competencia:

Benito Zambrano, La Voz Dormida – 2011 – España
Valérie Donzelli, La guerre est déclarée – 2011 – Francia
Aki Kaurismäki, Le Havre – 2011 – Finlandia
Bouli Lanners, GIANTS – 2011 – Belgica
Win Wenders, PINA – 2011 – Alemania
Aureliano Amadei, 20 sigarettes – 2010 – Italia
Radim Spacek – Walking Too Fast – 2010 – Republica Checa
Fernando Trueba, Tono Errando, Javier Mariscal, Chico & Rita – 2010 – España

Visita HechoEnEuropa.org para demás películas en exhibición.

Como toda buena película, We Need To Talk About Kevin se puede interpretar de varias maneras. Podemos verla como una reflexión acerca del argumento de qué define cómo nos comportamos: la genética o el entorno. Pudiéramos verla como un ensayo cinematográfico sobre el sentimiento de culpabilidad que el ser humano carga a diario, por la razón que fuera. O la podemos ver simplemente como una obra intensa, llena de imagenes memorables y con actuaciones extraordinarias. En esencia, sin embargo, es un filme aterrador que, paradójicamente, tiene como tema central el amor incondicional.

La película – dirigida por Lynne Ramsay y basada en la novela de Lionel Shriver – nos demuestra la evolución del personaje titular desde recién nacido hasta la adolescencia, a través de la perspectiva de su madre, Eva Khatchadourian (Tilda Swinton). Eva es una viajera profesional, experimentando plenamente cada ciudad que visita. En uno de sus viajes conoce a Franklin (John C. Reilly) y de esa unión (o desliz) sale Kevin. Ramsay utiliza una estructura narrativa no lineal que, a la vez que nos enseña el crecimiento de Kevin, también nos revela el desenlace de ese desarrollo y las repercusiones para él y su madre.

http://www.youtube.com/watch?v=bV7Y5cylhNc

Desde el comienzo Eva demuestra un desapego hacia el niño, lo que impulsa una guerra de voluntades encontradas entre él y la madre y crea el contexto para el desarrollo de las… idiosincracias del muchacho. Los enfrentamientos entre ambos sobresalen debido a las interpretaciones de los actores. Swinton añade otra excepcional actuación a su resumé, demostrando una circunspección inimaginable para ciertas ocasiones. La dinámica entre ella y su hijo (protagonizado estelarmente por tres actores de diferentes edades) siempre arrastra un presentimiento de peligro, una tensión palpable en cada escena, ya sea por la terquedad del Kevin niño (Jasper Newell) o el sarcasmo y la petulancia del Kevin adolescente (Ezra Miller).

Me consterna no poder escribir cosas buenas sobre la actuación de John C. Reilly pero lo cierto es que su personaje (aunque no necesariamente su interpretación) no provee mucho excepto ser un esposo bueno en la superficie, aunque errado y voluntariamente ciego a lo que sucedía a su alrededor. Al igual que la madre y el hijo, no es un personaje agradable. Esta falta de simpatía puede ser problemática para el espectador.

Lo que sí se puede apreciar es la atmósfera, pesada y fértil, creada por Ramsay. Entre la fotografía y las secuencias de cámara, los motifs repetidos y el uso de música (con un banda sonora por Jonny Greenwood), no cabe duda que estamos viendo una película de terror. Mas sin embargo todo ese tono es delicado, no se le impone a la audiencia. No hay (casi) sangre pero hay una explosión de rojos durante toda la película. Una escena en particular, la de Halloween, es el ejemplo perfecto de crear un estado de incomodidad y estrés agudo sin recurrir a enseñar nada gráfico o morboso.

Ese manejo de tensiones, de tratar un tema un tanto incomprensible (la madre que parece no querer a su hijo) le da un toque casi sobrenatural a la película. Es posible que uno salga de la cinta queriendo investigar las opciones de esterilización disponibles, y no es por menos. Pero el hecho que el filme haga preguntas difíciles y trate temas tabúes la hace digna de ser vista.

.

We also need to talk about this Kevin... (Bacon en Footloose)

We Need To Talk About Kevin | 112 min | Drama, Suspenso
Director: Lynne Ramsay | Tilda Swinton, John C. Reilly y Ezra Miller
Exhibiéndose desde el 8 de marzo en Fine Arts Café de Puerto Rico.

• Véanla • si estás deseoso de disfrutarte un buen “thriller” tenso y sin elementos de fantasía – éste es tu filme; si aprecias la buena dirección y actuaciones sólidas.

• Evítala • si estás buscando entretenerte con algo ligero y llevadero – y por otro lado, si buscas una cinta de horror más convencional; y será muy importante considerar otras opciones en el cine si estás a punto de parir o recién tuviste un hijo.

Durante los pasados años, Chicago – la ciudad de los rascacielos y de Wilco – ha sufrido uno de los periodos más violentos en su historia. Gangas de jóvenes dedican su tiempo libre a repartir palizas a granel (y peor) entre sus rivales. La historia de Chicago no es ajena al problema de las gangas de distintas composiciones, etnicidades y motivos. ¿Cómo olvidar a los Black Panthers o a los Latin Kings? Y a la misma vez que se cocinaba el blues en las noches frías de Chicago, el postre lo servía Al Capone con sus famosas fechorías.

Las rivalidades entre gangas siempre han sido un blanco favorito de los medios locales – y es que esa realidad de Chicago no está lejos de la nuestra. La Ponce High School aguantaba una matrícula de casi 1,500 estudiantes cuando cursaba en ella y era evidente que adentro de la escuela se dividía el estudiantado por factores como el lugar de procedencia, clase social o estilos. Recuerdo vivamente el día en que a momentos de tomar un examen de pre-cálculo – sí, era de los “nerdos” de la clase – un grupo de muchachos entró a la escuela para apuñalar a un estudiante, dejándolo en el piso desangrándose antes de irse a la fuga. Una más de las historias que se viven en las escuelas públicas de nuestro país. Aquí se abre paso al tema que quiero discutir.

http://www.youtube.com/watch?v=wS5Hjhy1RhM

The Interrupters, dirigido por Steve James (Hoop Dreams), fue sin duda uno de mis documentales favoritos del año pasado. El mismo relata la situación que aflige a la ciudad de Chicago – toda esa la violencia que se vive en sus calles. Un grupo preocupado por la situación llamado CeaseFire trata de mediar la situación de la manera más audaz posible, utilizando un modelo salubrista para parar las balanceras y los asesinatos.

Ahora, expliquemos lo que es un “interrupter”. Un “interrupter” es una persona que es capaz de identificar cuando un evento violento se aproxima entre dos personas. Muchas de estas personas cuentan con amplia experiencia en la calle, y por ende, han logrado prevenir que ocurran eventos violentos en sus comunidades – pero sus intervenciones no siempre terminan bien. Ameena Matthews es presentada en el documental como una de estos “interrupters”.

Ameena es una mujer criada en la sombra de uno de los grandes líderes de gangas en Chicago, quien decide tomar las riendas de denunciar la alta violencia en dicha ciudad. Unas de las escenas más impactantes y cruciales del documental se da cuando Ameena confronta a varios jóvenes sobre la violencia y el efecto que tienen en sus alrededores. La manera en que maneja la situación refleja un carácter fuerte, pero lleno de amor y sabiduríal; Ameena es mucho más que una madre que sufre, aunque es evidente lo mucho que sufrió gracias a su papá. A ella se unen dos más “interrupters”, Cobe Williams y el latino Eddie Bocanegra.

http://www.youtube.com/watch?v=uVzHX8qsrqE

Steve James, un maestro del medio, no escatima con el documental. El contenido es sumamente explosivo y refrescante, al igual que su trabajo de edición. The Interrupters presenta momentos poderosos, como cuando un joven va personalmente a pedirle perdón a la madre de la persona a quien él le quitó la vida – momentos que se quedan con uno. Lamentablemente, la Academia del Cine decidió ser predecible una vez más y nominar a otro documental sobre la guerra en el Medio Oriente para la categoría de Mejor Documental – espacio que podía haberse cedido a un documental innovador que explora la problemática de la violencia según se vive dentro de los Estados Unidos.

De igual forma, el documental resume lo que sucede en nuestro país, tal y como lo hizo indirectamente la aclamada serie “The Wire” de HBO, basada en la problemática de Baltimore. Lo que me llevó a preguntar: ¿Existen grupos cómo CeaseFire en Puerto Rico? Sí, pero la mayoría están dirigidos a sectores poblacionales como mujeres y niños. El problema que pone en relieve The Interrupters es la importancia de llevar a aquel individuo propenso a la violencia a un estado donde es capaz de atenuar, manejar y resolver una situación explosiva por su cuenta. El núcleo familiar es un factor importante en este proceso; lo que pasa dentro del hogar es un reflejo de lo que se verá en las calles. Igualmente es entendible la realidad de que cada cual busca como sobrevivir a diario – entiéndase por esto el trabajo y la búsqueda “del pan de cada día” – pero el crear un ambiente agradable en la calle es responsabilidad de todos.

Foto: www.alexandredesplat.net

Por: Paolo Grassini

Este artículo estrenará la nueva columna en Puerto Rico Indie titulada Banda Sonora. Una vez al mes, nos dedicaremos a explorar temas del arte de componer música para cine. Antes de comenzar con el tema del artículo, me parece buena idea decirles qué pueden esperar de la columna.

Siempre he sido amante de la música, específicamente de melodías. No del género, no del artista, sino de buenas composiciones con ritmos y melodías interesantes. Mi herramienta principal para descubrir la música ha sido el arte cinematográfico. Es erróneo pensar que la música de películas es música clásica. La orquesta sinfónica es simplemente un instrumento que el compositor decide usar. Que al principio del cine era el primordial, seguramente. Pero como todas las artes, esta ha evolucionado. Por ejemplo, este año artistas como The Chemical Brothers, Jonsi, Trent Reznor, Atticus Ross y Johnny Greenwood (Radiohead) han compuesto música original para el cine. Los fanáticos del repertorio de música popular de estos artistas deben escuchar estos trabajos. Si no, se están perdiendo un paso de su evolución y de su aspecto creativo.

Otro ángulo importante a considerar dentro del mundo de la música de películas es que a veces contamos con directores muy talentosos, que por ser también amantes de la música, utilizan distintos géneros para sus proyectos. De esa forma, Martin Scorsese podría ser una buena herramienta para descubrir música popular americana. Terrence Malick podría llevarnos a descubrir música clásica. Un buen ejemplo reciente es el de la película Drive de este año, que mezcló para su banda sonora canciones de géneros populares y artistas independientes, junto a las composiciones originales de Cliff Martinez, para crear un ambiente estilizado memorable – y fue todo un éxito.

Básicamente se puede decir que la banda sonora en el cine es un mealting pot para la música. En esta columna comentaremos lo que está sucediendo en ese melting pot y espero que la misma funcione a su favor para que consideren, conozcan y disfruten de la música en sus próximas experiencias cinematográficas.

http://www.youtube.com/watch?v=-DSVDcw6iW8

Comenzaremos hablando del compositor Alexandre Desplat, quien es una excelente combinación de talento, pasión y disciplina. Esta fórmula lo llevó a tener uno de los mejores años que un compositor de bandas sonoras ha tenido recientemente. En el 2011 hubo ocho películas que contenían música original de Desplat. Entre estas están: Extremely Loud & Incredibly Close, The Tree of Life, Harry Potter and The Deadly Hallows Part II, The Ides of March, A Better Life, Carnage y My Week with Marilyn (tema principal). Esta cantidad de trabajo es impresionante si consideramos que componer para tres o cuatro películas en un año hoy día de por sí es algo extraordinario. Pero lo que realmente impresiona es la calidad que mantiene Desplat en cada proyecto. Como resultado obtuvo el premio 2011 World Sountrack Composer of the Year por tercer año consecutivo.

En mi opinión, su rasgo más sobresaliente proviene de la diversidad de películas que ha hecho. Tenemos por un lado a Harry Potter, la película que más dinero hizo en el 2011; una película independiente como A Better Life; un trabajo totalmente artístico e innovador como The Tree of Life; la trama de suspenso y película en The Ides of March y la comedia teatral de Carnage (en las cuales continúa su colaboración artística con George Clooney y Roman Polanski respectivamente). La razón principal por la cual Desplat puede componer para tantas películas – cada una tan distinta a la otra – en un año es la pasión que siente por este arte. ¿Cómo decirle “no” a un proyecto cuando cada uno representa una nueva oportunidad única para él?

Desplat ha expresado que las razones por la cuales decide trabajar en una película varían y van desde el director a la historia, los personajes o algunas veces el elenco propio de la película. Él explica que cada proyecto puede representarle un promedio de 18 horas al día de trabajo en un mes – para ver y relacionarse con los actores y así adentrarse en la trama. Tienen que ser actores y personajes que le gusten. En el caso de la película Extremely Loud & Incredibly Close fue el director. Con siete bandas sonoras en lo que llevaba del año, Desplat decidió hacer la música para esta película sabiendo que solamente tenía tres semanas para escribir más de una hora de música y grabarla. Él entró tarde en el proyecto reemplazando a otro compositor, una de las tareas más difíciles en la industria. Desplat mencionó que la única razón por la cual pudo hacerlo fue por la oportunidad de trabajar con el director Stephen Daldry y por lo mucho que le impactó la historia de la película.

Esta pasión por la composición se fue desarrollando desde temprana edad – cuando niño su pasatiempo favorito era el ver películas. Desplat se convirtió en uno de los compositores de cine francés más exitosos antes de llegarle su gran oportunidad en Hollywood con la película The Girl with a Pearl Earing. Desplat logró capturar la magia y atmósfera del filme con un estilo impresionante y único. La mejor forma de explicarlo es escuchando la pista de su trabajo para esta película.

http://www.youtube.com/watch?v=KqWMlb-czs0

Desplat explica que para él es muy importante la primera música que uno escucha durante la película. Ésta tiene la difícil tarea de colocarnos en tiempo y espacio para crear la atmósfera del mundo en el que vamos a entrar. En este detalle, Desplat es un maestro. Aquí tienen unos ejemplos de su efectividad (y unos de mis preferidos):

http://www.youtube.com/watch?v=O83JcoK6QRU

http://www.youtube.com/watch?v=saVOMv5DenQ

Otro aspecto difícil que a Desplat le llama la atención al momento de componer, es la entrada y la salida de la música. Desplat explica que a él le gusta que la música vaya preparando a la audiencia emocionalmente para lo que la película va a presentar. También indica que es importante jugar con las intensidades de la música – si la música es siempre intensa después es difícil acentuar esos momentos cuando la película visualmente también está intensa, pero si la intensidad ocurre espontáneamente por los dos medios, entonces es mucho más efectivo. Uno de mis ejemplos preferidos en el que Desplat ejecuta esta técnica es una escena de la película The Curious Case of Benjamin Button.

http://www.youtube.com/watch?v=o8OJrJjHFJo

Para su trabajo en The Curious Case of Benjamin Button, Desplat explica que compuso melodías que pudieran funcionar en reversa, paralelo a la vida del personaje principal. En esta pista pueden escuchar como las melodías presentadas en el tiempo 0:51 a 1:05 son las mismas que la de 1:06 a 1:20, pero la segunda vez esta en reversa.

http://www.youtube.com/watch?v=UfI6vDZcVH4

El talento de Desplat es increíble, pero igualmente lo es su disciplina. El compositor describe su vida cotidiana como si fuera la de un monje. Trabaja un promedio de 18 horas diarias y siempre está aislado en su estudio/cueva solo, trabajando en un nuevo proyecto. Es una rutina bastante sacrificada que según el propio compositor encaja con su personalidad, además que le permite hacer muchos trabajos en un año – siempre y cuando no tenga que trabajar dos películas a la vez. Él se entrega a la película del momento y una vez termina su composición, se retira completamente del proyecto – incluso admite que aunque es un fanático de las bandas sonoras y las colecciona, nunca ha escuchado su música luego de terminar de componerla.

Un trabajo que definitivamente no cayó en su rutina fue la colaboración con el director Terrence Malick para la película The Tree of Life. Trabajó el proyecto de una forma poco convencional ya que nunca vio la película antes de componer su música. Durante un proceso – que tomó alrededor de tres años – las herramientas que tuvo para componer la música fueron largas conversaciones con el director sobre varios temas filosóficos de la película y la vida en general. Desplat explica que Malick básicamente le dio completa libertad para que compusiera lo que reflejara su interpretación sobre los temas de la película. Después de componer toda la música, se la entregó a Malick para que éste la utilizara como entendiera necesario en la película. El resultado final es una banda sonora que logra existir fuera del universo de The Tree of Life y sirve como medio para reflexionar sobre temas similares a los que presenta la película.

http://www.youtube.com/watch?v=3S4aUaipG7g

Otro reto grande en el año para Desplat fue trabajar en Harry Potter and the Deadly Hollows Part II. Los retos dentro de este proyecto fueron dos: las expectativas de finalizar una de las franquicias más exitosas de todo los tiempos y la cantidad de música que tuvo que componer. Desplat no decepcionó, aún con la presión de trabajar una franquicia cuya identidad musical fue creada por John Williams, uno de sus ídolos. Desplat logró encontrar momentos en los cuales pudo establecer su propia marca musical como este:

http://www.youtube.com/watch?v=KxJLfJHBIsU

Otro de sus momentos favoritos dentro del proyecto fue a favor del tema de la madre de Harry Potter, Lily, en el cual trabajó con la vocalista Mia Fujisawa.

http://www.youtube.com/watch?v=uI_9kZ2qZNE

Y por último, resaltamos el trabajo de Desplat en The Ides of March, en la cual colaboró nuevamente con el actor/director George Clooney. Anteriormente había trabajado con el popular actor en Syriana, uno de los trabajos más aclamados de Desplat. Desplat describe a Clooney como el perfecto director con quien colaborar – siempre sabe lo que quiere y cuenta con una influencia musical muy fuerte. Desplat dice que su función principal es servirle al director, ayudar al director para mejorar la película: “Quien esté en desacuerdo con eso, entonces debe componer música para concierto, donde el compositor es quien manda”.

En el caso de The Ides of March, Desplat tuvo el reto de componer música para el género político. Aunque no lo crean, la música para películas de tema político tienen su estilo y clichés que si uno no los maneja bien, pueden resultar en un trabajo sin personalidad y aburrido. Desplat explica que aunque es difícil, un compositor de bandas sonoras también tiene que encontrar y establecer su voz. Para el compositor, aunque la función principal de la música es servirle a la película, igualmente tiene que tener la habilidad de existir fuera de la película. En The Ides of March, Desplat utiliza ciertas características del political thriller, mas aún logra crear un trabajo único que se siente de él a la vez que sirve a los personajes y trama de la película.

http://www.youtube.com/watch?v=SSSWp_iIALA

El futuro para Alexandre Desplat es muy prometedor. La pasión que siente por el arte de su profesión, y la disciplina y compromiso que mantiene ante la misma, le han permitido trabajar con frecuencia en proyectos de distintas índoles. De igual manera, ha ganado el respeto y la confianza de directores que lo retan, pero con su talento ha sabido responder exitosamente. El prolífico Desplat es un compositor quien amerita estemos pendientes a su trabajo. A este ritmo, seguramente logrará convertirse en uno de los compositores de música del arte cinematográfico más destacados.

REFERENCIAS:

• DP/30: Composer Alexandre Desplat 2012 – VER VÍDEO
• Alexandre Desplat adroitly finds the proper musical key – LA TIMES
• The ubiquitous Alexandre Desplat on living his dream – HIT FIX
• Interview: Composer Alexandre Desplat – BELIEFNET
• Interview: Alexandre Desplat – FILM SCHOOL REJECTS
• Alexandre Desplat Talks TWILIGHT & More – BROADWAY WORLD
• Alexandre Desplat Is Music To Oscar’s Ears Again – DEADLINE
• Interview: Alexandre Desplat – MUSIQUE DE FILM
• Alexandre Desplat: The Ides of March – ONE MOVIE FIVE REVIEWS
• Alexandre Desplat: Creating Color For Harry Potter – NPR

Fuera de considerarse un asunto serio, la adicción sexual es por lo general convertida en chiste por quienes no la entienden. Shame – segundo largometraje del director británico Steve McQueen – intenta mostrarnos la otra cara de la burla: la desesperación, la enajenación y, por supuesto, la vergüenza.

Michael Fassbender protagoniza a Brandon Sullivan, un treintón soltero, apuesto y con un trabajo que le permite darse la buena vida en Manhattan. Esa buena vida incluye abandonarse sin restricción en todo tipo de desenfreno sexual que le plazca. La repentina visita de su hermana Sissy (Carey Mulligan) lo trae cambios a su rutina establecida, lo que causa fricción entre ellos. De ahí, vemos como se va deshaciendo ese mundo paralelo en el cual vive Brandon, obligándolo a enfrentar ciertas verdades que había preferido ignorar.

http://www.youtube.com/watch?v=24cjqfVv1fs

Fassbender hace un trabajo excepcional en su rol como adicto. La fortaleza que le demuestra al mundo – a las mujeres en particular – esconde una ansiedad e incomodidad con él mismo. Fassbender alterna entre casanova y niño consentido de un momento a otro, mas sus explosiones de violencia cuando no puede tolerar ciertas situaciones son alarmantes y estremecedoras. La incapacidad de Brandon en mostrar cariño o ternura ponen de relieve su caracter patético, consecuencia trágica de su enfermedad. Fassbender seguramente merecía más atención de la organizaciones que otorgan premios. Así de buena y difícil es su intepretación de Brandon.

Carey Mulligan, en su segundo rol impresionante del 2011, hace muy buena labor como la hermana desquiciada. La interacción entre ambos es muy natural, verdaderamente fraternal, y de las pocas veces que vemos ablandar al caparazón de Brandon.

Por su lado, Steve McQueen dirige de una forma sombría un asunto tan serio como la adicción. Ninguna de las (muchas) escenas sexuales es estimulante – se tratan como curas para la enfermedad del personaje, sin valor redimible fuera de la gratificación instantánea y efímera.

La película es visualmente impresionante también. Contrastan muy bien las noches frías de la ciudad y del subway, con la atmósfera estéril de la oficina y del apartamento de Brandon, que nos recuerda un poco al de Patrick Bateman de American Psycho (de hecho, hay varios paralelos evidentes entre ambos personajes).

Las deficiencias que tiene la cinta se pueden encontrar en el guión, también escrito por McQueen en colaboración con Abi Morgan. Con tanta profundidad que Fassbender y Mulligan le brindan a sus personajes, la verdad es que nunca nos enteramos de por qué son así. Sabemos que no tuvieron la mejor crianza del mundo, pero ese pasado no se nos explica y nos deja con dos personajes difíciles de entender o aceptar. Sería fácil no sentir nada por ellos, pero atestigua al talento de los actores que elevan los personajes a un nivel donde podemos identificarnos con ellos aunque sea un poco.

El filme es a veces arduo y costoso de ver, tiene muchas situaciones incómodas para el personaje que se proyectan hacia la audiencia. Es evidente porqué se le aplicó el sello de NC-17. No es una cinta para todo el mundo pero vale la pena verla, aunque sea una vez, por las actuaciones de primera y por la perspectiva que nos da sobre algo que pocos entendemos.

.

No Shame: Fassbender como Magneto en X-Men: First Class (2011)

Shame | 101 min | Drama
Director: Steve McQueen | Michael Fassbender, Carey Mulligan y James Badge Dale
Exhibiéndose desde el 9 de febrero en Fine Arts Café Popular Center.

• Véanla • para presenciar un drama poderoso sobre la adicción; por la gran actuación de Michael Fassbender.

• Evítela • si le ofenden ls escenas sexuales gráficas; si prefiere evadir temas “fuertes” y prefiere divertirse en su salida al cine.

Carnage, adaptada a la pantalla grande por el polémico director Roman Polanski de la obra teatral escrita por la artista francesa Yasmina Reza, es un filme sostenido por dos elementos: un guión estructurado y con propósito que retrata bien las idiosincrasias de la clase media/media alta educada (en este caso en NYC), y unas interpretaciones llevadas a su máximo potencial histriónico por cuatro grandes actores.

Todo comienza con una pelea entre dos niños en un parque. Penelope y Michael Longstreet (Jodie Foster y John C. Reilly), los padres de la víctima, reciben la visita de los padres del agresor, Nancy y Alan Cowan (Kate Winslet y Cristoph Waltz) para mediar en el asunto en una manera civilizada, pero su esfuerzo no dura mucho. La amabilidad y cortesía de la reunion va desvaneciendo poco a poco cuando comienzan las llamadas de negocio que recibe Alan. Además de ser un estorbo que continúa sin cesar, éstas ayudan a precipitar desviaciones del asunto principal: resolver la situación entre los hijos de ambas parejas.

http://www.youtube.com/watch?v=ZPX6-4Bo7XU

Comienza un toma y dame entre las partes que es impresionante. El antagonismo entre las parejas continúa en crescendo hasta degenerar en un free-for-all [¿un "sálvese quien pueda"? -ed] donde se pierde todo sentido de propiedad. A la vez, esto desencadena conflictos dentro de los propios matrimonios y surgen otros argumentos sobre la naturaleza del individuo, la vida y los errores cometidos. El libreto maneja todo esto genialmente, desenmascarando a los personajes en momentos claves y creando situaciones para alargar el combate sin parecer forzadas. 80 minutos de filme basado solamente en diálogo es un logro por parte de Reza, quien adapto su propia obra de teatro para la pantalla grande.

Pero son las actuaciones las que elevan el diálogo a un ballet verbal de perspectivas encontradas. Waltz se luce en sus interpretación, llena de sarcasmo y honestidad, de un abogado de una farmacéutica a quien parece importarle poco los problemas de su hijo. Winslet y Foster contribuyen roles sólidos como madres preocupadas por sus crías y por mantener algun tipo de pudor o decoro. Ambas sirven como contrapunto a la ambivalencia de Waltz y Reilly.

Hablemos de Reilly. Pudiese escribir una tesis de lo excepcional que es John c. Reilly; de su gran capacidad como actor dramático y de su impecable ritmo de comedia. En este papel demuestra esto último, una actuación a la vez excesiva y sutil. No es una caricatura como en Talladega Nights o Walk Hard o su papel de Dr. Steve Brule en Tim & Eric. Es una caracterización concreta de un padre tratando de lucir de cierta manera, como se supone que luzca, pero escondiendo algo debajo de la superficie. Es el personaje más honesto de todos, mezclando amabilidad y humildad con rencor y apatía. Una interpretación verdaderamente completa. Pero ese soy yo, fanático de John C. Reilly.

Todo lo demás es como debe ser. La mayoría de la trama ocurre dentro del apartamento de los Longstreet logrando que la puesta en escena sea simple, sin mucho espacio para la experimentación o la novedad. El espacio sirve en función de crear el marco para el guión y los actores, sin entrometerse ni dejarse sentir – lo cual resulta perfecto para esta obra, que en manos menos cuidadosas podría haber perdido su corazón teatral.

.

Afortunadamente para los protagonistas este popular personaje del universo de Marvel Comics no decide hacer una visita de "mediación".

Carnage | 80 min | Comedia, Drama
Director: Roman Polanski |Jodie Foster, Kate Winslet, John C. Reilly y Cristoph Waltz
Exhibiéndose ya en Fine Arts Café Miramar.

• Véanla • si aprecias una buena actuación, en especial si eres fan de John C. Reilly o Cristoph Waltz; si te gustó la obra de teatro y tienes curiosidad de cómo la adaptó Polanski para el cine.

• Evítela • Si prefieres una comedia más tradicional y menos rebuscada; si aborreces el teatro.