El cineasta Jim Jarmusch (“Down By Law”, “Stranger Than Paradise”, “Broken Flowers”, “Night on Earth”, etc.) famosamente dijo una vez: “Nothing is original. Steal from anywhere that resonates with inspiration or fuels your imagination.” A la verdad que no soy tan fanático de Jarmusch – su última película me hizo pensar en llamar a “Agent J” para que con su curiosa maquinita borrara instantáneamente de mi cerebro todo recuerdo de ella.  Sin embargo, es muy interesante lo que él establece en esa cita – que la originalidad no existe – ya que la totalidad de las obras creativas que hemos presenciado a través de los años – inclusive las que nos hacen exclamar: ¡Wow, que original! – contienen más de un elemento reciclado.  He aquí algunos de mis ejemplos favoritos de elementos reciclados dentro de nuestra cultura popular para que se inspiren y compartan algunos de los suyos.

Ejemplo #1: ¿De qué Metropolis salió C3-PO?

En los años 30, cuando Alemania aún estaba partiendo caras en el mundo del Cine y el hombre del bigote cuadrado todavía tenía el poder de dicho lugar, Fritz Lang (director expresionista de “M” y muchas otras) construyó una bestia llamada “Metropolis”.  Esta película revolucionó el género de la ciencia ficción y las técnicas de efectos especiales al lograr mostrar una gran ciudad con aspecto futurístico y gótico.  (Recalcamos que para este tiempo no existía ni el ENIAC ni la pantalla verde.)  En el filme aparece una mujer que es replicada por un robot – base para muchas de las imágenes más reconocidas de la película.  Si comparamos el robot de esta mujer – Maria – en “Metropolis” con C3-PO de Star Wars (o La Guerra de las Galaxias para los puritanos del español), existen muchas similitudes en el diseño de estos.  Incluso, el diseñador de C3-PO admitió que su mayor influencia fue precisamente Maria de “Metropolis”.  Esto lo podemos reconocer en el diseño de las caras de ambos modelos.

Ejemplo #2: Francis Black grita “I am un chien andalusiaaa!”

Todo el que haya tenido la oportunidad de ver el controversial cortometraje de Luis Buñuel y Salvador Dalí “Un Chien Andalou” tiene que admitir que como mínimo viró la cara una vez durante cierta escena memorable (a los que no han podido verlo se daran cuenta de lo que digo si se animan).  Este cortometraje ha sido objeto de controversia a través de los años ya que muestra una secuencia de imágenes sin narrativa lineal.  Luego de una conversaron entre los artistas (quienes estudiaban juntos – y también con Federico García Lorca) sobre los sueños nace la idea de crear un guión sobre estos para producir en película.  El cortometraje transcendió su epoca, tanto que muchos artistas contemporáneos todavía lo homenajean en sus obras.  Aquí menciono a The Pixies y su pieza “Debaser” donde son explícitos con su fuente de inspiración en la letra de la canción.

Y sin irnos tan lejos, en el Indie Rock Fest 2010 en Aguadilla muchos evidenciamos como la banda Campo-Formio dejó la peste allí con una de las presentaciones más movidas y llena de #ENERGIIIIAAAA de toda la noche (y el verano completo). Su música esa noche fue acompañada de las imágenes de este famoso cortometraje, “Un Chien Andalou”.  Kudos para la banda por ofrecerles ese “easter egg” a sus fans, dejándoles saber algunas de sus influencias en el área de los filmes.  El cortometraje también lo han utilizado artistas como David Bowie (en unas de sus giras), Mr. Oizo en la carátula de su disco “Lambs Anger”, en un episodio de Los Simpsons y como influencia en una escena de la película “Blue Velvet” de David Lynch.

Ejemplo #3: “Are you talkin’ to me?”

Me acuerdo de cuando podía ver la televisión (desde que comencé en la universidad mi relación con ella se ha perdido por completo).  En los canales locales llegaron a pasar dos anuncios que ahora vienen a mi memoria como buenos ejemplos en donde la fuente de inspiración es notable.  No el de “Cinco pesitos, cinco pesitos” de la mesera de Pizza Hut, ni la vieja de Kentucky hablando…  Uno de estos lo es el famoso anuncio de Toyota donde aparecían muchos hombres al frente del espejo diciendo “Are you talkin’ to me?”. ¿Acaso no te acuerdas a tu tío Junior (todo el mundo tiene un tío Junior) imitando este anuncio?  No mucha gente conocía la fuente de inspiración de este anuncio (eso es o generacional o blasfemia -ed) y esto viene de nada más y nada menos que de una de las piezas maestras de Martin Scorsese, “Taxi Driver”.  El otro anuncio es el de Subway que presenta a una mujer pelirroja freneticamente corriendo por toda la ciudad hasta llegar al establecimiento de sandwiches.  ”Run Lola Run” de Tom Twyker es la fuente de inspiración indiscutible del anuncio.

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Quise abrir este artículo porque se que muchas obras – desde películas a canciones y anuncios – tienen referencias, influencias y fuentes de inspiración (algunas más escondidas o rebuscadas que otras) que apuntan a su razón de ser.  Sé que ustedes tienen más ejemplos que aportar, así que los invito a que compartan algunos de sus favoritos o de los cuales quizás muchas personas no se han dado cuenta.  ¡Seguimos en los comentarios!

El fin de semana del 4 de julio tuve la oportunidad de darme un viaje de 6 horas desde Richmond, VA – en donde resido por el verano – hasta la Gran Manzana.  Siendo amante del cine y ya estando lo suficientemente familiarizado con la ciudad, sabía que encontraría una amplia gama de filmes para descubrir durante mi visita – aunque sintiera una leve violación al pagar los precios de taquilla.  El año anterior había pasado el verano entero en Nueva York y durante mi estadía logré apreciar un componente de la ciudad gótica que a todo observador (por poco observador que sea) debe ser lo suficientemente notable: las capas de arte urbano que cubren muchos de los espacios de la ciudad.  En parte fue ese recuerdo lo que me empujó a seleccionar “Exit Through The Gift Shop” entre otras opciones recomendadas como “The Girl With The Dragon Tattoo” y “I Am Love”.

Este excelente documental recorre la vida de Thierry Guetta (“Mr. Brainwash”, seudónimo que usa como artista callejero), un hombre francés con residencia en Los Angeles y con una notable obsesión con la cámara.  Este caballero llegó a un punto que grababa todo – literalmente TODO.  Un día con su familia en Francia se topa con algo que le cambió totalmente la vida.  Su primo se encontraba en el sótano de su casa creando unas maquetas.  Este artista era nada más y nada menos que “Invader”, vanguardista del arte callejero en Francia con influencia del famoso juego de los ’80 “Space Invaders”, entre otros.  Habiendo descubierto la identidad artística de su primo, Thierry Guetta comienza su aventura, persiguiendo a un sinnúmero de artistas callejeros en su vida nocturna mientras trabajaban sus obras (y hasta brindándoles ayuda).  Pronto se convierte en el objetivo mayor de Thierry el conocer al famoso y recluso artista BANKSY.

La dinámica que se da entre Thierry y Banksy es una muy atrevida en donde la adrenalina se hace parte integral de la experiencia, envolviendo así a la audiencia en sus aventuras nocturnas.  Las imágenes que se despliegan nos ayudan a comprender mucho más el trabajo de este maestro del “stencil” y “terrorista” de los medios.  De igual manera, es interesante como se explica el giro que esta tomando el arte callejero y cual es la opinión de varios de sus mayores exponentes.  ”Exit Through The Gift Shop” es siempre entretenido, en ocaciones cómico, y hasta inspirador.  A través de su duración, logra sembrar una semilla en los detractores del movimiento artístico y los “puristas” de las artes, argumentando a favor del grafitti como un medio de expresión tan viable como los más tradicionales.  El filme cuenta con la narración de Rhys Ifans (“Human Nature”, “Enduring Love”) y una banda sonora variada bajo la supervisión de Geoff Barrow (Portishead), donde se incluyen composiciones de Roni Size y Richard Hawley.

Mucho más que un mero documental sobre el arte callejero, “Exit Through The Gift Shop” es un ejemplo singular y un modelo a seguir.  Más emocionante aún, el documental puede ser lo que despierte tu curiosidad por nuestros artistas callejeros locales como lo son Sofía Maldonado - quien ya se ha hecho sentir en Nueva York –  el Bik, Nepo, Joythief y Aslan, entre otros.  Así que marquen en sus calendarios (si es que lo hacen) la llegada de este documental a formato DVD para que disfruten de éste en la comodidad de su hogar, ya que es poco probable que Caribbean Cinemas – con la “rica variedad” de filmes que muestran en sus salas a través de la isla – decida proyectarlo en Puerto Rico.

Cada dos semanas (o menos) el equipo editorial de PuertoRicoIndie.com haremos un esfuerzo por ‘reunirnos’ (gracias a la magia de la Internet) para discutir un tema en particular a través del cual puedan compartir sus experiencias, preferencias y sugerencias cinematográficas con nuestros lectores – y que ustedes, en cambio, compartan las suyas a través de la sección de comentarios.  Además de ser un buen ejercicio de escritura para todos, este compartir posiblemente nos sirva para descubrir nuevas películas y obtener nuevas perspectivas sobre artistas que quizás no hayamos considerado anteriormente.

A raiz del estreno de Inception decidimos aventurarnos a discutir películas que catalogamos como ‘mindfucks‘.  Un ‘mindfuck movie’ es aquella que ponga tu cerebro a trabajar tiempo extra o que te deje aturdido durante y después de verla.  Las maneras de llevarte a sentir diferentes niveles de confusión, disgusto, incomodidad y asombro varian de cinta en cinta.  Logra que la audiencia reaccione de la manera deseada es un triunfo para el cineasta y eleva la experiencia  de ver una película, más aun cuando se trata de un mindfuck.   A continuación, los filmes que de alguna manera u otra nos dejaron sintiendo que fuimos penetrados cerebralmente. (Advierto sobre posibles SPOILERS.  Estamos escribiendo abiertamente sobre películas, asi que si no has visto alguna te recomiendo que tengas cuidado al momento de leer.)

Freddy Got Fingered (2001)

@redod (Editor, PuertoRicoIndie.com)

Cuando decidimos explorar el tema de ‘movie mindfucks’ para esta edición de La Mesa Redonda, aún no había visto el nuevo filme de Christopher Nolan que sirvió de inspiración para este post y pensaba explorar en mi contribución otras de las películas de ese aclamado director.  También consideré escribir sobre una de mis películas favoritas, Mulholland Drive de David Lynch (su segundo nombre es ‘Mindfuck’) o sobre Zelig de Woody Allen, la cual muchos quizás desconocen.  Pensé en escribir de Tetsuo the Iron Man y rápidamente desistí (no se torturen).  Y aunque les recomiendo sin pensarlo dos veces a que vean todas las películas de Nolan, Lynch y Allen, no estaría siendo honesto conmigo mismo si dejara de compartir con ustedes la película que más daño cerebral me ha causado – Freddy Got Fingered.

La película existe porque Tom Green logró la fama suficiente como para lograr que alguien financiara su libreto original (que seguramente NADIE leyó antes de soltarle el dinero – recuerden que Tom Green fue en su momento una de las estrellas más grandes de MTV).  Abusada por los críticos tras su lanzamiento, fue Roger Ebert quien mejor capturó en palabras lo que Freddy Got Fingered representaba dentro de la historia del cine: “This movie doesn’t scrape the bottom of the barrel. This movie isn’t the bottom of the barrel. This movie isn’t below the bottom of the barrel. This movie doesn’t deserve to be mentioned in the same sentence with barrels… The day may come when Freddy Got Fingered is seen as a milestone of neo-surrealism. The day may never come when it is seen as funny.” Le dio cero estrellas.

Si esa descripción no inspira suficiente curiosidad como para que vean esta obra maestra de Tom Green, entonces no son verdaderos aventureros ni entusiastas del ‘Mindfuck Cinema’. La película presenta la historia de Gordon Brody (Green), quien a sus 28 años es la verguenza de su familia.  Brody se atreve a soñar en grande e intenta vender su idea de un show de televisión (animado, sobre una familia mitad humana, mitad zebra) para así ganar el respeto de su padre a quien termina acusando de haber ‘tocado’ a su hermano menor (el titular Freddy).  Además logra mezclar la comedia inexplicable de Green con corridas de patineta en centros comerciales y el hostigamiento de los restos de un venado atropellado (entre otros pensamientos pre-Jackassianos), uno de los romances menos convencionales que el cine jamás haya logrado y el mejor papel de Rip Torn, quien fácilmente opaca a Green como el padre de Brody y es sin duda el personaje más alucinatorio de toda la película.  Daddy, would you like some sausage?

Primer(2004)

@pulgui (Escritor, PuertoRicoIndie.com)

Siete mil dólares.  Eso fue todo lo que necesitó Shane Carruth para crear Primer. Si esto no es un mindfuck in itself, entonces vean la película. En Primer, Shane Carruth – quien produjo, escribió, dirigió, editó y protagonizó el filme – explora la evolución y la eventual degradación de la relación entre dos amigos confrontados con poder y dinero. Toda la historia cargada por el retorcido y complejo mecanismo de viajar en el tiempo que accidentalmente descubren. No hay forma alguna de entender todo el filme de la primera e introduce muchísimas paradojas que te dejaran discutiendo y pensando en la misma por bastante tiempo. Y repito: $7,000 una hazaña lograda por la creatividad y pasión indie. Una obra maestra de la ciencia ficción.

eXistenZ (1999)

@eldifusor (Productor General, Frecuencias Alternas)

“Mutant reptiles and amphibians create new, and previously unimagined, taste sensations,” le dice el mesero chino a los dos protagonistas de esta película del director canadiense, David Cronenberg. Esto, luego de que ambos miraran el extraño plato donde, efectivamente, está servido un reptil mutante baboso. Pero esto no es la vida real: es un videojuego al que se logra acceso a través de un perturbante, y curiosamente sexual, orificio en la espalda baja. Del plato del cual comen, unos huesos formarán una extraña pistola que se carga con un puente dental…

Si de “mindfuckery” se trata, David Cronenberg parece haber decidido hace un tiempo ser uno de sus líderes. Scanners, Crash (no la que se ganó el Oscar), su apropiación de The Fly y Videodrome son todas películas que, a través de su narrativa, te hacen cuestionar la sanidad mental del canadiense y la tuya propia. Con una sana obsesión sobre donde la tecnología y nuestra carne intersecan, Cronenberg busca provocar e instigar.

De todas sus películas, comparto eXistenZ con esta mesa redonda ya que ésta la estamos elaborando a partir de Inception. En eXistenZ se tocan muchos de los temas de Inception, e inclusive comparten la conexión física de sus personajes a un aparato que los induce a un sueño compartido. También está el elemento de que uno de los personajes es la creadora del video juego (entiéndase, la arquitecta), quien debe conquistar su propia creación para sobrevivir. Me atrevo a decir, que si tomamos en cuenta los interesantes paralelos que algunos críticos han señalado sobre como los niveles de sueño de Inception pueden ser interpretados como videojuegos, esta película se asoma como una verdadera predecesora a la entrega de Christopher Nolan. De aquí se puede desatar un diálogo interesante entre los dos mundos que cada director construye y aumentar lo niveles de “mindfuckery” de ambas películas.

Palindromes (2004)

@Sire_Damiano (Escritor, PuertoRicoIndie.com)

Cuando comencé a entrar al mundo de las películas independientes cada vez pensaba que estaba perdiendo la cabeza. Llegaba el momento que agarraba cualquier película por tal de relajarme y solo disfrutarmela. Tu sabes, no pensar tanto como mucha gente simplemente quiere hacer. Una vez fui a alquilar películas con mis amigas y decidimos coger Palindromes porque tenía una carátula bonita, se veía “diferente” y se titulaba “Palindromes”, un término interesante. La película comienza con una trama bastante interesant:, una niña de 12 años que quería ser madre. Las escenas van pasando y el filme se pone más abstracto que ver una pelea de boxeo donde hay un solo boxeador en el cuadrilátero propinándose puños él mismo.

Fue aquí cuando comencé a pensar si ya estaba llegando a lo más oscuro y absurdo del cine independiente y no les miento, me asusté. “Palindromes” es uno de esos filmes que cada vez que pienso en ella me siento amenazado como amante del cine. El director logró su objetivo en mí, el cual lo más seguro fue sentirme bastante incómodo y confundido. No se si estaba viendo una película o un proyecto de videoART “abstracto” y “surrealista” de joven universitario. Puedo admitir que esta película me llamó la atención para ver los pasados proyectos de Todd Solondz, los cuales tengo en fila para ver. Sin embargo, si alguien me pide una película que sea puro mindf**k le ofrecería de primera mano a “Palindromes”.

American Psycho (2000)

@PurpleMixTape (Escritora, PuertoRicoIndie.com)

Muchos pensaban que era imposible hacer una adaptación de la controversial novela de Bret Easton Ellis, ya que está repleta de pasajes extremadamente violentos (varios quedaron fuera). Sin embargo, la película no deja de “mindfuckear” al espectador con la conducta perturbadora del protagonista.

En un Nueva York ochentoso, Patrick Bateman (Christian Bale) es un “yuppie” obsesionado con su apariencia personal (lo cual incluye una rutina diaria de ejercicios, meticulosa limpieza corporal y mascarillas) y no da un paso sin su inseparable Walkman. Su apariencia es tan “limpia”, que nadie jamás sospecharía que tiene una doble vida y que es un desquiciado con tendencias asesinas. En este filme, se exploran las falsas apariencias de la sociedad. Incluso, se recurre al símbolo de la máscara para representarlo (“I think my mask of sanity is about to slip”).

Bateman le es infiel a su prometida con conocidas y prostitutas, intenta “alimentar” a un cajero automático con un gatito, incurre en métodos de tortura y asesina sin discriminar (incluyendo a un vagabundo que nunca antes había visto). Todas estas acciones las hace con una frialdad y normalidad aterradoras, haciendo que el espectador se pregunte cuál será su límite (el correr desnudo con una sierra eléctrica para perseguir a su víctima no lo es). Sin embargo, es en el final dónde sabemos qué realmente ocurre con este individuo.

Algo que es gracioso pero aterrador a la vez es el prólogo para cada crimen: un comentario de Bateman sobre algún artista y su discografía (“Do you like Phil Collins?” tiene que ser una de las mejores citas en la historia del cine). Aquí, las canciones utilizadas de fondo contribuyen al “mindfuck”, pasándole por encima al grado de inocencia pop que puedan tener. ¿Tendremos que huirle a un ejecutivo de la Milla de Oro que empiece a hablarnos de Whitney Houston? American Psycho nos recuerda el hecho de que hay muchos y muchas Patrick Batemans allá afuera, lo cual provoca paranoia. Ni “Sussudio”, de Phil Collins, se salva del “mindfuck”; quizás porque la escena en donde se usa consiste de esto último, pero sin el “mind”.

Natural Born Killers (1994)

@joeprog (Productor General, Frecuencias Alternas)

Muchas otras películas existen que cuando terminan me han dejado con mirada perpleja y el cerebro hecho añicos. Pero una de las primeras que lo hizo, y por ende una de las más importantes para mi, es Natural Born Killers de Oliver Stone. Basada en un libreto original de Quentin Tarantino (revisado y reescrito por Stone y otros), pretende retratar la afición y adicción de la sociedad americana con la violencia y como los medios de comunicación la propagan y glorifican. Cuenta la historia de una pareja de asesinos, Mickey y Mallory Knox (interpretados por Woody Harrelson y Juliette Lewis), que atraviesan el país asesinando a diestra y siniestra, y como su persecución, eventual captura y (spoiler alert!) escape atrapan la atención y la imaginación del público estadounidense. Un filme excesivamente violento (para los estándares de 1994), al punto que el MPAA amenazó con una clasificación de NC-17 si no era fuertemente editada.

La película es una amalgama intoxicante de visuales dispares que lleva al público al borde de probar su paciencia. Mezclando el fílmico con videocassette y animación, crea un pastiche de géneros como el “road movie” con elementos de “true crime” y hasta el “reality television”, un género que estaba creciendo desmedidamente a mediados de los 90. Todo esto con un bombardeo de referencias a la cultura popular de los últimos 40 años, antes de que el fácil acceso a “snapshots” de pop culture fuera una cosa cotidiana gracias al internet. Dándole toque final a la fórmula, tiene una excelente banda sonora creada por Trent Reznor de Nine Inch Nails, donde emula el pastiche visual de Stone haciendo un junte de música original con diálogo de la película y composiciones/remezclas de otros artistas, creando el perfecto acompañamiento al filme.

Sin entrar en el debate sobre la efectividad de las críticas sociales que intenta hacer, definitivamente ofrece una ventana a un momento en la psiquis colectiva estadounidense donde convergen los excesos mediáticos que informan a la masa. Un vistazo a una sociedad en decadencia por su amor a la violencia.

Synecdoche, New York (2008)

@reed_rothchild (Escritor, PuertoRicoIndie.com)

Esta película merece una monografí entera pero me voy a conformar con estos breves parrafos, no vaya a ser que pierda más la mente.  Escrita y dirigida por Charlie Kaufman – el guionista de Being John Malkovich, Adaptation y Eternal Sunshine (todos mindfucks) -  Synecdoche, New York no es una cinta a la cual es fácil adentrarse.   Muchos la llamarían lenta, otros confusa.  Y es la verdad, es lenta y confusa.  Pero si te permites entrar en el viaje, sin importar el rumbo, puedes salir satisfecho de que la experiencia valió  la pena.

La película trata sobre Caden Cotard (Philip Seymour Hoffman), un dramaturgo que crea una obra de teatro que a la misma vez es simulacro de su vida.   Los personajes en este simulacro incluyen sus seres queridos y extraños, vistos desde el punto de visto de Caden.  Poco a poco el simulacro sigue expandiendo y a su vez crea una obra de teatro dentro de si mismo y se sigue desdoblando una y otra vez.  El sentido de realidad se pierde por completo y la gente real y los actores comienzan a vivir en y para la obra, confundiendose entre si.  Mindfuck total.

Lo cierto es que no te puedo vender esta película, tienes que tener ganas de verla.  Es depresiva, trata sobre temas como la obsesión y el remordimiento y te aseguro que no vas a salir feliz luego que acabe.  Pero un filme que te lleve a la auto-reflexión es admirable y Synecdoche, New York va a consumir tus pensamientos por buen rato despues de verla.

Foto: dw212 via flickr.com

El estreno del filme Inception , del aclamado director Christopher Nolan, es una muy buena razón para adentrarnos en la música del compositor alemán Hans Zimmer, quien compuso la banda sonora para dicha cinta. Ésta es su tercera colaboración para Nolan luego de Batman Begins y The Dark Knight.

Hans Zimmer se ha destacado por hacer arreglos que mezclan los sonidos electrónicos con los arreglos tradicionales orquestales, logrando así una fusión dinámica y hasta de tensión, al igual que el ritmo de las películas.

Su relación con la música empezó desde niño, a causa de una tragedia: la muerte de su padre. Es por eso que se refugió en la música, la cual se convirtió en su “mejor amiga”. Zimmer empezó su carrera tocando teclados y sintetizadores. A finales de los años 70, trabajó con The Buggles, cuyo video musical para“Video killed the radio star” (1979) fue el primero en ser transmitido en MTV en agosto del 1981. Zimmer forma parte de este momento histórico en la cultura popular al aparecer en el video junto a los teclados.

Más adelante, Zimmer trabajó en “jingles” publicitarios y luego se unió al compositor Stanley Myers para crear bandas sonoras para cine. Fue ahí donde Zimmer comenzó su fusión electrónica/orquestal. Pero fue su introducción a Hollywood se dio con su participación como productor y compositor de las bandas sonoras de las películas The Last Emperor y Rain Man, respectivamente. Desde ese entonces, ha compuesto música para más de cien filmes, entre ellos: Driving Miss Daisy, The Lion King, Gladiator, The Ring, The Last Samurai, The Da Vinci Code y Sherlock Holmes. Ha sido merecedor de varios premios y nominaciones, ganando un Óscar por The Lion King y un Grammy por The Dark Knight. Fue incluido en la lista de los “Top 100 Living Geniuses”, ocupando la posición #72.

A continuación, reseñaré algunas de las piezas de Hans Zimmer que más me han impactado de algunos de los filmes para los cuales ha manifestado su arte.

“Molossus”, Batman Begins (2005)

En el 2005, el director Christopher Nolan hizo un milagro que nadie pensó que ocurriría: resucitar la franquicia de Batman y sacarnos el mal sabor de boca que nos dejó Joel Schumacher con su Ciudad Gótica inundada de luces de neón y tetillas de goma. (¿Cómo George Clooney salió vivo de eso?). Batman Begins nos trajo a un Bruce Wayne de corte filosófico y a un Batman animal, rescatando la verdadera esencia oscura y la dualidad compleja que aparece en los cómics, lo cual ningún otro director pudo realizar a cabalidad.

Pero no tan sólo estaba el reto de reiniciar la historia de Batman, sino la música. Danny Elfman ya había insertado en la memoria colectiva su tema para Batman (1989), una pieza orquestal de matices heroicos y difícil de superar. Zimmer y Newton Howard decidieron no copiar lo que estaba hecho, por lo que esta banda sonora no está exenta de la fusión moderna y tradicional de Zimmer. Éste compuso los temas de acción, mientras que Newton Howard trabajó las piezas dramáticas. Ambos lograron otra fusión con sus estilos, y con ella lograron capturar la esencia de la trama oscura y la caracterización de los personajes. Incluso, se incorporan ruidos como la horrenda distorsión producto de la toxina de Scarecrow y la capa en movimiento de nuestro héroe.

“Molossus”, que es el nombre de una especie de murciélagos (al igual que los títulos de las otras piezas), ha sido considerado como el “Batman theme”. Percusión, trompetas, violines y algo de guitarra eléctrica componen este emocionante tema, el cual nos dice que Batman está aquí para quedarse y que esto es otra cosa. A pesar de que es todo lo contrario de lo que hizo Elfman en el pasado, no deja de ser heroica, memorable y diferente a lo que habíamos escuchado en otras películas de superhéroes, estableciendo de forma paralela a la visión de Nolan una nueva era que traspasaría ese género en todos los aspectos.

“The Kraken”, Pirates of the Caribbean: At World’s End (2006)

Un problema de las cintas de Pirates of the Caribbean es la dificultad de seguir lo que va sucediendo en la trama. Se me hace más fácil explicar a Lost que alguna de estas películas. Lo único que siempre recuerdo es a Johnny Depp (con mucho “eyeliner”) caminando borrachito y la música de Hans Zimmer. “The Kraken” definitivamente le hace honor a su título: es un monstruo, pero musicalmente hablando. Esta canción nos transmite lo épico de los piratas y sus grandes embarcaciones. Nos hace sentir que estamos en el barco junto a ellos, peleando contra el enemigo y las olas del mar, a pesar de que no sabemos exactamente lo que está pasando. El órgano y las voces masculinas en los coros, que representan a los piratas, protagonizan esta pieza y le dan la ambientación de pirata “vintage” con toques modernos. A su vez, el órgano da un toque fantasmagórico y de terror, propio de varios de los tripulantes zombies del Black Pearl.

“Why so serious?”, The Dark Knight (2008)

Una de las cosas que más esperaba de la secuela de Batman Begins era el la música de Zimmer y Newton Howard. Me preguntaba: ¿Cómo será el nuevo “soundtrack”? Siempre imaginé que habrían algunas versiones más extendidas o repensadas del material ya existente, lo cual fue así. Incluso, se puede decir que hay una secuela pero a la vez antítesis para “Molossus”, la cual quedó manifestada en temas como “I’m not a hero” y “A Dark Knight” para representar la condición de antihéroe de Batman, pero nada me preparó para “Why so serious?”.

Esta pieza, grandemente influenciada por la banda alemana Kraftwerk , está repleta de tensión punzante de principio a fin y no es apta para cardiacos. La película empieza con ella, la cual sirve de fondo para el robo a un banco perpetrado por un personaje siniestro y que todos ansiábamos ver: The Joker (interpretado magistralmente por el grandioso y siempre recordado Heath Ledger). El comienzo tiene un chillido que puede llegar a ser insoportable (para bien), el cual fue logrado gracias a navajas con las que se tocaron instrumentos de cuerda. Pero esa es la idea: provocar terror y que odiemos no sólo al ruido, sino al Joker. La tensión continúa hasta llegar a su clímax en un sonido grave, mientras el Joker nos revela su rostro mefistofélico y nos confiesa que “I believe… whatever doesn’t kill you simply makes you… stranger”. Definitivamente, un momento épico.

Este mismo tema fue utilizado cada vez que The Joker aparecía o estaba próximo a aparecer en escena, llenándonos de terror a los espectadores y haciéndonos imaginar que lo peor estaba por suceder. Como dato curioso, a raíz de la trágica muerte de Ledger, Zimmer pensó en descartar este tema y componer otro nuevo, pero luego se dio cuenta de que eso comprometería la maldad que se quería presentar en el personaje. Muy buena decisión, Hans. Recientemente, se hizo un lanzamiento digital en iTunes de piezas que no fueron incluidas en el disco original. Excelente adquisición para los fanáticos de esta película y del compositor.

“Discombobulante”, Sherlock Holmes (2009)

Guy Ritchie se dio a la tarea, al igual que lo hiciera su paisano Christopher Nolan, de reinventar un personaje clásico: Sherlock Holmes. El resultado fue un filme con influencias Nolanianas y Batmanianas, rescatando también la oscuridad del Sherlock de las novelas de Sir Arthur Conan Doyle . Sin embargo, las influencias van más allá de eso. Ritchie incorporó la música de The Dark Knight durante el proceso de edición de su película. Luego, le pidió a Hans Zimmer que compusiera la música para ella, pero que hiciera algo totalmente distinto. El compositor introdujo el banjo, violines chillones, un címbalo y un piano roto de “pub” para darle ese toque antiguo del Londres de 1891.

En “Discombobulante”, el resultado es una pieza que nunca pierde su fuerza y su elegancia británica. Es un tema que de primera impresión parece alegre, pero también refleja misterio y acción. Éste logra transportarnos a un Londres en donde el famoso Tower Bridge todavía no había sido terminado de construir. Otro logro es el video (ver arriba) que acompaña a la canción, en el cual aparece el mismo compositor, de forma muy original, tocando el címbalo acompañado por un perro. También aparecen los músicos de la pieza, Guy Ritchie y el actor Robert Downey, Jr., quien interpreta al famoso detective.

Sin duda alguna, Hans Zimmer ha innovado la forma de hacer bandas sonoras para el séptimo arte. En sus composiciones, ha logrado infiltrarse bajo la piel de los personajes y comunicarnos lo que sucede en la psiquis de cada uno de ellos. El otorgarle el título de genio no ha sido en vano. Ahora,  me pregunto: ¿Qué sorpresa nos tiene él para Inception? El “trailer” nos da un pequeño adelanto, pero me daré a la tarea de averiguar este fin de semana, luego de casi más de un año de espera. Les aconsejo hacer lo mismo, ya que la película promete estar buenísima. Después de todo, si es Nolan y Zimmer, ¡tiene que ser bueno! O al menos eso pienso yo.

El pasado marzo de este año, el grupo Calle 13 viajó a Cuba para presentarse ante una masa de miles (en serio, tienen que ver el pietaje – es impresionante) por gestión en gran parte del cantante local Kelvis Ochoa.  Havana-Cultura.com realizó un pequeño documental (duración aproximada: 22 min) sobre el evento celebrado en la Plaza Anti-Imperialista de La Habana que compartimos arriba en lo que esperamos el disco nuevo de Calle 13, pero no sin antes dejarles el link directo al artículo dentro del portal.

Photo: josh.liba via flickr

Me gusta la moda, pero soy racional y no la sigo al pie de la letra. Tengo espejuelos Versace, pero tampoco gastaría todo mi dinero en accesorios y ropa de ese diseñador u otro. Cuando era adolescente, prefería comprar CD’s con mi mesada antes que ropa. Mi iPod es un mejunje musical que me deja perpleja: un minuto están cantando Los Niños Estelares y al siguiente Madonna. Sólo he tenido dos revistas Vogue en mi vida, pero tengo muchos libros y novelas gráficas (desde Cervantes hasta Frank Miller). Veo Gossip Girl, pero no me entusiasma igual que Lost. Se puede decir que soy una contradicción, pero a pesar de eso, estoy en balance.

Sex and the City II: The Bitches and the Crazy Menopausic Nymphomaniac Strike Back es una contradicción, pero no tiene balance alguno.

Sí, vi SATC 2. Lo admito. El primer paso para reconocer un guilty pleasure es admitirlo, no ocultarlo.

Pero no vi la película sin saber a lo que me atenía. Me gustaba mucho la serie. Era algo distinto en cuanto a personajes femeninos. Luego, vi la primera película, de la cual no esperaba mucho a juzgar por los cortos, pero aún así la vi porque quería darle seguimiento a los personajes. Salí decepcionada. No me impactó en ningún sentido. Al ver una buena película, uno siempre sale con un saborcito a ella: te quedas pensando en ella y en sus personajes por días o alguna cita se te queda grabada. Eso sí me sucedía con la serie. Esta profundizaba más en las relaciones de pareja de las protagonistas y en sus vidas profesionales. Ellas no eran histéricas y gritonas. Sin embargo, ambas películas no escatimaron esfuerzos en caricaturizar y ridiculizar a los personajes hasta la médula. Si esto representa la liberación femenina, que Dios, Zeus o quien sea nos ayude.

Vi los cortos de la secuela. Pero, por alguna extraña razón, teniendo en cuenta la decepción previa y que los cortos nuevamente prometían la misma experiencia del filme anterior, fui al cine a verla. ¿Seré masoquista?

Mientras veía la película, encontré muchas contradicciones. Hasta yo misma me sentí en contradicción por estar allí. Pero bueno, todos tenemos nuestros guilty pleasures. Unos los dicen con orgullo, mientras que otros los ocultan. La cuestión es que esos GP’s no rijan tus gustos y tu vida. Eso es tener balance.

Pero no sólo el ver la cinta trajo contradicciones, sino el mismo público que se presentó allí. Llegué temprano a la sala de cine y estaba repleta, en su mayoría, de mujeres de todos los tamaños vestidas con trajecillos y blusas con aires “fashion” y pelos planchadísimos de forma geométrica, como si fueran a darse un Cosmopolitan a (inserte el nombre de whatever place que esté “in”). Digo, yo estoy a favor de que la gente salga bien vestidita y limpiecita. Si por mí fuera, que todos salgamos vestiditos como lo hacía la gente en la década del 50 (he ahí mi amor por tiempos pasados). Pero, honestamente, ese “look” no era para la ocasión. Después de todo, nadie quiere salir con su traje cafremente decorado con mostaza escurridiza y ketchup sangriento luego de haber consumido un hot dog. Otra contradicción fue ver a esas mismas chicas con gigantescas bolsas de popcorn y vasos grandes de refresco. Quizás eso explica el por qué varias mujeres de mi fila se pararon varias veces y salieron de la sala.

No elaboraré en la trama de la película. No para evitar “spoilers”, sino porque, pues, este… ¡NO HAY TRAMA!  Sí, hay una serie de situaciones, pero todas se resuelven muy superficialmente, sin profundizar, lo cual provoca cuestionarse sobre las reacciones de algunos personajes hacia ellas al ignorar lo que había ocurrido en la serie y hasta en la película anterior.

Los que se destacaron para compensar la falta de trama (o quizá estos retazos eran todo lo que había que contar) fueron Liza Minnelli cantando y bailando su versión de “Single Ladies” de Beyoncé en un “gay wedding” (así le llamaba uno de los personajes al evento), los majestuosos hoteles estilo palacio en Abu Dhabi, las bolsas blancas de papel de Dior en medio del desierto (al verlas, pensé “Dior. Nice!”, mientras las mujeres en la sala de cine gritaban como si hubieran visto a George Clooney desnudo), los zapatos brillosos de Christian Louboutin que Carrie (Sarah Jessica Parker) tenía puestos (GIRLIE ALERT: antes de morir, quiero unos zapatos diseñados por él), las boobies saltarinas de la nana de las hijas de Charlotte (Kristin Davis) y el boner del nuevo macharrán de Samantha, interpretada por Kim Cattrall (aquí no faltaron las carcajadas al estilo Bruja del 71 por parte de las espectadoras, ¡porque ver boobies brincando y un boner es lo más gracioso del mundo!). Es más, todos esos elementos tuvieron más importancia que los esposos de Miranda (Cynthia Nixon) y Charlotte, que sólo decían par de líneas y estuvieron de adorno. Me dio pena por los tipos, sobre todo por el esposo de Charlotte. Creo que tuvo mucho más diálogo en aquel episodio de Lost en el que hizo el papel de amigo imaginario de un personaje.

Cuando finalizó la película, sentí que realmente no había alguna historia interesante que contar (ni siquiera el infierno menopausiático de Samantha) y nada que pudiera llevarme como souvenir cinematográfico en mi memoria. Lo sé, esto es entretenimiento, pero su base, en un principio, tenía sustancia. Aquí, la única sustancia era la que se untaba Samantha en sus partes privadas para evitar los efectos de la menopausia (sorry a aquellos que están comiendo).

Lo triste es que mujeres sin mucho criterio y poca autoestima saldrán a imitar las acciones not-so-lady-like de Samantha, todo por querer ser “cool” y echárselas frente a su grupo de amigas. Oh, wait, ¿no es lo mismo que hacen varios hombres? So much for the so-called and cliched “feminism”! Y es que ambas películas promueven un feminismo falso, de la misma manera que la sociedad promueve una hombría falsa. El tener la cartera llena de condones y acostarse con el primer individuo que se te pare al frente no te hace más mujer, y viceversa con los hombres. Otra contradicción.

La peor pesadilla para aquellos que apreciamos y respetamos un buen conflicto y cómo este se desarrolla, es un filme como SATC 2. Por más que me agraden los zapatos de Louboutin y las tomas de las calles neoyorquinas, no voy a dejar de fijarme en cosas que una persona con dos dedos de frente debería. Pero claro, este es el Disney en esteroides para muchas mujeres “adultas”, porque siempre deben haber “role models” que sustituyan a las princesas de Disney.

Photo: chubstock via flickr

¿No han notado que últimamente en las películas de Martin Scorsese hace acto de presencia Leonardo DiCaprio?  Igualmente Penélope Cruz brinda su talento a la mayoría de los filmes del director español Pedro Almodóvar.  Y así sucesivamente podemos mencionar varias relaciones de director-actor que existen actualmente en el mundo del cine.  No estoy hablando de una relación amorosa como la que tuvieron Guy Ritchie y Madonna, quienes juntos en “Swept Away” fueron responsables por el desarrollo del fenómeno climatológico “El Niño” (se rumora).  Hablamos de un comportamiento que se puede observar a través de la historia del cine, como a algunos directores les funciona cierto actor o actriz para cualquier papel – se forma una liga emocional entre ambos, donde el director confía que a través de esa otra persona puede expresar su historia mejor que con cualquier otra.

Este artículo pretende explorar algunas de las relaciones director-actor que hemos podido observar en pantalla durante la trayectoria del medio, específicamente dentro de las corrientes del cine independiente y el cine de “auteur”.  Comencemos el desfile de parejas:

Primera Pareja: Martin Scorsese y Robert DeNiro

El primer análisis le toca al dúo del director niuyorquino Martin Scorsese y el actor americano Robert DeNiro.  Gracias a Scorsese, hemos conocido a DeNiro como un “tough guy” y “gangster” (aunque no tanto como Al Pacino en el palo de Brian DiPalma, “Scarface”, lo cual es casi un modus operandi para todos los maleantes de nuestro país).  En los NUEVE filmes que DeNiro ha trabajado de la mano de Martin Scorsese, muchos de sus papeles se destacan por esas cualidades.  Entre ellos se encuentra “Taxi Driver” (1976) – referenciada recientemente en el anuncio de Toyota con su famosa línea: “Are you talkin’ to me?” – “Mean Streets” (1973), “Goodfellas” (1990) y “Raging Bull” (1980).  Es posible llegar a la conclusión de que en cada película de Martin Scorsese dentro del género “gangster” o que trate de la vida dura en Nueva York, uno de los personajes le pertenecerá a Robert DeNiro (menos Gangs of New York, no? -ed).  Gracias a estos papeles, es difícil ver a Deniro en actuaciones dramáticas sin la misma personalidad dura que lo caracteriza en los filmes de Scorsese.

Sin embargo, la relación sentimental entre ambos parece haber cambiado de “status”, pasando de un sólido “In A Relationship” a un “It’s Complicated” y en vez de en De Niro, Scorsese se ha refugiado en los brazos de Leonardo DiCaprio.  Pero recientemente se anunció que Marty (nombre que se le da de cariño) regresa con su viejo amorío, para otro filme dentro del género “gangster”, así reafirmando que el director niuyorquino no ha olvidado aún los frutos de su primer amor.

Segunda Pareja: Pedro Almodóvar y Penélope Cruz

Muchos hemos presenciado las obras maestras del gran director español Pedro Almodóvar.  Todos sus filmes apelan a temas sociales, en la marcha destapando muchos tabúes.  Me acuerdo que me decían que las películas de Almodóvar eran bien “FUERTES”: con sus escenas sexuales (incluyendo sexo homosexual) y más escenas sexuales, y luego de éstas, otra escena sexual – todas sin música de “background” para suavizar su crudeza y con el “seseo” del acento español que sale en Televisión Española (TVE).  Sin embargo, los filmes de Almodóvar transcienden toda escena explícita, tomando situaciones cotidianas y mundanas para reflejar cierto realismo mágico, que aunque te estés orinando prefieres no dar pausa y seguir con el filme.

Ahora, hablemos del junte con Penélope Cruz.  La española comenzó a trabajar con Almodóvar en el filme “Carne Trémula” (1997), seguido por “Todo Sobre Mi Madre” (1999), donde reafirma ser una de las mejores actrices españolas del cine contemporáneo.  Después de estos dos filmes, la pareja regresa con “Volver” (2006) y la más reciente “Los Abrazos Rotos” (2009) en donde dicho director no duda en volver a utilizar a quien describe como su musa.  En uno de los “special features” del DVD de “Los Abrazos Rotos” se puede apreciar la interacción entre Penélope y Almodóvar y percibir como él logra sacar el máximo en la actuación de Penélope mediante su dirección.

Tercera Pareja: Wes Anderson y Owen Wilson

Muchos hemos tenido la oportunidad de ver varios filmes de este excéntrico director.  Es muy evidente su estilo, por ejemplo: divide sus películas en capítulos, sus personajes tienen características peculiares e inolvidables diálogos.  Además, al parecer Anderson tiene bien presentes sus “daddy issues” (¿y quién no? -ed) ya que muchos de sus temas tienen que ver con problemas de padre e hijo y la restauración familiar.  Pero mucho más allá de esto, cada filme de Wes Anderson tiene un común denominador: siempre vemos que en todos ellos hacen aparición dos actores muy reconocidos, Owen Wilson y Bill Murray.  Sí, muchos reconocemos a estos dos actores de otros proyectos.  Desde pequeño recuerdo a Owen Wilson por tener algo peculiar en su nariz y a Bill Murray por la manera en que combatía a esos fantasmas, introduciéndolos en un caja súper tecnológica.

La relación entre Wes Anderson y Owen Wilson va más allá de ser una entre colegas: juntos han escritos varios de los guiones como el de “Bottle Rocket” (1996), “Rushmore” (1998) y “The Royal Tenenbaums” (2001).  Incluso se rumora que Wes Anderson ha servido de gran ayuda emocional para Owen Wilson, ya que para la premier de “The Darjeeling Limited” (2007), Owen estaba pasando por unos momentos emocionales difíciles y el apoyo de Wes fue crucial para la rehabilitación de éste.  Bill Murray también ha tenido muchos papeles influenciales, pero siempre es posible señalar su nombre dentro del enorme reparto que Anderson suele utiliza como uno de los actores/personajes más memorables.

He decidido cubrir estas tres parejas ya que su participación actual es mucho más notable que otras parejas. Este fenómeno es muy interesante dentro del mundo del cine – y a veces parece ser una obsesión cuando un director encuentra a la persona ideal para transmitir sus ideas frente al lente sin importar el papel.  Y aunque los actores corran el peligro de ser asociados con un solo estilo – y vice versa – es evidente que cuando las parejas funcionan, como en los casos que hemos explorado, funcionan de verdad.  Podríamos mencionar muchas otras, pero para eso están las menciones honoríficas:

1) Tim Burton y Johnny Depp (Quien no haya notado esto no merece que se le venda una taquilla en el cine)

2) Woody Allen con Mia Farrow y Diane Keaton (actualmente con Scarlett Johansson)

3) Joel y Ethan Coen con George Clooney, John Turturro, Frances McDormand (esposa de Joel Coen) y John Goodman

4) Jim Jarmusch con Roberto Benigni y Bill Murray

5) Federico Fellini y Giulieta Massina (fueron esposos)

6) Alfred Hitchcock y Cary Grant

7) Spike Lee y Samuel L. Jackson

Foto original: meddygarnet via flickr

En algún momento, hemos dicho alguna cita de una película para expresar un sentimiento, una opinión o hasta una filosofía de vida.

En ocasiones, una cita cinematográfica expresa exactamente y sin rodeos (y, quizás, hasta de una manera más elegante) lo que queremos decir. Y es que, inevitablemente, nos apropiamos de elementos de la cultura popular. El cine no es una excepción. En Facebook, nuestros perfiles tienen por lo menos una cita de algún filme. El no tener al menos una es como un bizcocho sin frosting.

A continuación, aparecen cinco citas de varios filmes con las que me he identificado a través de los años y que uso como filosofía de vida. Ellas me recuerdan que no todo está perdido y que otros han pasado por lo mismo o por más que yo.

“After all, tomorrow is another day.”

–Scarlett O’Hara (interpretada por Vivien Leigh), Gone with the Wind (1939).

Con frecuencia, escuchamos por ahí la frase “Mañana será otro día”, sufriendo cierto desgaste. Pero eso cambia cuando nuestra “damsel-in-distress-turned-into-a-kick-ass-heroine” pronuncia esas palabras y se vuelven reales, cobrando más fuerza. En la escena final, luego de perder al gran amor de su vida (el capitán Rhett Butler, interpretado por Clark Gable ) cuando este le dice el famoso “Frankly, my dear, I don’t give a damn”, Scarlett se encuentra sola, sin saber qué hacer, hacia dónde ir y sin saber cómo recuperará a su amado. Mientras llora, recuerda las voces de su padre, la de Ashley Wilkes (el hombre que una vez amó) y Rhett; todos recordándole que lo único que importa es la tierra que la vio nacer: Tara. Es allí donde ella partirá y pensará en alguna manera de recobrarlo porque, después de todo, mañana será otro día. Esta cita nos da la esperanza de que, aunque las cosas vayan mal en el presente, el futuro nos aguarda más y mejores días; y que no hay que volverse loco pensando qué hacer porque no todo se resuelve en un instante.

“Life moves pretty fast. If you don’t stop and look around once in a while, you could miss it.”

–Ferris Bueller (interpretado por Matthew Broderick), Ferris Bueller’s Day Off (1986).

Siempre hay algo que aprender en las películas bratpacknianas de John Hughes. Él siempre escribió con el corazón y capturó fielmente lo divertido y lo tortuoso de ser adolescente. Ferris Bueller’s Day Off no es la excepción. La idea de cortar clases puede parecer, a primera impresión, algo inmaduro y superficial. Sin embargo, Hughes logra deconstruir esa imagen y convertir esa escapada en una mirada analítica de Ferris y sus amigos hacia lo que han sido, lo que son y lo que quieren ser. Es esta cita la que sintetiza la película a la perfección. Ferris nos la dice, “mirándonos” a través de la cámara, al principio y al final. Al principio, es como un prólogo a lo que sucederá y una justificación a ello. Pero es en la escena final donde Ferris pronuncia las palabras en un tono más reflexivo para que tomemos ese consejo en serio. Nos advierte que detengamos el caos de la inmediatez del tiempo y disfrutemos de los placeres sencillos de la vida, y que analicemos nuestras vidas en ese proceso. Si no lo hacemos, nos perderemos algo que no volverá: la vida misma. La película salió en el 1986, pero el mensaje sigue más vigente que nunca.

“Just because she likes the same bizarro crap you do doesn’t mean she’s your soulmate.”

–Rachel Hansen (interpretada por Chloë Moretz), (500) Days of Summer (2009).

Le doy gracias a la vida (y a los guionistas Scott Neustadter y Michael H. Weber) por esta afirmación tan valiosa y tan cierta. En el transcurso de este filme, las palabras con luz nos llegan a través de la persona que menos hubiéramos imaginado: Rachel, la hermana menor del protagonista. Rachel, a pesar de ser una pre-adolescente, tiene la madurez suficiente para conversar con su hermano Tom (Joseph Gordon-Levitt) sobre su relación tormentosa con Summer (Zooey Deschanel). Durante una práctica de soccer de Rachel, Tom le habla de sus problemas con Summer y sus sentimientos. Tanto es lo que él siente, que piensa que son almas gemelas porque comparten los mismos gustos (todo empezó con The Smiths en un elevador). Aquí es donde entra la voz de la razón y Rachel le dice a Tom una realidad insospechada: que el hecho de que dos seres compartan gustos tan afines no significa que sean el uno para el otro. Esto nos revela el por qué de los cantazos que nos damos y las preguntas que nos hacemos cuando algo no se nos da o no funciona, a pesar de lo que hay en común con la otra persona. Lo que pensamos que es obvio, no siempre lo es. Por este consejo de Rachel y mucho más, nunca debemos subestimar a los “chamaquitos”.

“I won’t kill you. But I don’t have to save you.”

–Batman (interpretado por Christian Bale), Batman Begins (2005).

Las cintas de Christopher Nolan sobre el “Caped Crusader” se han caracterizado en su constante uso de la filosofía y de hacernos cuestionar lo que creemos correcto. Esta cita se basa en la única ley que tiene Batman en su lucha por la justicia: no matar. El romperla significaría estar al mismo nivel que los criminales. En The Dark Knight se aprecia la tortura constante de Batman al dudar sobre esa regla de oro, pero lógicamente es en Batman Begins donde la establece, aunque de manera contradictoria. En la batalla final, en un tren a punto de estallar, se enfrentan Batman y Ra’s Al Ghul (Liam Neeson). Este último le pregunta a su exalumno si al fin aprendió a hacer lo que es necesario. Nuestro héroe le responde que no lo matará, pero tampoco lo salvará. Acto seguido, Batman lo deja en la garras de la muerte, mientras que Ra’s cierra los ojos, resignado a morir. Esta contradicción puede traernos horas de discusión, pero eso lo dejamos para otro momento. Esta cita es una decisión que en muchas ocasiones hemos tenido o tendremos que tomar. Aunque alguien nos haya hecho daño, eso no quiere decir que lo “mataremos” (en sentido figurado), pero tampoco significa que lo salvaremos. En otras palabras, lo que a esa persona le suceda de ahora en adelante, no importa en lo absoluto. Antes de salvar a alguien que no lo merece, tenemos que salvarnos a nosotros mismos de esa persona.

“Life can be wonderful if you’re not afraid of it.”

–Calvero (interpretado por Charlie Chaplin), Limelight (1952).

Esta es una de las películas sonoras de Chaplin. Su personaje, Calvero, es un payaso de oficio, frustrado porque su carrera está en la “cúspide del fracaso” (como diría Tavín Pumarejo). Calvero se vuelve alcohólico, y justo en una de sus borracheras salva del suicidio a Terry (Claire Bloom), una bailarina. Él ayuda a la chica a recuperar su autoestima, y él, a su vez, recupera la suya. Es durante el proceso de recuperación que Calvero le dice a Terry que la vida puede ser maravillosa si no le teme a ella, seguido del llanto de la bailarina y un discurso motivador del payaso. El miedo es un tema frecuente en el cine y en la vida misma, pero del miedo a la vida se habla menos que del miedo a la muerte. Para poder vivir y ver lo positivo de la vida (a pesar de lo corrompido que esté el mundo), no se le debe tener miedo. Es como dice Calvero más adelante en su discurso, que hay algo tan inevitable como la muerte: la vida. Otra cosa inevitable es el identificarnos con los personajes y las citas que nos da el cine. Y es que disfrutar del séptimo arte es una de muchas buenas razones para no tenerle miedo a la vida y vivirla.

Las repiten mil veces. Todas las semanas santas siempre son las mismas películas por ABC o Wapa o Univisión: The Ten Commandments, Ben-Hur, The Greatest Story Ever Told.  Películas que muchos llamarían clásicas, otros llamarían viejas.  Poco falta para que el torture porn de The Passion of the Christ entre en la rotación.  Demasiada seriedad en todas estas películas.  ¿No se supone que estén contentos porque Cristo resucita al final?

De todos modos, para aliviar todo este sentimiento de culpa con el cual nos bombardean, he aquí unas alternativas de cine y TV para pensar un rato y reir.

Monty Python’s Life of Brian

Holy Grail es la más famosa de ellos y Meaning of Life la más que da risa.  Por eso esta película usualmente cae en el olvido, aunque no debería.  Aquí los Python cuentan la vida de Brian Cohen, nacido el mismo día que Jesús (o sea, es Capricornio).  A los 33 años sigue viviendo con su mamá, sin ningún tipo de dirección en su vida, en un lugar donde te tiran piedras por nombrar a Dios en voz alta.  Se une a un grupo anti-romano llamado the People’s Front of Judea para combatir a quienes piensa son sus enemigos y para impresionar a una mujer.  Luego se enamora, lo persiguen los romanos, lo salvan los aliens (?!?) y lo confunden con ser el mesías.  Al fin y al cabo es atrapado por el ejército y es condenado a morir por Pilate; no lo salvan ni sus amigos ni su madre.  La película acaba con la escena de crucifixión más alegre que hayas visto.

South Park

Es increíble pensar que este programa sobre la vida de  4 amigos en el pequeño pueblo de Colorado ya lleva más de 10 años al aire.  Sin duda que es de lo más gracioso e inteligente que ha salido en TV durante ese tiempo y han tratado el tema de la religión en docenas de episodios.  Aquí van 4 ejemplos sobresalientes.

Do the Handicapped Go to Hell?
Sister Anne le explica a los chiquillos qué es la comunión y la confesión.

Fantastic Easter Special
Una sociedad secreta de conejos, un papa nuevo y la muerte/resurreción de Jesucristo, este capítulo lo tiene todo.

Christian Rock Hard
Cartman crea su propio grupo de rock cristiano.  Puedes escuchar canciones inspiradoras como Touch Me Jesus y Savior Yourself.

Super Best Friends
Profetas y divinidades de diferentes religiones se unen para frenar al malvado David Blaine.  Pobre Sea Man.

Dogma

Cuando esta película de Kevin Smith salió al cine varios grupos protestaron la manera en que representó a la iglesia católica y la imagen de Dios.  Se nota que las protestas las hicieron personas que nunca vieron la película.  A pesar de que Dogma no era ‘politically-correct’, Smith trataba los asuntos desde una perspectiva de católico creyente (lo cual es).  La película habla sobre la idolatría de las masas hacia productos de consumo y la enajenación del ser humano con el ‘verdadero’ Dios, sobre las tradiciones anacrónicas de la iglesia católica y muchas otras cosas. Además, es bastante graciosa. Para aquellos que no la hayan visto, denle una oportunidad.  Ah, y Alanis Morrisette es Dios

Los dejo con esto:

Crean en lo que quieran, señores.  Pero traten de no imponerle nada a nadie.  Dios los bendiga.

Si quieres escuchar a no-eruditos hablar sobre la crisis actual de la iglesia católica, visítanos #enprofundo.

UPDATE: La actividad tuvo que ser cancelada por la lluvia.  Ésta se llevará a cabo el próximo sábado, 23 de enero de 2010, a las 7PM en el Parque Nacional Laguna del Condado-Jaime Benítez.

Tres millones de personas se han visto afectadas por el terremoto del pasado martes en Haití que dejó a cientos de miles heridos y muertos.  Estas noticias, aunque catastróficas, podrían ser aún peor si no nos unimos en solidaridad y extendemos una mano a nuestros hermanos haitianos.  Este próximo domingo 17 de enero nuestros amigos de Cine Bajo las Estrellas estarán recibiendo donaciones junto a la Cruz Roja en el Parque Nacional Laguna del Condado-Jaime Benítez mientras presentan la película ‘El Baño del Papa‘ de César Charlone (cinematógrafo de City of God y The Constant Gardener).  También se estarán vendiendo camisetas a beneficio de las víctimas del terremoto (diseñadas por yours truly – ¡Todo el mundo a cooperar como pueda!).  Más información del evento y cómo pueden ayudar a continuación.

Comunicado de prensa:

PARQUES NACIONALES Y CINE BAJO LAS ESTRELLAS SOLIDARIOS CON HAITI

San Juan –  La Compañía de Parques Nacionales de  Puerto Rico (CPNPR), Wiesner Disitribution y Cine Bajo las Estrellas Inc. solidarios ante la tragedia que vive el hermano pueblo de Haití, exhibirán el filme en español “El Baño del Papa” el domingo, 17 de enero de 2010, a las 7:00 p.m. en el Parque Nacional Laguna del Condado-Jaime Benítez.

Durante la actividad voluntarios de la Cruz Roja llevarán a cabo una recolección de fondos económicos entre los asistentes a beneficio de las víctimas del terremoto en Haití. Se solicita la cooperación de todos. Además, se venderán camisetas (ver diseño por @redod abajo, costo: $15).

“Exhortamos a la ciudadanía a participar de esta actividad en la cual podrá compartir y dar la mano a nuestros hermanos necesitados” indicó Daniel Galán Kercadó, Director Ejecutivo de la CPNPR.